La Era Nickelodeon: Parte IV

(Parte I, Parte II, Parte III, Parte IV, Parte V)

¡Já! Pensaron que me había olvidado, que había dejado esto botado. Bueno, en estricto rigor sí, hace tres meses subí la Parte III, que es bastante más de lo que me habría gustado. Oh, bue. Después del nacimiento y gloria de la Era Nickelodeon, llegó el momento polémico. Con ustedes la cuarta parte de una historia de amor, acción y aventura. Lujuria y esponjas. Llantos y cabezas de balón. Risas y bebés creciendo. Con ustedes:

La Era Nickelodeon de la Animación. Parte IV: "La piña debajo del mar"

1998 fue un año interesante. Yo estaba en primero básico, y Nickelodeon estaba rockeando los charts en lo que televisión infantil se refiere. Rugrats: The Movie había sido pedazo de golpe para la industria y Nick se bañó en dinero ese año. CatDog prometía ser la nueva esperanza que reemplazaría a Rugrats, pero si tu serie estrella te está facturando como bestia...¿por qué detenerse con Rugrats?

Sin embargo, la televisión estaba cambiando. Desde el país del sol naciente llegaban más y más títulos que en los patios de las escuelas se comentaban, y Nick no estaba poniendo esos shows en la parrilla. En la que quizás fue la mejor decisión de toda su existencia, Cartoon Network estrena el 8 de Septiembre de 1998 Pokémon. Y ya, digan que soy fanboy o lo que quieran, pero me acuerdo que cada fin de año Cartoon Network emitía seguidos todos los episodios de Pokémon que hubiesen hasta ese instante. Un año eso significó tres días completos de solo Pokémon. Para nuestra mentalidad 2019, ni los fanáticos más fanáticos podrían pegarse tamaño maratón de su serie favorita, pero a fines del milenio pasado eso le era muy rentable a Cartoon Network. Muy rentable.

En julio del '98 Nick estrena Oh Yeah! Cartoons, una (muy necesaria) respuesta al exitosísimo What A Cartoon! de su competencia. Recordemos que WAC! fue el caldo de cultivo de los shows más icónicos de CN: Dexter's Laboratory, Powerpuff Girls, Johnny Bravo, Cow & Chicken, I Am Weasel, Samurai Jack y Courage: The Cowardly Dog por decir unos pocos. OY!C quiso emular eso, y después de varios dibujos, sketches, conversaciones ejecutivas y demás, el primer episodio de Oh Yeah! Cartoons fue un corto bautizado ChalkZone (ZonaTiza), el cual probó ser un recurrente en este formato hasta que al fin Bill Burnett y Larry Huber se ganaron el presupuesto para hacer una serie completa, pero más de eso después, no desarmemos la línea temporal.

En Agosto '98 también se estrenó Rocket Power de la mano del divorcio genio Klasky Csupó, pero vamos a lo que todos esperaban ver desde que empecé esto: Bob Esponja.

¿Les confieso algo? Los eventos que siguieron en Nickelodeon y, en particular con esta serie, me hicieron distanciarme de ella. Al hacerlo, olvidé lo genio que fue Stephen Hillenburg al crear todo este mundo y darle vida durante 3-4 tan hilarantes primeras temporadas. El fallecimiento de Hillenburg a fines del año pasado me hicieron darme varios paseos por YouTube y recordar que esta es una serie notable. Pero ya, luego le alargo en eso. Volvamos a la historia.

Stephen era un ñoño del océano desde el comienzo, y un ávido dibujante desde cabro chico. El problema es que dibujar peces es aburrido, así que después de sacar su major en biología marina y un minor en artes visuales, la cosa tiraba claramente para el lado serio del mar, y se metió al Ocean Institute en California. Ahí empezó a bosquejar más y más personajes animados oceánicos, e hizo un libro de cómics para explicarle a los niños sobre animales intermareales (esos que viven en la línea de costa y que en marea alta quedan sumergidos). Entre cosa y cosa conoció a un ya un tanto carreteado Jim Murray y se pusieron a conversar. Ahí Jimmy le comentó a Stephen sobre este proyecto llamado Rocko's Modern Life, que iba super bien, que Nickelodeon le había dado los cheques y todo. Y Jim le dijo "oye, igual me falta una mano y tú eres bueno dirigiendo. ¿Te interesa?". Stephen pescó sus orcas y se fue a Nickelodeon. Después de que se acabó Rocko el '96, Stephen siguió mosqueando en la compañía.

Alguien del canal vio su libro sobre animales oceánicos y le sugirió ponerle pino y hacer una serie animada al respecto. Estamos hablando de una idea que se gestó alrededor del año '92 en el Ocean Institute y a mediados del '96 estaba aún moldeándose entre sugerencias y levantadas de ánimo. Él quería que su serie se arrancase del molde "dos amigos haciendo ridiculeces" que Ren & Stimpy hicieron tan exitosos en la animación de los 90s. Stephen quería sólo un personaje principal.

Stephen quería el personaje principal más raro de todo el océano. Hizo una esponja. Literalmente agarró la esponja de su cocina, le puso ojos y unos pantalones, le puso la personalidad inocente y jocosa de Charles Chaplin, y le dibujó un mundo donde él pudiese habitar. Una mascota caracol. Un amigo estrella de mar. Un vecino calamar gruñón. Un restaurant. Una pez globo que se inflaba si la asustaban. Originalmente se iba a llamar SpongeBoy pero una marca de mopas ya tenía la patente registrada. Un amigo de la producción de Rocko lo bautizó Bob. Les gustó. Y otro de los ex-Rocko estaba ayudando con las voces, vio un bosquejo de Bob y se mandó esta cuña: "Mira esta esponja con sus pantalones cuadrados intentando conseguir un trabajo en un lugar de comida rápida". Así nació el apellido.

El proyecto de Stephen estaba listo. Después de años apañando en Rocko, todo el equipo de producción de Rocko apañó a Stephen. El sábado 1 de Mayo de 1999, se estrenó el bebé de Stephen Hillenburg: Spongebob Squarepants.

Cantemos juntos.

*Inserte aquí sonidos de burbujas y una flautita*

Durante su mes de estreno, Spongebob destronó a Pokémon como la serie más vista de los sábados en la mañana, con 1.900.000 de televidentes promedio. Nickelodeon no se la podía creer. Le dio el slot de lunes a jueves (ese que era el trono de Rugrats y Hey Arnold!) y la serie se convirtió en la serie con más alto rating de todas las mostradas en USA. Sí, le ganó a Pokémon, y cuando estamos hablando de la serie que redefinió los 90s, hey...ganarle a Pokémon es alto título. Con las dos temporadas que sacó entre el '99 y el 2001, Spongebob Squarepants se comió todo el éxito que Rugrats estuvo gestando toda la década. Quizá haya un significado poético ahí, pero no sé cuál sea.

El 14 de Agosto del '99 se estrenó este hitazo, el 7 de Septiembre de 2001 este momento (que es mi episodio favorito de toda la serie), y en el primerísimo primer episodio, este gran corte.

¡Y entramos al nuevo milenio! Series del 2000 en adelante, acá comenzamos, y comenzamos muy bien.

No mentiré, mucho de lo que sé de As Told By Ginger lo he aprendido reviendo la serie en YouTube y enlaces por ahí. La serie estrenada en Octubre del 2000 por (¿Nos sorprende ya a estas alturas?) el dueto divorciado Klasky Csupó trataba las aventuras de Ginger Fowley, y cómo ella intenta sobrevivir a su vida escolar. Lo loco de esto es que acá había desarrollo de personajes; tanto las amigas, la familia y las "enemigas" de Ginger iban avanzando a través de la serie y de los arcos que iban pasando. Courtney se va dando cuenta que Ginger es su amiga a pesar de ser una nerd y ella ya la más popular de la clase; Dodie se va haciendo más pesada (nunca me cayó bien), y Macie...pucha, la niña foca es real si crees en ella, nada más. Dedíquenle un tiempo a ver clips de esta serie y, si se animan, véanla completa. Dramas pubertos de 7°-9° grado, narrados desde sus puntos de vista, cómo los resuelven, la mamá de Ginger que es para sacarse el sombrero, y varios temas más que la creación de Emily Kapnek tocó en sus tres temporadas. De los pocos episodios que he pillado por ahí, esta serie tiene tanto corazón como las de mediados de los 90s que hizo el divorcio dinámico.

Y hey, hablando de Rugrats. Esto pasó. Han pasado 19 años desde esa escena, y me sigo yendo a la chucha. Ya les hablé la vez pasada de que "Mothers' Day" es mi episodio favorito de la serie, y ver una película completa de Rugrats enfocada en Chuckie dándose cuenta que Chaz es el mejor papá que le pudo tocar, que Kira lo ama como si fuese su propio hijo, y una escena de un Reptar gigante peleando afuera de Notre Dame. ¿Qué más se puede pedir de Rugrats In Paris? Que hizo más de 100 millones de dólares en cartelera, e inspiró las últimas tres temporadas de la serie Rugrats, que va a durar unos buenos tres años más.

♫ Soy el mapa, soy el mapa ♫

Como buenas series gringas, todas las tramas de los nicktoons están enfocadas o en personajes gringos o animales, y ya en ese entonces empezaba el drama de representation matters. Además, y viendo que Blue's Clues (♫ Pistas de Blue, pistas de Blue. ¡Blue Blue! ♫) facturaba como bestia, Nickelodeon se puso a trabajar en otro programa dedicado al público preescolar, y esta vez sin un gringo como protagonista. La idea era replicar la interactividad de Blue's Clues pero en un formato más aventurero y de exploración. Los cabros chicos salen al patio y juegan a explorar, a seguir un mapa y encontrar un tesoro. Valerie Welsh y otros flacos más agarran estos elementos y le dan forma a la nueva adquisición de Nick Jr: Dora The Explorer. La interactividad del show es parte esencial del programa desde el 14 de Agosto del 2000, cuando se estrenó. Para los preescolares, ellos están convencidos que Dora no llegará a su objetivo si no es con la ayuda de sus televidentes, y un colorido roster de personajes como el mono Botas, el mapa (♫ soy el mapa, soy el mapa ♫), un castor que sólo habla inglés (o español en su versión original), y después apareció un niño humano pero eso nunca lo entendí. Ah, y el antagonista: un zorro que se intenta robar un ítem de la aventura de Dora.

La cosa ya estaba encaminada y Dora le facturaba bien a Nickelodeon, y enseñándole a chicos de todo el mundo sobre exploración, leer mapas y hablar inglés. En ese punto, el equipo de producción le fue enfático a Nickelodeon: no cambiarle el espíritu a Dora. No convertirla en una muñeca como las Bratz, sino que la mercadotecnia de Dora refleje las aventuras que tiene en su colorido mundo, y que ella es latina, no hay que blanquearla para agradar padres racistas. Y pucha, viendo las princesas Disney y cómo se han marketeado, me parece una preocupación bastante razonable.

Es chistoso que de la ternura de Dora The Explorer, pasemos al que creo es el show más oscuro de la historia de Nickelodeon desde Ren & Stimpy. Oh bue, INVASIÓN.

Estábamos ya rondando los fines del año 2000, y Nickelodeon quería seguir en la tónica de As Told By Ginger de hacer series más pubertas y adolescentes, no sólo infantiles como sus hits de los 90s. Unos cómics de Jhonen Vasquez llegaron a las manos de los ejecutivos de Nick, y le dijeron "oye, ¿por qué no haces una serie en este tono?". Vasquez sabía que sus bosquejos y cómics eran demasiado oscuros, incluso para los estándares de Ren & Stimpy, así que decidió empezar de cero, creando un nuevo personaje, un nuevo mundo, un nuevo todo. El resultado fue el piloto de Invader Zim en 1999. Para un Vasquez de miserables 22 inviernos, dejar de hacer cómics en su pieza a tener un ejército de personas animando una serie fue un gran salto. Y no uno bueno, terminó contando. En cualquier caso, el 30 de Marzo del 2001 se estrenó la serie sobre el marciano verde del temible Imperio Irken, Zim siendo un inepto y, como castigo por haber arruinado la misión original de dominar la galaxia, lo mandan a la Tierra, un lugar tan extraño que nadie sabía nada de aquel distante lugar.

Jhonen Vasquez venía del mundo de los cómics, y no iba a dar su brazo a torcer sólo para agradarle a Nick y al presupuesto. Sus personajes tendrían bordes bien duros y líneas bien gruesas como si fuesen cómics, resultando un culo de animar. Y esto no lo digo yo, lo dijo el mismo tipo que trabajó animando Rugrats y Wild Thornberrys, y que calzaron en trabajar con Invader Zim. En promedio, cada episodio de los nicktoons tenía unas 120 páginas de storyboard, pero la atención al detalle de Invader Zim elevaba este número a 230 en promedio. Nickelodeon estaba feliz ante serie tan detallista y que tampoco tenía miedo de incorporar CGI (en un tiempo en que Toy Story aún estaba fresco), así que apuntaron a insertar al Irken en un bloque para shows más adultos, algo así como Adult Swim pero en Nickelodeon. El bloque nunca pasó, así que quedaron con Invader Zim volando.

El 30 de Marzo de ese 2001 se estrenó otra serie icónica de Nickelodeon: Fairy Oddparents (padrinos mágicos). Fairy Oddparents es otro hijo de Oh Yeah! Cartoons, creado por Butch Hartman, quien había trabajado en Dexter's Laboratory, I Am Weasel y Johnny Bravo. Si esos nombres les suenan conocidos, es porque Hartman venía de trabajar en Cartoon Network, e incluso les ofreció la idea de Fairy Oddparents al canal, pero ellos lo rechazaron. Timmy Turner, Cosmo y Wanda casi fueron Cartoon Cartoons. Nótense esa. Butch fue con su piloto a Oh Yeah! Cartoons, a Nickelodeon le gustó y empezaron a hacer la primera temporada.

Rocket Power era la otra serie "fresca" que tenían a la mano, ya que As Told By Ginger apuntaba a otra demográfica. Así que pescaron Rocket Power, Fairy Oddparents e Invader Zim y ¡sas! tenían su bloque de animación. ¿Se acuerdan de ese bloque de animación adulto que nunca pasó? Ya, ahí terminó Invader Zim. (Y acá en Latinoamérica el bloque "Slam!" que incluía Cubix y Yu-Gi-Oh!, otro lugar que nadie entiende cómo acabaron ahí esas tres juntas).

La demográfica de Fairy era entre los 6-10 años, ideal para su horario. Lamentablemente Zim apuntaba a una demográfica mayor, así que le fue bastante mal en rating.

Y ahora es cuando todo ese detalle a la animación, incluir CGI y demás le empezó a pesar a Jhonen Vasquez y Zim. La relación con Nickelodeon nunca fue buena, y varias veces tuvo que re-escribir episodios para agradar a la compañía. Vasquez quería matar personajes del episodio como Keef (el amigo de Zim al que él le transplanta ojos) e Iggins (esclavo del juego 2), así que tuvo que ser sutil con la muerte de estos personajes. Pero al final el 2002, apenas a un año de haberse estrenado, le cortaron las alas al Irken. "The Most Horrible X-Mas Ever" es el episodio 26 y final de Invader Zim, que es todo lo retorcido que la serie nunca pudo ser, porque Vasquez sabía que era el último. Si les suena la historia parecida a Angry Beavers, pucha...sí.

Al otro lado del parque, Fairy Oddparents era grito y plata. Casi que lo ponías a las 4 am y seguía siendo el programa más visto en ese horario. Sólo dos series le ganaban en rating: Pokémon y Spongebob Squarepants. Imagínate la cara de avaricia de los ejecutivos de Nickelodeon cuando dos de las tres series más exitosas de 2001-2002 son tuyas. ¿Por qué Padrinos Mágicos fue mostrado por Jetix en Latinoamérica entonces? La verdad, no tengo idea.

Varios párrafos atrás hablé de ChalkZone, el primer corto de Oh Yeah! Cartoons y que al fin en marzo del 2002 tuvo luz verde para ser su propia serie. A pesar de que era bastante original, que el superhéroe azul era chistoso y la frase "Ruddy, dibuja algo!" era célebre, ChalkZone pasó sin pena ni gloria por Nickelodeon. El primer episodio tuvo un rating altísimo, pero después de tres temporadas Nick decidió cancelar la serie el 2005. Los últimos dos episodios de la cuarta temporada fueron recién lanzados el 2008 casi como un adiós simbólico.

Ouch.

Y hablando de ouches, uno de los peores ouches de los 2000s tempranos: "Hey Arnold! The Movie"

Nickelodeon facturó millones con ambas películas de Rugrats, a Spongebob Squarepants y Fairy Oddparents no los paraba nadie en televisión, y si bien hubo series de poca trascendencia mediática como As Told By Ginger, ChalkZone e Invader Zim, Nick estaba confiado en el éxito de otra serie icónica que ya llevaba cinco temporadas y aún dando ratings.

En el '99, cuando Hey Arnold! confirmó su cuarta temporada, le dijeron a Craig Bartlett si quería hacer dos películas de 90 minutos sobre el cabeza de balón. Él claramente aceptó. Arnold Saves The Neighborhood fue el primer proyecto, el cual iría como especial de televisión a eso del 2001, pero Nick le gustó tanto el sabor del dinero con Rugrats que le dio más presupuesto al especial de televisión, reanimaron varias escenas, le dieron un soundtrack más profesional y la lanzaron a la gran pantalla. Literalmente lanzada, porque Craig estaba como "oye pero...ya, bueno ya". Las reviews fueron claras y tajantes: "esta cuestión es el clásico episodio de media hora, pero alargado durante 90 minutos". Uno de los temas más recurrentes de la serie es el amor de Helga hacia Arnold, y éste se pensaba tratar en la segunda película (aún anónima en aquel entonces), pero Nickelodeon forzó a Craig a que eso se desenlazara en Hey Arnold! The Movie. Si creen que la escena en que Helga le dice "te amo, Arnold!" en la torre mientras está lloviendo es una escena apurada y fuera de lugar, imagínense cómo se sintió Craig.

A la película le fue como el orto, y en la próxima reunión ejecutiva que tuvo con Nickelodeon, Craig Bartlett renunció. Él creyó tener la de ganar con una de las series más longevas y exitosas de Nick, pero con calculadora en mano los ejecutivos de Nick lo mandaron a freír huevos. Nickelodeon pudo haber hecho lo mismo que hizo con Ren & Stimpy o Doug, y seguir con otro productor, pero optó por cancelar la serie. Los últimos diez episodios de la quinta temporada no se estrenaban al momento de la serie ser cancelada, y terminaron siendo exhibidos recién el 2004, dos años después de la cancelada.

¿Y la segunda película? Olvidada. Y es loco, porque "The Journal" es el último episodio de la serie y te da la primicia de la segunda película, pero la cancelada de Nickelodeon era definitiva.

Recapitulemos: Nickelodeon estaba forrado con las dos películas de Rugrats, dominaba la tele con Spongebob Squarepants y Fairy Oddparents, y en un año canceló Invader Zim, Hey Arnold! y estrenó una ChalkZone que no le supo dar continuidad. Por un lado le está yendo increíble, por otro ya está dando las primeras tambaleadas que llevarán a la Era Nickelodeon a su fin en unos años más.

Pero eso vendrá en la quinta y última parte de esta línea de tiempo. Una robot adolescente, los bebés que crecen, el canal vendiendo la serie que pudo haberlos salvado, la piña debajo del mar sigue, terminar más series y la nación del fuego que atacó.

Saludos a Stephen Hillenburg.
Gracias, y que en paz descanses.

Oslo tiene 3000 calles. Per Johansen (75) las caminó todas

[Disclaimer: como se podrán imaginar, esto es una traducción (con relativa libertad) de un artículo que salió en Aftenposten en año nuevo. Lo hallé chistoso. Tierno, pero chistoso. Así que lo traduje para el deleite de los hispanohablantes]

El 29 de diciembre hay un grupo de personas en la calle Enerhaugkleiva en el sector de Grønland en Oslo. Familiares y amigos se congregaron para seguir a Per Johansen en su última caminata de lo que ha sido su gran proyecto de los últimos años: caminar todas las calles de Oslo. Todas.

- Cuando me jubilé, decidí que caminaría por cada avenida y por cada calle de la ciudad, desde el principio hasta el final. Hoy, después de ocho años, completé mi misión.

(Si hasta le hicieron una ceremonia) 

No le gustó la Aker Este 

- No es triste haber terminado, en verdad se siente bastante bien. Fue un largo viaje. Hay hartas calles bien lindas en Oslo, pero Aker Este no es muy agradable. Mi calle favorita tiene que ser Gyldensløvsgate. También tienes áreas en Rodeløkka, Vålerenga y Kampen (barrios oslenses) con lindas casas de madera.

1320 kilómetros a patita

El 2011 Johansen se jubiló como taxista después de 16 años. El autoproclamado Oslo-nerd se propuso la meta de caminar todos los 1320 kilómetros de Oslo a pie.

- Conocía bien Oslo después de haber sido taxista tantos años. O eso creí. Cuando me jubilé pensé que era tiempo de caminarlas todas. Cuando caminas puedes ver mucho más que cuando conduces.

La motivación para el pique fue moverse un poco y un gran interés en la capital. - Nací y crecí en Oslo y estoy especialmente interesado en la historia de la ciudad. Captas muchísimo más cuando caminas.

Johansen pasó sus primeros años en Grünerløkka (el Lastarria de Oslo), de ahí su familia se mudó a Disen (más al norte, no hay nada especial allí) y de ahí vivió en la periferia de la ciudad (Bøler y después Skullerud). Dice que no hay otras ciudades que se le comparen.

– Nunca he considerado mudarme de Oslo (awww).

Ni mal clima ni ropa

Sol, regn og sludd (“Sol, lluvia, y nieve a medio derretir", dicho de que haces algo con cualquier clima), Johansen ha hecho su tur sin importar las condiciones. Las caminatas van entre las dos y seis horas, pero por lo general tres-cuatro horas por pique. Cuando camina se da el tiempo de observar. No escucha música y, como regla, él camina solo.

- Camino y veo, nada más. Ha pasado que he ido con mi esposa algunas veces, pero no pasa a menudo. Es un poco muy nerd para ella.

Salvo unos túneles largos y algunas partes de Aker Este donde no se permite paso peatonal, él ha cubierto toda la red vial oslense. Uno creería que para este proyecto él preparó un buen calzado, pero Johansen dice que no hubo nada al respecto.

- En general usé sólo calzado normal. Zapatos, rodillas y muslos están super bien.

- Imprimí todos los nombres de las calles de Oslo y las iba tarjando después de cada recorrido. Empecé con las del Ring 1, de ahí el Ring 2 y así sucesivamente. Pero el sistema no es infalible. Me ha pasado que camino por la misma calle dos veces, y pucha.

Ahora el objetivo está en el horizonte, y no se siente menos genial sabiendo que otros lo han hecho antes. Sí, en serio ha habido otros ñoños.

- No es ningún récord. Hay hartos que lo han hecho antes que yo y más rápido que yo, pero igual estoy feliz que lo haya logrado.

El callejón sin salida de Enerhaugkleiva en Grønland se vistió de gala. Su familia estaba en el lugar y preparó una cinta y tijeras para marcar el fin del proyecto. Después que el último lomo de toro fue cruzado, se fueron a celebrar a un restaurant. El joven de 75 años no tiene ninguna intención de empezar un proyecto similar.

- Nah, no tengo ningún plan parecido. Voy a salir a caminar con mi esposa. Nos gusta salir a caminar en la Marka (áreas silvestres que se mantienen en la periferia de Oslo). Østmarka es mi favorita.

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Nota del traductor: Cuando leí la noticia lo hallé la tontera más ridícula, pero quintaesencialmente nórdica. Mientras el CHV y La Tercera hablan de política brasileña, el alza del dólar y delincuencia en Cerro Navia, los diarios noruegos cubren noticias tan relevantes como un tipo que quiso caminar por todas las calles de su ciudad.

Saludos a la gente de la Rolf E. Stenersens Allé.

El shoegaze del año

Como muchas cosas japos que he conocido, este álbum llegó a mis oídos gracias al canal Asian Shoegaze (ex-Japanese Shoegaze). Aparentemente tenían un single llamado "Bedtime" que fue su puntapié inicial el 2016, pero qué iba a saber yo. Le di a play a este disco desconocido y oh. OH. Encontré mi álbum favorito del año, fue mi reacción automática. Y aún creo eso, y de este disco hablaré hoy.

Con ustedes, 揺らぎ [Yuragi. Banda que no estoy ni ahí con escribir en kanji porque no estoy para copy-pastearlo cada vez que los mencione] y su superlativo EP: "Still Dreaming, Still Deafening".

Y apenas hace la media hora, así que tampoco es que me extienda mucho.

"B/C" es el pseudo-opening, digo pseudo- porque es un muy bien ejecutado falso crescendo que muere al inicio de "Horizon", donde estallan todos los pedales, batería y voces. Mirai Akita está bajo tres layers de pedales y efectos, mientras las guitarras están en todo su apogeo. Y después de sus muy enérgicos momentos, "Horizon" muere en el mismo ritmo con el que comenzó el EP. Sí sé, si cambiamos los nombres de las canciones te describí cualquier post-rock, y ahí hay punto para Yuragi: ellos hacen alta mezcla de ambos estilos y en ninguno flaquea. Si quieren hacerse un momento Bloody Valentine, sas! Hay pedales. Si quieren rugir a lo MONO, ahí hay una pared de sonido.

Las canciones siguientes juegan más en el lado shoegaze que hace que hasta el más cumbiero de los metaleros diga "ah sí, esto es shoegaze japonés", porque casi que esto es el sucesor espiritual del "Cosodorokitsune" (2013) de Shojoskip. Yo sé que alguien, en algún lugar, me captó esa referencia.

"Unreachable" es otra de las mezclas perfectas entre las patadas más instrumentales y los mil pedales. Para evitar ese vicio idiota de los periodistas musicales de meterle adjetivos estúpidos a las canciones, tú sólo escucha "Unreachable". Y ojalá veas el video, a pantalla completa, con audífonos, en un cuarto oscuro. Y mientras ves las olas romper, fíjate en lo clarísimo del sonido. Muchas bandas optan por un sonido más sucio o por sacarle un par de pedales para que las cosas no colapsen bajo su propio peso, pero acá Yuragi se fue por lo mejor de los mundos.

Notarás un sonido reminiscente a "B/C" al final, y es que el último tema del disco recoge bastante de lo que "Horizon" hizo al principio. Les dije que el EP era cortito. Cuando se trata de mi canción favorita de este año, estoy entre una de Kraus y el outro de este EP: "Path of the Moonlit Night". Recuerdo que una vez oí a un flaco decir "without silence, there can be no loud", y Yuragi aplicó esa filosofía a rajatabla en el outro de "Still dreaming...". No spoileo el final porque esa sinergia final de Mirai con pedales estallando a la Taka de MONO, que tus audífonos te cuenten cómo es eso.

¿Te logré interesar? Asian Shoegaze tiene todo el disco subido a YouTube.

Y se viene -espero- esa review sobre Kraus. Esos también me sorprendieron. Mucho.

Saludos al Parker de Asian Shoegaze, aguanten los fideos (alguien, en algún lugar, entenderá esa referencia).

¿Por qué los santiaguinos siguen comprando autos?

Desde que llegué de San Rosendo a la ciudad, queriendo más respeto, queriendo ser feliz, que me gusta sentarme en la hora punta en alguna esquina céntrica de la capital y mirar el caos. El simple y bien ejecutado caos.

Semáforos que no dan abasto, el idiota que avanza con luz amarilla bloqueando la esquina, los de la dirección contraria que no pueden pasar, la micro que intenta doblar pero los peatones no le dejan. El motociclista que se mete nadie sabe por dónde y casi ocasiona un accidente. Y así uno puede mencionar muchos más personajes. Lo loco es que, si no contamos a la micro, todo ese desastre vial involucra a no más de 6 imbéciles. Sólo basta un tarado en Providencia con Pedro de Valdivia (o cualquier esquina de Alameda, Providencia, Apoquindo, San Francisco, Santa Rosa, Grecia, Matta, Blanco Encalada, Andrés Bello, Mapocho, Independencia...) para ocasionar un atochamiento de cinco cuadras. Siempre me hablaron de la entropía como algo atómico, pero de haber usado el taco de la hora punta habría entendido de inmediato: no puedes no tener caos con tanto auto.

Las cifras aparecen de manera periódica en algún artículo periodístico. La velocidad promedio en Stgo en hora punta son 28 km/hr, Vitacura tiene más autos que personas, al 2010 más del 60% de todos los autos eran de esa misma década (y dudo que eso haya cambiado recientemente), 904 autos salían de la concesionaria a la calle cada día durante el 2017, los tacos de Angostura y del peaje de Lampa son legendarios, y suma y sigue. Y aún así, los chilenos y, en especial, los santiaguinos, siguen comprando autos.

Me acuerdo que ese ejemplo lo vi en algún ramo: si tienes una autopista, incentivas que la gente compre autos porque es más rápido. Más autos hacen que la autopista finalmente ya no pueda dar abasto a tanto vehículo, reduciendo la velocidad de ésta. La reducción obliga a que la gente compre más autos porque el transporte público es muy lento en la autopista...producto de los autos. Círculo vicioso.

Lo que encuentro más surreal de esta situación es que al santiaguino le gusta. Le gusta comprar su auto, pagar su patente, pagar su seguro, pagar su bencina, y disfrutar sus tacos kilométricos. Les gusta saber que pierden 187 horas anuales de su vida metidos en su auto, sin moverse a pesar de estar en carretera. Y ya, el santiaguino es raro por naturaleza, pero uno esperaría que las autoridades y tipos que planifican esta cosa vean un poco más allá. No. A ellos también les gusta. En Chile el promedio es 1 vehículo particular por 3.8 personas. España y Alemania están cercanas al 1.5, así que aún hay espacio para mejorar. Además, la velocidad promedio en Sao Paulo en hora punta rondan los 19 km/hr, así que aún estamos viajando rápido. Biba la gente del Automóvil Club de Chile. Biba.

(Ídolo)

Las alternativas todos las conocemos: Bicicletas, caminar, transporte público, compartir auto, minimizar distancias, mejor planificación urbana. Yet, aún son medidas menos que incipientes. Pararse en una avenida cualquier y ver quién está en los autos nos da cuenta de la estupidez urbana: hay sólo un humano sobre una máquina de ni sé cuántos kg en o 2 o más m². La ineficiencia hecha transporte. Y ya, no digo que te hagas todo el viaje desde Las Condes a Maipú en bici. Pero hay tramos que puedes hacer a pie o usar alguna alternativa (y por último te aguantas la micro llena). Pero debe haber una sensación de realización que yo desconozco asociada a perder 30 o más minutos de tu día en un sacapuntas sabiendo que estás quemando tu dinero con esa bencina y ese seguro automotriz. Bueno, ahora 40 minutos porque a una Dodge se le ocurrió ponerse a mitad de la calle. Hihihi.

Jay Foreman hizo un video muy bueno de la guerra bicicleta vs auto y que la coexistencia es clave. Y en Santiago la historia es de optimismo similar al londinense: hay 1.2 millones de viajes hechos en bici en Stgo, un 800% de aumento respecto a la década pasada. Y aunque se difundan los beneficios de ésta, que se diga que se ahorran 2.2 millones de pesos anuales por cada bici usada en lugar de un auto, ahí ves al santiaguino fiel a su autito en su taco.

Y viene el dilema de qué fue primero: el huevo o la gallina. ¿No hay más ciclovías porque no hay más ciclistas porque el Transantiago es malo porque el Transantiago no se usa lo suficiente porque la gente no camina porque la gente no tiene la vereda ni cruces habilitados y seguros para cruzar porque prefiere usar auto porque no hay más ciclovías? ¿O es al contrario? No lo sé. Pero me llama la atención mirar la intersección entre (a ver si las nombro todas) Av Nueva Providencia, Av Providencia, Av Tobalaba, Av Apoquindo, Nueva Tajamar y Encomenderos. A pesar de que los peatones somos la especie más habitual de aquel mutante sistema, son los autos (los tacos) los que tienen el poder. Los santiaguinos y sus comportamientos viales son muy interesantes.

...y por la chucha que salgan los taxis de las líneas de Transantiago.

La Era Nickelodeon: Parte III

(Parte I, Parte II, Parte III, Parte IV, Parte V)

¿Pensaron que me había olvidado? ¿Que no iba a seguir? Para nada. En las primeras dos partes de esta serie revisé los primeros nicktoons y algunas grandes anécdotas de éstos, pero en la era post-1996 la cosa se puso interesante. Desde aquí Nickelodeon se cree el cuento de que sus shows tienen potencial, y ve a Cartoon Network como un rival digno. Con ustedes:

La Era Nickelodeon de la Animación. Parte III: "Planeta Nick"

Apenas un mes tras el estreno de "Blue's Clues", Nick saca otra animación de la mano de Craig Bartlett. Craig había hecho algunos personajes y cortos con arcilla a fines de los 90s, y cuando se lo presentó a Nickelodeon, un muchacho y su cabeza con una peculiar forma fue lo que más le llamó la atención a los ejecutivos, por lo que comenzaron a esbosar una serie alrededor de él. El protagonista se pensó como un supehéroe sin poderes, alguien que siempre quiere hacer el bien en su barrio, ayudar a los demás y sobrevivir cuarto de primaria.

Para hacer la serie lo más real posible, se llevaron niños a hacer las voces y se le pidió al compositor Jim Lang que crease una banda sonora urbana, jazzera y que pudiese sentar el ambiente para esta idea de Craig. Y bueno, ya el mismo opening da esa impresión: El siete de octubre de 1996 se estrena "Hey Arnold!".

No es sorpresa para nadie que Hey Arnold! es mi serie occidental favorita y, junto a Pokémon, está ahí en el podio de lo central de mi infancia. Algo dice el que Pokémon, Hey Arnold y Sigur Rós sean los temas de las que más he hablado aquí. Pero bueno. Volviendo a la serie, Craig Bartlett tuvo buena relación con Klasky Csupó a principios de década y, además, él está casado con la hermana de Matt Groening (el creador de The Simpsons y Family Guy), así que la escuela y experiencia le llegaban por todos lados. Nick no iba a esperar si Hey Arnold! era un éxito o no, y a la semana siguiente del estreno del cabeza de balón, lanzó una segunda serie: KaBlam!

KaBlam! era un variety show similar a Animaniacs donde un par de cortos se presentaban dentro de cada episodio. El show fue co-creado por un joven Robert Mittenthal, y por el dueto de de Will McRobb y Chris Viscardi. Esos últimos dos nombres quizás no te suenen para nada, pero estuvieron bien presentes en varios episodios de Doug y Ren & Stimpy, además de ser las mentes creadoras tras Pete & Pete, uno de los shows insignia de Nickelodeon. Así que cuando este trío presentó los bosquejos de KaBlam!, Nick jamás se iba a negar.

Al principio KaBlam! parece un What a Cartoon!-versión Nickelodeon, pero ojo con la animación de KaBlam!, el punto donde ellos siempre se quisieron diferenciar. Sus cortos más conocidos: Action League Now!, Prometheus and Bob, Life With Loopy y Angela Anaconda, todos tenían un estilo de animación bastante indie y peculiar para la época. No sé, cuando veo Action League Now! no puedo no pensar en 31 Minutos. Cosas mías.

Angela Anaconda tuvo su propia serie a inicios de milenio, pero por razones que nunca entenderemos los derechos fueron vendidos a Fox Kids. Nickelodeon vendiendo ideas, ...no aprendieron nada con Ren & Stimpy y Doug parece (y esperen al nuevo milenio, ahí sí se pone chistoso).

Cartoon Network y Nick competían por los mejores puntos de rating. Acá Nickelodeon decide pelear muy inteligentemente: no hacerlo. Verán, en los 90s aumentaba la cantidad de televisores por casa, por lo que CN, Warner, etc., sabían que el horario entre las 16.30 y las 20.00 era cuando los chicos ya volvían del colegio y estaban solos en casa y con acceso a esa tele en el living. Ergo, ahí había que poner los mejores shows de la parrilla.

Sin embargo, Nickelodeon apostó por el horario de las 21.00: el prime time. Entre tanto NBC, Discovery Channel, TLC y otros canales bien famosos del catálogo yankee, Nick quería aparecer con sus mejores shows y decir "miren padres, estos son los shows que les ofrecemos a sus hijos y que pueden ver con ellos". Se aprovecharon que Hey Arnold! y Rugrats tenían un humor más adulto junto a todos sus colores y gags chistosos, cumpliendo así la doble misión de entretener a los padres que miraban tele con sus pequeños.

En Latinoamérica tuvimos el mismo fenómeno: Planeta Nick era este segmento de 90-120 minutos en pleno prime time donde el canal mostraba sus shows más nuevos y populares como Hey Arnold!, Sabrina: The Teenage Witch y Sister, Sister. De este modo también le dio a sus animaciones un tono más "adulto", al compartir tribuna con series live-action que apuntaban a un público adolescente.

A esa misma hora, CN mostraba Scooby Doo o Tom & Jerry, y Warner estaba dando alguna de sus series adultas. Nick se agarraba todo el rating de su competencia sin pelear con Johnny Bravo o Pinky & The Brain. Eventualmente CN comenzó a apuntar al horario prime, y la batalla continuó entre ambos canales. En 1997 estrenan su nueva serie animada: Angry Beavers.

(Sí, su apellido se pronuncia "shower")

Mitch Schauer ya venía de ser productor de Freakazoid! ("Fenomenoide"), así que la experiencia haciendo cosas raras ya la tenía. "Castores Cascarrabias" como se le conoció de este lado era la historia de los hermanos Dagget y Norbert mientras se adaptan a la vida adulta en un lugar perdido en Oregon. El humor sarcástico y un dibujo muy expresivo eran la tónica del show, pero ya en este momento notamos un patrón (muy de mierda) de parte de Nickelodeon. A Angry Beavers le fue bien, lo suficientemente bien como para darle cuatro temporadas. Sin embargo, cada temporada se iba haciendo más cara porque (predecible) más presupuesto se le daba a la animación, las voces, etc., al igual como pasó con Doug o Rugrats hace unos años.

Para Nick es más barato dar reruns de sus shows que pagar por más contenido original. Nick en 1997 estaba muy cómodo mostrando los mismos 52 episodios de Aaahh!!! Real Monsters y Rocko's Modern Life (que legalmente habían terminado a fines del año anterior. Ni hablemos de Doug que acabó el '94), y sólo accedió a darle más episodios a Rugrats porque era el fenómeno de la animación de la década. Incluso Craig Bartlett desde Hey Arnold! percibía los cambios de voz de Nickelodeon: antes era chipe libre y hacer lo que quisieras, pero cada vez más pasaban más tiempo en reuniones de pauta y menos animando.

Schauer notó este comportamiento con Angry Beavers. El último episodio de Angry Beavers es justamente ellos dándose cuenta que son dibujos animados y que están a punto de ser cancelados; en el episodio rompen la cuarta pared infinidad de veces y finalmente aceptan que su fin se acerca...y sas! Minuto 22, el show termina. Excepto que no terminó, porque las políticas del canal era de no hacer últimos episodios para así hacer infinitos reruns. El audio del capítulo lo pueden hallar por ahí en internet. Es...curioso.

(Ese mismo 1997 se estrenó Cow & Chicken en Cartoon Network, así que imagínense cómo estaban los ánimos para hacer crítica social)

Este pedazo de madera me enseñó que hay cosas que uno no quiere saber. Ni preguntar. 

Nickelodeon, aún cómodo con lo que facturaba su insignia Rugrats, estrenó el 4 de Abril de 1998 a CatDog, y le dio el mismo espacio en Planeta Nick que tenía la serie de bebés o el sitcom de la bruja adolescente. Los parecidos entre CatDog y Ren & Stimpy, Rocko's Modern Life y Animaniacs son fáciles de hallar. Peter Hannan, el creador, ya sabía qué funcionaba y lo rarísimo (ergo, destinado al éxito) que era poner en un mismo cuerpo la dicotomía de un gato culto y avaro y un perro chill y corazón de oro.

Y esta serie me recalcó que hay cosas que no quiero preguntar. 

La premisa de CatDog funcionaba en tanto los estereotipos clásicos de ambos animales (Perro odia al cartero, Gato odia el agua) y las propias personalidades de los dos personajes, junto a todo el progresivamente más extraño pool de personajes secundarios. Estoy seguro que Hannan sacó inspiración de Conglom-O (Rocko) para el Conejo Rancio.

CatDog fue un éxito y, durante un breve momento, parecía que era la serie que podría ser la nueva insignia de Nickelodeon. No, en serio...le fue super bien. CatDog estaba muy bien posicionado en los Kids' Choice Awards del '99 y 2000, pero sólo obtuvo el segundo el lugar. No Arnold!, no KaBlam!, no Sabrina, sino que CatDog estaba ahí dando la pelea en la misma categoría que Men in Black, Simpsons y Rugrats.

Hablando de segundos, el primer episodio de la segunda temporada de CatDog estrenó en cines. Durante 1998 fue el corto de entrada antes de The Rugrats Movie.

Quizás en este punto ya sientan que estoy siendo muy redundante con Rugrats, pero los $140.9 millones de USD que hizo en cines no es nada para mirar a huevo. Además fue el primer bebé de Nickelodeon films, así que en cierta manera esta película fue volver a 1991 cuando estrenaron la primera triada de series.

La película narra los eventos entre la quinta y sexta temporada de la serie, cuando Didi se embaraza y nace Dil Pickles, hermano de Tommy. Y ya, habrá mucho humor, música y Angélica buscando a Cynthia, pero también tiene una de las escenas más oscuras de toda la serie: Dil está junto a los monos y Tommy tiene un pote de colado de plátano. Él sabe que si vierte el colado sobre Dil los monos se lo llevarán y terminarán con todas las penurias que él y los bebés han padecido durante la película. Decide no hacerlo...pero ouch por lo potente de la animación allí.

Y ya que hablamos de animación hermosa, cerremos el año 1998 con una de mis series regalonas.

El domingo pasado The Wild Thornberrys cumplió 20 años desde su estreno. La serie creada por Klasky Csupó (sí, la pareja divorciada que hizo Rugrats) se centraba en Eliza(beth) Thornberry, quien podía hablar con los animales, y las aventuras que tenía alrededor del globo gracias al trabajo de sus padres. A esta serie siempre le destacaré dos cosas. Primero, la calidad de sus personajes, cada uno con su propia personalidad y background que se va explorando a medida que pasan las temporadas. Y segundo, el estilo de animación. Miren esos animales:

Y se veían, expresaban y comunicaban de maneras que hoy varios animadores fallan en hacer expresiones en humanos. La muerte de Rebecca la lloré tanto como el último episodio de Hey Arnold! o el especial del Día de las Madres de Rugrats.

Durante los últimos cinco años del segundo milenio, Nick estrenó algunas de las series hechas con más amor de todo su canal, y eso se aprecia en varios segmentos de sus shows. El hombre paloma, la navidad de Arnold, Firulais peleando con el lobo y los padres de CatDog, por nombrar un par. Si Nick hubiese visto la fanbase que estaba creciendo alrededor de sus shows, en lugar de ver sólo los dólares que caían, quizás los porrazos del tercer milenio no habrían pasado, porque chucha que fueron porrazos duros...

...pero eso va para la Cuarta Parte de esta Era Nickelodeon de la Animación.

Saludos al Niño Chocolate.

[Parte IV]

La Era Nickelodeon. Parte II

(Parte I, Parte II, Parte III, Parte IV, Parte V)

A veces creo que es mejor que en los títulos no se pueda poner todo el texto que pretendo, así lo puedo hacer con más libertad acá. Bienvenidos a la segunda parte de la que bauticé como:

La Era Nickelodeon de la Animación. Parte II: "Expandir el rubro"

Las compañías que imperaron durante el siglo XX no iban a dejar que su trono fuese contrariado por estos recién llegados. El "renacimiento de la animación americana" fue ese período entre mediados de los 80s y 90s donde varias compañías gringas se renovaron para arrancarse un poco de sus shows clásicos que eventualmente les llevaron a un declive la década anterior. Disney después de un silencio estratégico de los 80s estrenó en 1989 The Little Mermaid ("La Sirenita"), y en 1993 se pusieron experimentales con The Nightmare Before Christmas en la Halloween de ese año, película a la que también le fue demasiado bien.

Warner Bros llegó a los 90s literalmente viviendo del éxito de hace treinta años con Looney Tunes (¡¡y aún les funcionaba!!). Se actualizaron en 1993 cuando sacaron Animaniacs, un show en formato sketch donde cada episodio estaba a su vez dividido en pequeños cortos con gran cantidad de personajes, cada uno más colorido y excéntrico que el anterior.

Nickelodeon no se iba a quedar atrás así que le pidió ayuda a Joe Murray. Él era un caricaturista que escribía cómics políticos contra tal o cual muchacho del gobierno gringo, y en los 80s hizo bosquejos de My Dog Zero. Estos cómics fueron la base de un canguro (¡walabi!) llamado Rocko, el cual logró hacer un piloto y presentárselo a Nick. Ellos le dieron luz verde.

Dos meses antes de comenzar a dibujar los primeros episodios de Rocko, la esposa de Joe se suicida. Él creía que Rocko era una de las razones, ouch. Con ese duelo comienza a garabatear los primeros personajes: Rocko el personaje principal, una vaca (¡res!) llamada Heffer que sólo piensa en comer, Filburt la tortuga neurótica, etc. Quizás fue el mismo luto quien permitió a estos personajes ser tan disparatados. En cualquier caso, Rocko's Modern Life estrenó el 18 de Septiembre de 1993.

Una mezcla de luto, la experiencia como dibujante político de Joe, la puerta que abrió Ren & Stimpy hace dos años y Animaniacs en Warner le dieron permiso a Rocko's Modern Life ser todo lo sarcástico que querían ser, muchas veces tocando temas políticos que recién hoy estoy comenzando a entender. De cabro chico yo sólo veía padres siendo muy crueles con sus hijos, compañías siendo hinchapelotas (sabría yo qué estaba viendo...) y varios colores. Joe pensó que su show duraría sólo una temporada y fin, así que la sorpresa fue grande cuando le firmaron contrato para una segunda, y así 52 episodios. Los terminó, tomó sus cosas y se fue en 1996 a seguir dibujando cómics.

Los más atentos habrán notado que hasta ahora no he hablado de Rugrats, Doug o Ren & Stimpy, a pesar de que dije que les fue muy bien en la primera parte de este texto. Y uff. John Kricfalusi estaba hasta los cocos de Nick y que se entrometieran con el proceso creativo de Ren & Stimpy, más cuando vendieron su idea a otra productora. Doug había sido planeado como 65 shows separados en temporadas de 13 episodios. Sin embargo, la cuarta temporada ya estaba siendo muy cara y Nick buscó mejores ofertas. En 1994, optaron por venderle el show a ABC quien a su vez era subsidiario de Disney. Si bien Jim Jinkins seguía siendo dueño intelectual de Doug, otras responsabilidades, cambios en el staff, etc., hicieron que las siguientes tres temporadas de Doug sufrieran en calidad. Doug seguiría hasta 1999 en las manos de Disney en un formato que para muchos nos es ajeno en latinoamérica, sólo miren este opening y díganme si lo conocían.

Y por último, Rugrats. Después del divorcio entre Arlene Klasky y Gábor Csupó la cosa lentamente se fue al sur. Terminaron de hacer los episodios originales y en 1994 la serie cayó en un hiatus. Además, el show tenía un éxito apenas moderado en aquel entonces, por lo que Nick no hinchó mucho. Sólo se produjeron dos especiales post-94, uno donde Tommy recrea la historia bíblica de Moisés y uno donde los bebés celebran Hanukkah. Irónicamente, fueron de los episodios más aclamados de la serie.

El divorcio y el no tener a Rugrats bajo el brazo le dio libertad a Gábor para crear un nuevo show: Aaahh!!! Real Monsters.

(Este episodio es de Rugrats pero sirve igual)

En ese entonces usar animales como protagonistas era la moda, así que Gábor Csupó se subió al carro y bosquejó monstruos que a su hijo le gustaran. El show estrenó en 1994 con los clásicos 65 episodios y tuvo un éxito decente; críticos decían que era todo lo grotesco de Ren & Stimpy pero con una cuota más de suavidad que lo hacía más digerible. La misma Nightmare Before Christmas de Disney del año anterior sirvió para motivar este gusto por los "monstruos lindos", y Csupó aprovechó ese vuelo.

1994 fue también el año que Nick estrenó Gullah Gullah Island y Allegra's Window en Nick Jr, los primeros shows originales para ese bloque. Además, parte del rebranding del bloque y darle una personalidad propia, se creó a Face/Cara entre bloques publicitarios.

(Tu-tu-ruuuu ♫)

Como sea, Nick se mantuvo silencioso en el gap 1994-1996 y Cartoon Network no iba a desaprovechar su ventana. En 1995 estrenó What A Cartoon! ("Qué historia tan maravillosa! El show"), un espacio donde CN financió a una serie de animadores jóvenes y estudios incipientes para que mostrasen sus pilotos. De ese caldo de cultivo salieron algunas de las series legendarias del canal como Powerpuff Girls, Johnny Bravo, Robot Jones, Megas XLR, Cow & Chicken (ergo, I am Weasel también), y por supuesto...esa serie. Ustedes ya saben de cuál estoy hablando, la serie que puso a Cartoon Network en el mapa y fue la creadora del término "Cartoon Cartoon". No tengo ni que decir su nombre, ustedes ya saben cuál es, saben que iba a venir, la única y la grande, la que requiere no introducción. Digámosla juntos mientras suena el opening: esta serie.

A pesar de que Cartoon Network tenía a los gigantes de Hanna Barbera, éstos eran animación de hace más de 20 años por lo que requerían algo fresco y joven. En ese marco, "What a cartoon!" fue caída del cielo porque era chipe libre a todo lo raro, excéntrico y diferente. A través de encuestas preguntaban "¿Cuál es el show que más te gustó?" y Dexter's Laboratory por Genndy Tartakovsky fue el primer ganador. Animaniacs (y el spin-off Pinky and the Brain) y Dexter's Laboratory fueron señal de alerta para Nick que no podían acomodarse con sus shows de 1991 y sus dos animaciones nuevas (que ya tenían dos años).

La cuarta temporada de Rugrats se anunció en el '96 y estrenó al año siguiente, después de tres años de reruns y que los fans pidieran más y más. Esos años de hiatus sirvieron para hacer crecer la fanbase y que Rugrats se convirtiese en la serie más importante de Nick en ese entonces. La cuarta temporada abre con el especial de Hanukkah y luego mi episodio favorito de Rugrats: "Mother's Day", el que como se pueden imaginar gira en torno a esa fecha y a Melinda Finster, la mamá de Carlitos que nunca había aparecido en la serie.

Arlene y Gábor no dibujaron a la mamá de Carlitos por el presupuesto que significaba hacer a otro personaje en la primera temporada, y subsecuentemente su ausencia se hizo más notoria. Habían dos opciones: Chaz y Melinda están divorciados, y Melinda está muerta. La primera era compleja de dibujar en un contexto infantil, y la segunda estaba vetada porque era muy brutal hablar de un muerto en un programa para niños. En las primeras temporadas, Nickelodeon explícitamente les prohibió a Klasky Csupó tocar a Melinda porque los únicos dos escenarios (divorcio y muerte) eran muy difíciles de animar.

Y hey...lo son. Al fin tuvieron luz verde, y qué luz les dieron.

Se habla que Melinda amaba jardinear y amaba hacerlo con su hijo al lado, por eso Carlitos tiene sueños muy borrosos donde se arranca de una mariposa pero al llegar a los brazos de alguien en su patio, el miedo se va. El episodio gira en torno a Carlitos buscando una mamá y finalmente encuentra una caja que dejó Chaz con todas las cosas de Melinda, las cuales Carlitos siente familiares. Didi le insiste a Chaz que comparta todo esto con Carlitos, así podrán extrañarla juntos, y él le lee a su hijo el diario de Melinda cuando ella entró al hospital. El árbol que hay en el patio de los Finster es uno que plantó Melinda y simboliza el que ella siempre estará ahí para Carlitos.

Este es de un episodio bastante posterior, pero sirve igual.

Peanuts en 1990 hizo un episodio sobre una niña con cáncer, y en 1997 Nick se atrevió a hacer algo igualmente crudo con la muerte de Melinda y el luto de Chaz y Carlitos. El especial le valió una nominada al Emmy y otra al Premio Humanitas, por lograr hablar de un tema tan serio de tal manera que Carlitos pudiera entender.

Volvamos a 1996 cuando aún la cuarta temporada de Rugrats estaba en proceso, porque ese año Nickelodeon estrenó tres de sus shows más importantes. ¿Se acuerdan de Nick Jr.? El canal se creyó el cuento y se asesoró con Todd Kresler, Angela Santomero y Traci Page Johnson para incluir contenidos de aprendizaje infantil temprano junto a las tendencias de comportamiento de preescolares. Kresler había trabajado previamente en Plaza Sésamo pero el formato no le gustó por hallarlo muy estático. Buscó algo dinámico, pedagógico y que estimulase la participación del televidente. Nick le dio un miserable presupuesto de $150.000 USD al grupo de producción para crear un piloto que incluyese todas estas ideas.

El 8 de Septiembre del '96 se estrenó "Blue's Clues" (Pistas de Blue). El show fue un éxito instantáneo, todos los estudios previos habían probado ser ciertos y tanto a niños como padres les encantó la carisma de la perra (que la misma Traci Page hizo su voz porque había que ahorrar). Aún hoy, Blue's Clues es el show preescolar más visto de todos los tiempos, superando incluso a su predecesor espiritual Plaza Sésamo.

Originalmente lo iba a co-presentar una mujer, pero Steve Burns fue quien resonó más en los focus groups entre más de 1000 postulantes. La idea era que Steve lograse mantener la atención en lo que estaba ocurriendo y que los peques no se perdieran en temas secundarios del programa, así como potenciar su autoestima y los procesos cognitivos del show. Después de casi 100 episodios Steve dejó el programa en excelentes términos porque "no quería quedarse calvo en un programa para niños".

Mi idea original era tocar en esta entry las otras dos series de 1996 porque son muy importantes (y porque las mencioné en el post anterior), pero ya en este punto superé los 10.000 caracteres y hablar sobre esas dos me haría extenderme demasiado. Así que lo dejaré para la parte tres, pero coloco un pequeño spoiler de lo que vendrá, porque el final de siglo fue un período bastante intenso para Nickelodeon, Cartoon Network y la televisión animada occidental en general porque...ya saben, las pokébolas, el poder la Luna y el kaio-ken cambiaron profundamente a los cabros chicos de Latinoamérica.

La próxima parte trae a los estudiantes de la Pública N°118, los amigos de Meltman que tiene el poder de derretirse, unos hermanos castores, una niña que habla con los animales, Nickelodeon yendo al cine y un buen día con un guau y un miau.

Saludos al Señor Sal y Señora Pimienta.

[Parte III]