Otros 10 discos que me gustaron de los 2010s

Hace demasiado tiempo atrás escribí la primera edición de "10 discos que me gustaron de los 2010s" con 10 trabajos que me gustaron de la década pasada. Me gustó la idea de hablar de la década en su conjunto porque (1) no había ningún orden, (2) no hay presión por lo mejor del año ni lanzamientos futuros porque por definición es en el pasado, y (3) si mañana descubro un nuevo disco del 2017 que me guste mucho, no habrá crimen en ponerlo acá.

Por si a alguien le interesa, aquí está la primera versión donde hablé de 10 discos. Ahora hablaré de otros 10 discos, por eso el título. E intenté que fuesen diez bandas distintas a la vez anterior, así pueden descubrir alguna otra cosita que les tinque.

 

Grouplove - Never Trust A Happy Song (2011)

Géneros: Alternative Rock, Pop-Rock, Mover-La-Patita-rock

Hay un meme entre mis amistades que yo siempre escucho música maníaco-depresiva, y que nunca hay que dejarme de DJ. Y si bien hay algo de cierto en eso, también es muy cierto que Grouplove es absolutamente no eso. Dale treinta segundos a la primera canción, "Ichin' On A Photograph" y entenderás lo que digo. Estos tipos hacen música feliz y te dejan feliz.

No sé si alcance a ser música fiestera, entendiendo "fiesta" como esa cosa repugnante que hacen ustedes los extrovertidos. Pero sí puede mover la patita con canciones como la ya mencionada obertura "Itchin' On A Photograph", la gritona "Colours", o la que intenta ser un poco más melancólica "Cruel And Beautiful World". La palabra clave es que intenta ser un poco más melancólica, porque si bien ya para ese punto del álbum te acostumbraste a los gritos histriónicos de Chris Zucconi y Hannah Hooper, en esta canción tienen un tinte menos saltarín que en otros cortes.

Con seis discos bajo el brazo, Grouplove ha hecho hartas cosas en su trayectoria. Y siento que aquí, en su disco debut, es cuando más espontaneidad e improvisación tuvieron. Y lo digo en el mejor sentido: acá agarraron las guitarras, se pusieron a saltar por el estudio y a hacer canciones sobre pasarla bien.

Aquí "Itchin' On A Photograph" en YouTube y Spotify.

잠비나이 - 온다 (2019)

Géneros: post-rock, post-metal, folk

Cuesta describir el trabajo de 잠비나이 (Jambinai). Podría decirles que es una mezcla de instrumentos rock, con métricas y dinámicas propias del post-rock, e incorporando instrumentos típicos koreanos. Sin embargo, aunque sea la verdad, siento que eso es deshonesto con los discos que hace Jambinai.

"온다" ("ONDA" ["Venir"]) comienza con un piri (una flauta tradicional koreana), y lentamente un haegeum (instrumento de cuerdas de la familia del violín) y un geomungo (tipo de cítara) van sumándose. Y en sus iteraciones y lento crescendo, te van demostrando que esto de folk y "world music" tiene muy poco. Esto es rock por todos lados.

La guitarra se suma y la composición va tomando forma, pero esa introducción con instrumentos koreanos no queda como un mero extra mientras el rock hace lo suyo. El haegeum sólo tiene dos cuerdas pero Kim Bo-Mi impone respeto durante los 50 minutos de ONDA, a ella nadie le quita el protagonismo. No sé si es el modo particular de Sim Eun-Yong de tocar el geomungo o si ese instrumento sonará así, pero esas cuerdas son tan secas y rápidas que a veces ni necesitas batería para sentir el peso de la canción. Y cuando no está tocando el piri, Lee Il-Woo tiene las manos libres para la guitarra y la boca libre para una voz que también impone su presencia.

Acá "검은 빛은 붉은 빛으로" ("Sol. Lágrimas. Rojo") en YouTube y Spotify.

(Gracias Talía por las traducciones)

Chico Bestia - Nuestros Días De Invierno (2018)

Géneros: Shoegaze, emo

Conocí a estos muchachos provenientes de Valparaíso cuando telonearon a Cloud Nothings el 2019. Aunque los estilos no sean los más parecidos, la música guitarra-céntrica y canciones con muchos pedales son bien amigos y calzaron bien ambas bandas.

El "Intro" de dos minutos da toda la impresión que esto será un disco shoegaze como tantos otros han pasado, haciendo que el inicio de "El Último Recuerdo de este Invierno" sea aún más gratificante cuando los bpm aumentan drásticamente, y la voz de Sebastián Weitz no está ni ahí con ser recatado ni ahogarse en paredes de sonido (...como le gusta al shoegaze).

Uno podría hacer un chiste barato referenciando el nombre de la banda (que imagino es por el personaje de DC Comics), donde esos cambios de velocidades, protagonismos de instrumentos, voces, coros y pedales son tan impredecibles, cuasi espontáneos, como el superhéroe. No sé en verdad, yo sólo vi Teen Titans. Pero que "Nuestros Días de Invierno" tiene bastantes cambios de velocidad, de intención, y de energía, es cierto. Y esas canciones instrumentales en la segunda mitad del disco son tremendas también. "Re" y "Eterno Suspiro" merecen atención.

Aquí "El Último Recuerdo de este Invierno" en YouTube y Spotify.

Blue Sky Black Death - Noir (2011)

Géneros: Abstract hip-hop, lo-fi

El abstract hip-hop es uno de esos muchos que pululan en la lista "géneros musicales de los que no tengo idea". No sé qué es lo que pretende lograr: ¿Calma? ¿Ser la base para alguna canción hip-hop que sí tenga letra? ¿Trascender el alma y el cuerpo a una existencia superior? No lo sé. Sólo sé que "Noir" suena muy bien.

El disco está plagado de voces y versos que están tan comprimidos y distorsionados que llegan a ser indistinguibles del resto de los muchos teclados, violines y percusiones que también pueden perfectamente ser sólo samples del computador donde "Noir" fue compuesto. Y que no se malinterprete porque no los estoy ninguneando para nada. El trabajo de Blue Sky Black Death es impecable y es perfecto para quedarse pegado mirando el techo y preguntarse si los techos tienen alma.

Casi parece que tuviesen una estructura de estrofa-coro como una canción normal, y que todo se resuelve hacia el final. Casi. Porque está todo tan diluido, comprimido, sintético y abstracto que...aaaaah, por eso se llama abstract hip-hop.

Aquí "And Stars, Ringed" en YouTube y Spotify.

Radio Supernova - Tähtiin (2019)

Géneros: shoegaze

Siguiendo con los discos debut, "Tähtiin" es el primer larga duración de este quinteto finlandés, cuyo estilo musical lo definen como "Mansegaze", haciendo un juego de palabras que no entiendo porque claramente yo no hablo finés. Y no quiero ser majadero con que son de Finlandia en cuanto el idioma en el que cantan es parte esencial de sus canciones. Pero sí reconozcamos que el no entender lo que dice Inkeri Riikonen ayuda a sentir su voz como un instrumento más que se mezcla con los muchos otros instrumentos y efectos.

Mientras otras bandas optan por conectar todos sus instrumentos en una gran pared de sonido, destaco que la producción de Radio es sorprendentemente limpia. Sí, hay harto pedal y distorsión en las guitarras, pero si te concentras e imaginas dónde está el bajo en "Seinät" y "Sykli", puedes perfectamente encontrarlo y seguirlo. Y te puedes imaginar al bajista moviendo la cabeza al son de la canción porque energía tienen de sobra estos temas.

Sin embargo, estos nórdicos también son mentirosos. "Tellus" parece una lenta balada para bajar revoluciones, y justo cuando estás acurrucándote te lanzan hacia todos lados con sus riffs y que la voz agarró fuerza de quién sabe dónde.

Aquí "Sykli" en YouTube y Spotify.

Kent - Då Som Nu För Alltid (2016)

Géneros: Alternative-Rock, Pop-Rock, Farvel-rock

Mucho disco debut, ahora pasamos a un disco final. Que el tema final se llame "Den Sista Sången" ("La Última Canción") dice todo lo que tiene que decir esta banda sueca en su epílogo. No, pero digamos algo más. Sí pienso que las canciones de "Antes Como Ahora Para Siempre" tienen valía propia más allá de ser el fin de una banda con 20y algo años de trayectoria.

A veces rozan el pop e incluso el electropop, quizás algún DJ sueco puso uno de estos temas en alguna fiesta clandestina en un sótano. Y con "Andromeda" y "Förlåtelsen" hay guitarras, teclados y elementos más del rock alternativo Radiohead/Coldplay de los 90s que podría funcionar en la Arena Tele2 de Stockholm (wink wink). Acá no estaban experimentando, acá de verdad hicieron un last hurrah.

No sé si es la propia estructura del sueco o la costumbre de oír a Joakim Berg con las canciones más tristes de la discografía de Kent, pero por muy feliz que sea "Andromeda" y "Gigi", siempre hay un deje de tristeza e introspección en su voz. Para fans del rock británico, siento que Stereophonics y Starsailor podrían ser buenas analogías a lo que este trabajo logró hacer.

Aquí "Förlåtelsen" en YouTube y Spotify.

Dënver - Fuera de Campo (2013)

Géneros: Synth-Pop, Indie.

Pensar que estuve en el lanzamiento de este disco, y en un par de meses estaré en el aniversario de los 10 años. Las influencias ochenteras siempre fueron notorias en Dënver, y las reseñas de ese entonces también elogiaban que el disco se sentía super retro y super fresco simultáneamente.

Y esa dualidad me gusta mucho. "Revista de Gimnasia", el single por excelencia, con sus synths super bailables (...hasta yo me moví con ellos, confieso) y sus estrofas bastante más mellow que hacen alto contrapeso a los momentos más altos del tema. La lentísima y melancólica "Medio Mal" que es la antípoda musicalmente y en su posición en el disco a "Profundidad de Campo" y sus alegres synths y violines ad infinitum.

"El Árbol Magnético Ataca Por Sorpresa" es mi salsa con su interludio musical en el centro de la canción, y los instrumentos apareciendo y desapareciendo como si la canción tuviese conciencia propia. Habrán quienes alaban el trabajo previo de Dënver, pero para mí es "Fuera de Campo" el álbum más sólido que armaron. 

Aquí "Profundidad de campo" en YouTube y Spotify.

MONEY - The Shadow of Heaven (2013)

Géneros: Dream pop, baroque pop.

Me dio risa revisar reseñas de ese entonces respecto a este disco. Hay toda un aura alrededor de Jamie Lee, su voz y las primeras presentaciones bares británicos de mala muerte que finalmente nos dieron este debut de MONEY (sí, estilizado en mayúsculas) hace diez años.

"The Shadow of Heaven" responde la pregunta: ¿Qué pasaría si el dream pop...soñara? Porque es un disco tan onírico, con pasajes instrumentales tan etéreos y suaves, con la voz de Lee haciendo tantos efectos sobre sí mismo, que es fácil imaginarse este disco como un sueño.

Odio cuando las reseñas tiran adjetivos porque sí para parecer más cultos y letrados. Pero "Hold Me Forever" fluye como una delgada cortina traslúcida siendo agitada por una ventana semiabierta. Y el video musical protagonizando bailarinas de ballet y sus posturas reafirma esa imagen.

El silencio también es un instrumento en este disco. "Goodnight London" es sólo piano y Jamie haciendo falsettos a capella. Por todo lo que sé, "Goodnight London" pudo haber sido una canción completamente a capella pero Jamie optó por tener las manos haciendo algo mientras se mandaba los versos más tristes y desolados de todo el disco.

Aquí "Hold Me Forever" en YouTube y Spotify.

Prince Daddy & The Hyena - Cosmic Thrill Seekers (2019)

Géneros: Emo, pop-punk

Los gritos catárquicos de Linkin Park, y From First To Last dominaron mis playlists en mi adolescencia de los 2000s. Y ahora en la adultez, no culpo a nadie por pensar que el emo desapareció y que muchas de esas bandas sólo fueron una fase por la que tuvimos que pasar. Aún escucho My Chemical Romance, pero también admito que hay que tener agallas para oír A Static Lullaby en 2023 de maneras no irónicas.

Prince Daddy & The Hyena y este disco fueron mi puerta de entrada a muchas otras bandas post-2010 y lo que ha ocurrido con el emo y post-hardcore. Y hay bastante que disfrutar aquí. Partamos con que la ecualización es bastante buena y se escuchan los instrumentos. Hay gritos en "I Lost My Life" y "Dialogue", pero también hay bastantes melodías en "Lauren (Track 2)" y "Cosmic Thrill Seeking Forever". Y entre todo eso hay catarsis respecto a la ansiedad, angustia, auto-medicarse, no hallarse, muchas hipérboles y demás. Si igual es un disco emo.

Por un lado, el emo ha tomado caminos más "serios" y recatados con The World Is A Beautiful Place & I'm No Longer Afraid To Die y Oso Oso. Por otro, tienes a Prince Daddy que tienen a "American Idiot" (2004) y "Welcome To The Black Parade" (2005) como sus biblias, y que cualquier persona que disfrute las partes más histriónicas de esos álbumes aquí podría hallar algo también. 

Aquí "Lauren (Track 2)" en YouTube y Spotify.

Aural Method - Slumber, Savage Beasts (2013)

Géneros: Ambient, post-rock

Yacentes, salvajes bestias.

En el solitario bosque invernal

Profundo aliento tu coro

(Traducción muy libre)

Esos tres versos forman el haiku que inspira el segundo disco del proyecto Aural Method, cada uno de esos versos siendo el nombre de una canción. Esto fue una sesión en vivo de guitarra, bajo y batería, y en post-producción se agregaron otros efectos como violines y teclados. El resultado es imaginarme un oso caminando taciturno por un páramo invernal mientras la nieve le cubre su grueso pelaje, y le vemos el vapor saliendo de su oronda exhalación. También podría decirles que es una mezcla muy linda entre canciones lentas y laxas, y momentos que parecen ser el sucesor espiritual de discos de Sigur Rós. Sin embargo, la imagen mental del osito me gusta más, y creo que describe mejor esos momentos en varias partes del haiku donde la batería y guitarra suenan pesadas. No en el sentido que sea black-metal, sino que te imaginas el peso de esos instrumentos como si fuera un oso kodiak de 500 kg.

Lo principal del disco ocurre en las canciones de esos tres versos. Además, el disco trae dos pausas: "(Caesura 1)" y "(Caesura 2)", donde el oso se detiene y huele el aire, se rasca en un tronco, qué sé yo. Pausas muy necesarias porque siento que a pesar de ser lento y calmo, no tener ningún crescendo como lo tendría Jambinai ni falsettos locos a la Sigur Rós, "Slumber, Savage Beasts" logra mantener tensión y atención. Podría dar otra analogía hacia úrsidos e inviernos, pero eso significaría volver a quedarme pegado mirando la ventana intentando explicar qué se siente oír este disco.

Aquí "Slumber, Savage Beasts" en YouTube y Spotify.

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Como dije esa primera vez, no tengo idea cuál será el futuro de DAeD, Discos que Amé esta Década, pero sí creo que podría hacer una tercera edición. A propósito evité bandas japonesas para ver si podía disimular lo otaku.

Saludos a Charles Schulz.

10 discos que me gustaron de los 2010s

Ya llevamos un par de meses desde que los turbulentos 2010s se terminaron. Ya todo el mundo dio sus listas de discos del año, de la década y no sé qué. Y eso significa que seguir hablando de los 2010s es más tranquilito y podemos dejar de decir que Fiona Apple y Swans fueron tan increíbles. Porque pucha, hubo harto más (Pero sí fueron increíbles, no te lo niego).

A lo que nos convoca. ¿Por qué este tipo hace esta lista de 10 discos que le gustaron de los 2010s? Porque me da flojera hablar de ellos por separado y así hago una pincelada más amplia por todos los estilos depres musicales que escucho. Este blog nació en parte como blog musical, y creo que estos listados son una buena manera de continuar la tradición. No hay orden cronológico. No hay orden alfabético. No hay orden de preferencia. Son sólo 10 discos que me gustaron de esa linda década que nos dejó. Ahí vean si alguno les gusta :D. Comencemos

Caspian - Waking Season (2012)

Por esas cosas de la adolescencia, escuché muchísimos álbumes post-rock entre el 2004 y el 2007, entre ellos el debut de Caspian. Me gustó. Después sacaron un segundo, que me gustó mucho más. Y me dije "oye si el tercer disco sigue la tendencia, va a ser la patá". Y así fue. Waking Season es la patá.

Lo que me encanta de Caspian y que siento que los diferencia de otras bandas del género es que se toman su tiempo para construir sus narrativas. Y con eso no quiero decir que te hacen una lata insufrible de poquitas notas a lo lejos, o que hacen paredes de sonido borderline-orquestales hasta que todo se revienta porque el instrumento no te da más. No. No son lánguidos ni simplistas, y tampoco son odiosamente técnicos (si es que hay rasgos math-rock son muy sucintos). Siempre tienen algo pasando, y sus temas tienen valor como temas suelto así como en la unidad que es Waking Season. "Gone In Bloom And Bough", por ejemplo, es capa tras capa de sonidos que hacen la suma de sus partes, "Halls of Summer" que es otra canción wonita instrumental con pianos y guitarras al unísono, y "Akiko" que te da esa calidez en el pecho con -de nuevo- esa mezcla piano + batería + guitarra. Y los outros de Caspian que siempre han sido de temer, "Fire Made Flesh" es temazo cuando todo explota y tú quedai como "ah, ya. Todavía se acuerdan de cómo pulverizar uñetas".

Yo sé que el post-rock no es el género más simpático del mundo, pero Caspian es excelente banda on its own right y "Waking Season" es alto álbum cualesquiera su métrica. Ah! Y Philip Jamieson, el guitarrista principal y a veces vocalista, es abierto pro-vacunas. En estos tiempos es necesario.

Aquí Halls of Summer en YouTube y aquí en Spotify.

 

きのこ帝国 - Eureka (2013)

Érase un Javier pequeño e inocente vagando por el canal "Japanese Shoegaze" (hoy Asian Shoegaze) de YouTube, cuando la caratula de este disco me llamó la atención. Ya, nunca juzgues un libro por su portada, y en verdad el primer tema no es nada del otro mundo. No tiene los pedales al infinito que caracterizan el shoegaze japonés, ni esa voz ahogada a lo My Dead Girlfriend, banda que estaba obsesionado en aquel entonces. Pero ahí llegué hasta los últimos coros y todo empieza a subir de nivel: la voz se hace más rápida y como que le cuesta pronunciar sus propias sílabas, y las guitarras hacen un muro que casi se le cae encima a dicha voz. Me interesé en estos chicos llamados Kinoko Teikoku (que en Spotify sale todo junto: Kinokoteikoku. Pero no. Está mal. Es separado).

El cuarto tema, " 国道スロープ " (Highway Slope) es un rock de cuatro minutos que te hace mover la patita, y en vivo la guitarrista/vocalista se tira al público y todo le importa un carajo. No, en serio. "New Music From Tokyo" (NMFT) era un evento canadiense donde traían bandas que la estaban rompiendo en Japón, y cuando la vocalista llegó a esa parte de " 国道スロープ ", se les tiró encima no más. Grandeza.

La voz es brutal. Desde esa energía en el track 4, esa angustia de "la próxima sílaba me va a pillar" del primer tema, o una voz que está casi que se larga a llorar en el penúltimo track, " ミュージシャン" ("Músico"). Siento que es un álbum que va para muchos lados, y todos esos lados los hace bien.

Aquí 国道スロープ (Highway Slope) en YouTube, y aquí en Spotify.

 

The Seven Mile Journey - Templates For The Mimesis (2016)

The Seven Mile Journey decidió tener un approach diferente a Caspian a la hora de componer sus pasajes y sus ambientes: notas más esporádicas, muuu[...]uuucha distorsión en las guitarras, y dejar que el sonido se diluya allá a lo lejos con todo el espacio para diluirse. Ese momento en que la nota desaparece en el olvido también es parte del instrumento. Pero donde los primeros discos de Seven eran más densos y quizás agrestes, "Templates For The Mimesis" es más calmo; genera tensión por sus silencios y sus espacios más que sus distorsiones. Y bien ahí, porque cuatro discos con la misma narrativa se vuelve fome (o no, Russian Circles?).

Siento que las primerísimas primeras notas de piano en "Substitutes For Oblivion" te dicen todo lo que será el álbum: un instrumental engañosamente simple sobre el cual progresivamente se va armando una composición mayor. En el Bandcamp de Seven, un flaco se refirió a Templates como "imagen de sonidos" y, dejando de lado la alegoría, siento que tiene razón. Hay música para oír con los cerrados. Pero Seven, y en particular Templates, es para oír con los ojos abiertos porque ves los sonidos.

Hahaha, ya. Dejemos de lado la pretensión narrativa de lado. Qué soy, ¿periodista musical? Pero sí creo que es una buena alegoría.

Aquí "Substitutes For Oblivion" en YouTube, aquí en Spotify.

Youth Lagoon - Wondrous Bughouse (2013)

A este disco llegué de mucho chiripazo en RateYourMusic, y allí conocí la palabra "disforia", el antónimo de euforia. Lo que hace Wondrous Bughouse es música disfórica: sonidos disonantes, agudos para todos lados, una voz casi melancólica que no entiendes qué tiene que ver en la super feliz "Mute", o en la medio sofocada "The Bath". Iba a llamar "apagada" a "The Bath", pero acá el muchacho algo logró entre la post-producción, el efecto lo-fi, y los juarrillocientos efectos que le puso a su voz y al teclado que hacen que suene "sofocada".

Una amiga describió "Mute" como "pucha, qué mala onda que no estoy volá" y quizás ahí viva o muera el disco para algunos. Hay harto sonido psicodélico mezclado en ese pop super soñador y disonante (imagínense un Beach House pero raro), y si es que están super sobrios, tomándose un tecito de media tarde, quizás Wondrous no pegue mucho. Pero de todos modos péguenle la oída.

Aquí "Pelican Man" en YouTube, aquí en Spotify.

 

Harry Styles - Harry Styles (2017)

Sí. En serio. Entiendo que este caballero viene de una banda previa que puede o no tener ciertos estigmas, pero quién soy yo para juzgar. Oye, Paul McCartney venía de una porquería de banda antes de armar Wings y al fin hacer música decente. Hay de todo en la viña del señor.

El disco Harry Styles fue altamente publicitado, y creo que el single "Sign of the Times" a veces le roba protagonismo al resto del disco. Acá hay pop muy bueno, Styles sabe cantar bastante bien y pasan varias cosas interesantes en sus 40 minutos. "Sweet Creature" tenía todo para ser esa canción fome con guitarra de palo, pero se meten coros en el fondo (y luego, al frente) y salvaron el tema para mí. "Kiwi" que es temazo por todos lados con esa guitarra robada de algún bar británico noventero, o "Woman" con ese estribillo super catchy y Harry estando cómodo en varios tonos de voz.

Pero ya, "Sign of the Times" es no sólo pedazo de debut solista para Harry, sino una gran canción por derecho propio. Merece estar en el spotlight. Quizás su banda previa hubiese optado por un piano más meloso o una percusión más ausente. Acá el piano es el más británicamente británico posible, y esos coros (como los de "Sweet Creature") están a la máxima.

Aquí "Kiwi" en YouTube, aquí en Spotify.

少女スキップ - Cosodorokitsune (2012)

De este álbum hablé más extendido hace un tiempo, pero no está de más recordarlo porque 少女スキップ (Shojoskip) hizo un trabajo hermoso. Todo lo suavecito del shoegaze japonés, más todos los pasajes, crescendos e instrumentales del post-rock. Acompañado con una guitarra que no tiene miedo de ser protagonista en "Light & Delight", o caminar todos juntitos en "Makura". La batería que también conoce su lugar, que no está relegada a "tú marca el compás no más", pero tampoco es que el baterista se vuelva loco ni en las partes más locas de "Light & Delight".  

Para no repetir lo que ya dije esa vez (ya, si igual no dije tanto), son dos guitarras con muchos pedales, un teclado haciendo cosas al centro, y una batería que sabe cuándo le toca. Lamentablemente, son un parto de hallar en internet y lo único de ellos en Spotify es un EP del 2011.

Acá "Glory of the Snow" en YouTube.

 

MONO - Requiem For Hell (2016)

¿Cómo describirte MONO? Si Beethoven hubiese tenido acceso a guitarras eléctricas, probablemente habría compuesto cosas parecidas a MONO, y posiblemente parecidas a las de Requiem For Hell. A este cuarteto japonés ya les seguía la pista desde el 2009, y tuvieron varios trabajos más orquestales, bonitos y quizás "elegantes" en cierta medida entre ese 2009 y el 2016. Con Requiem, sentí que volvieron un poco al "Beethoven con guitarras", composiciones largas y en general bastante densas, paredes de sonido oscuras, y una historia que se cuenta con el disco completo, no sólo con sus canciones sueltas.

Me intentaré explicar: les resultará obvio que la canción "central" del álbum es la homónima de más de 17 minutos, allí concentran toda la cacofonía con las guitarras y los pedales, los riffs machacones (como diría Shauntrack) y las baquetas despedazando la batería. Pero también tienes "Stellar" y "Ely's Heartbeat" más relajadas y que hacen un poco de la calma antes/después de la tormenta. Esto no quiere decir que es un disco de 46 minutos que son 30 min de relleno para acompañar a la "Requiem For Hell" de 17, no. Más bien quiere decir que es una pieza "que Beethoven habría compuesto si hubiese tenido guitarras eléctricas" y su parte más salvaje ocurre al medio, pero para entender de dónde nace esa canción es bueno disfrutar todo el disco en su conjunto.

Acá "Death In Rebirth" en YouTube, aquí en Spotify.

 

Astro'n'out - Multivitamīnu Multipaka (2019)

Me gustaría hablarles de la instrumentalización, las letras o los ritmos, pero creo que lo que más destaca de Astro'n'out es el idioma. Quizás alguno sea afín a la música en japonés, alemán o sueco. ¿Pero cuántas veces has oído una banda letona cantar en letón? Exacto. Nunca. Astro'n'out sacó unas re-ediciones de dos álbumes en inglés, y te aseguro que se pierde parte de la magia (como cuando Kent sacó "Isola" en inglés).

Pero también Multipaka es, por lejos, el álbum que más he oído de Astro porque tiene temas muy buenos. Pop-rock de primer nivel (estos tipos estuvieron en Eurovision hasta donde entiendo). "Dejot trakāk" con su bajo manteniendo tu atención durante las estrofas, y ese coro que no tienes idea qué está diciendo pero que te anima a mover la patita. Bueno ya, ahora lo busqué en Google Traductor y el coro dice "Ella viene y me dice que quiere bailar más loco". Sí. Definitivamente ese es el coro para esta canción.

O también "Agrāk" que la declaro como la mejor canción pop de la historia de Letonia; y siento que no tener idea lo que dice ayuda a que la voz se convierta en un instrumento más, junto a los bajos y sintetizadores. Entre tanto disco depre e introspectivo que tengo acá, Multipaka es esa gran excepción que te puede hacer sonreír.

Aquí "Agrak" en YouTube, aquí en Spotify.

Prehistöricos - Nuestro Día Vendrá (2014)

Complejo hablarles de la música como tal cuando este disco está muy conectado a los recuerdos y momentos personales que pasaron en ese entonces y "Borrémonos del Mapa" y "Que Suba el Momento" estaban clavados en mis playlists. Quizás justamente esa sea una manera de describir este álbum.

Prehistöricos ya venía en una senda de música introspectiva, para oír en la pieza mirando la mugre del techo y pensando en eso que dijiste en segundo medio que obvio todos aún recuerdan. Y si bien en este disco está la canción más adolescente-intensa de su discografía ("Dos Planetas"), también hay varias canciones optimistas, tanto en sus letras como en sus cuerdas y pianos con más notas mayores que menores.

También es un disco bastante más "musical" que su debut o su previo EP. Hay mucha más batería, teclados y guitarras acompañando los versos, no es sólo una voz perdida allá en algún bar de Bellavista como a veces fue el disco debut. Eso también lo hace más subidor de ánimo aunque, reitero, tiene varias letras que no son exactamente optimistas.

Acá "Que Suba El Momento" en YouTube, aquí en Spotify.

Ramper - Nuestros Mejores Deseos (2020)

"Glorioso" es un adjetivo que uso muy pocas veces a la hora de describir una canción, y usaría esta palabra para describir el insultivamente ignorado disco debut de estos españoles. La obertura ("Nuestros Mejores Deseos") va entre algo super silencioso y tímido, una batería que dice "hola, ¿tengo permiso para sonar?" y una voz que casi hace ASMR, y una explosión de guitarras y trompetas, y todo lo que hay entre medio. Fans de Godspeed You! Black Emperor quizás se les haga conocida esa descripción, y es que a veces siento que Ramper le hace una carta de amor al grupo canadiense con Nuestros Mejores Deseos.

Si es que no tienes idea lo que acabo de decir, es mencionar que hay muchísimos cambios de ritmo, hay muchos momentos enojados (como en "Pánico en las Calles"), muchos sublimes en que hay que levantar tus delgados puños como antenas al cielo (smiley face), y a veces no tienen miedo en hacer real cacofonía.

Con Astro'n'out y Prehistöricos hablé de la importancia de entender o no las letras. Y acá llegamos al otro extremo: saber lo que dice, pero no saber. No sé si es decisión presupuestaria, artística o de producción, pero varias veces la voz se sofoca entre las guitarras y trompetas rugiendo, al punto que es "sé que estás ahí, pero no sé qué dices". Me gustó muchísimo el trabajo de Ramper, aunque también reconozco que no es para oírlo todos los días. Es, igual que Requiem For Hell, cuando estás de un ánimo para oír la obra completa e intentar asimilarla.

Acá "Nuestros Mejores Deseos" en YouTube, aquí en Spotify.

 

Desconozco cuál será el futuro de esta miniserie, pero creo que es buen compromiso para seguir hablando de música, y creo que aún cabe en lo que pensé para el DAeD (Discos que amé esta década) serie de insuficientes dos capítulos.

Saludos a Yoda, baterista de MONO.

DAeD: Entre gaviotas y pedales.

Cuando nació Jesús, pasamos del 1 adC al 1 ddC directamente, sin año cero. Por lo que el último año de esta década debería ser el 2020, no el 2019. Pero como la gente es weona y pelear por la nomenclatura no es el punto de esta entrada, convengamos que este es el último año de la hermosa década de los 2010s. Una década que nos trajo amores, odios, perritos, memes y hartos discos. Y en este blog he hablado de hartos discos, y algunas veces hasta me las piqué de periodista musical e intenté hacer reviews. Ay, qué vergüenza.

"Discos que Amé esta Década" ("DAeD" para los amigos) es esta serie de futuro incierto donde hablaré de los discos que me dejaron mirando el techo, esos que me llegaron a la médula y que dije "...ooooooh". Podríamos decir que partí el año pasado con mi post sobre el EP de Yuragi, pero este es como el puntapié inicial formal. Con ustedes:

Shojoskip [少女スキップ] ~ "Cosodorokitsune" (2012)

Siento que este disco parte dos veces. El track 02, "Glory of the snow" fue el single que sacaron para promocionar el álbum y tiene todo ese shoegaze japonés simpaticón que o sientes que todo suena igual y te cabreaste o ya te hiciste adicto. Han pasado 10 años ya y uuuuuuuuf, han salido hartas bandas así, ya sabes de qué sonido hablo. Pero el inicio formal viene con "Reciting Dawn After The Bonfire", tema instrumental que, junto a Glory te acusan que Shojoskip se mueve entre estos dos ambientes: shoegaze japo con voz femenina buena ondi, y puentes instrumentales donde las guitarras no son agresivas ni tienen juarrillocientos pedales (y no digo que eso sea algo malo, ¡aguante Supercar!), y el hilo conductor del tema se basa en la iteración de algún ritmo usualmente de teclado o guitarra.

El tema que me hizo fan de esta banda y me dijo "weón, tenís que buscar y descargar este disco!" es el tercero: "Kamome" [Gaviota]. Kamome es justamente ese crescendo que va de a poquito complejizándose y metiéndole más instrumentos, hasta que estalla y la canción acaba...y sobre ese fin de canción, ésta renace y cambia completamente. Ahí, Chisato dejó de ser esa voz simpaticona usual en el shoegaze japonés, y se convierte en una cuestión más etérea. Y mientras Chisato canta sobre ser una gaviota flotando en el viento (sí, la única canción a la que le hallé las lyrics), Takashi está volando con los pedales. Pero no es una volada protagónica, no es el flaco de Slowdive volándonos los sesos; es un vuelo mucho más tranquilo.

Me enredé con tanta cuestión. Escuchen el tema ustedes mismos.

Pero no sólo de pasajes etéreos vive el hombre; "Light & Delight", "Tedukurinotori" (tres veces revisé el tipeo de esa) y la misma "Glory of the snow" es esa alegría con el punch correcto para hacerte mover la patita. No sé si bailar y tal, pero al menos mover la patita.

Este es el único LP que Shojoskip ha publicado (o que en occidente nos hemos enterado), y junto a un EP de tres temas y un split que hicieron con My Dead Girlfriend, no tienen más música publicada. Aún así, sólo con 18 temas, están bien activos en Twitter y parece que tocan harto allá en Tokyo. Raro, pero cosa de ellos.

O sea, en verdad son 17, porque "Soramame" es una versión más raw del outro de este disco: "Faba Bean Thought To be Abstract". Qué outro más lindo, por dioh. Instrumental de nueve minutos que es por fin la guitarra agarrando protagonismo, aunque la batería ahí al medio está peleando también el spotlight. En temas como Faba y Kamome, Shojoskip se toma todo el tiempo del mundo para generar el ambiente con el que narrarán la canción, y de ahí ir iterando sus ritmos hasta que lo deciden explotar todo. Y me encanta eso. No llegan a niveles post-rockeros (no sé, pienso en Caspian o Godspeed You! que se llegan a tomar mucho tiempo para crear su atmósfera) pero están ahí cerquita. Sí yo sé que en RateYourMusic le quieren poner la etiqueta post-rockera.

Hablando de outros y porque esta es posiblemente la única vez que hable de Shojoskip, les quería mencionar también de "Usagi". ¿Se acuerdan de ese split con My Dead Girlfriend que mencioné en el párrafo anterior y ustedes no me pescaron? Ya. En Spotify lamentablemente están sólo los cuatro temas de Dead, los otro cuatro de Shojoskip los pueden hallar en YouTube y se los recomiendo si es que les gustó esta banda. Usagi en particular, que es más nostálgico y melancólico (¿quizás crudo? que lo suavecito de "Cosodorokitsune". ¿Puede una banda que ni conoces y que recién el 2014 supiste de su existencia generarte melancolía? No sé, parece que sí. O quizás yo descubrí Shojoskip, "Cosodorokitsune" y el Split en el momento adecuado.

Y no se puede ser más japo que una foto de la flor de Sakura, así que aquí hay una.

Shojoskip no está en Spotify (sólo el EP de tres temas), pero el amigo de Asian Shoegaze tiene Cosodorokitsune, el Split y el EP subidos a su canal. Y si quieren el disco para hacerle scrobblings o algo, no sé...pídanlo. Feliz les paso el .rar (porque no sé si está en torrent).

Como dije al principio, DAeD será una serie de futuro incierto pero hay hartos discos esta década que valieron mucho mi pena. Y los discos occidentales que espero tocar son harto más fáciles de hallar, al menos hay esa calma (equis de).

Saludos a r/ListenToThis.

El shoegaze del año

Como muchas cosas japos que he conocido, este álbum llegó a mis oídos gracias al canal Asian Shoegaze (ex-Japanese Shoegaze). Aparentemente tenían un single llamado "Bedtime" que fue su puntapié inicial el 2016, pero qué iba a saber yo. Le di a play a este disco desconocido y oh. OH. Encontré mi álbum favorito del año, fue mi reacción automática. Y aún creo eso, y de este disco hablaré hoy.

Con ustedes, 揺らぎ [Yuragi. Banda que no estoy ni ahí con escribir en kanji porque no estoy para copy-pastearlo cada vez que los mencione] y su superlativo EP: "Still Dreaming, Still Deafening".

Y apenas hace la media hora, así que tampoco es que me extienda mucho.

"B/C" es el pseudo-opening, digo pseudo- porque es un muy bien ejecutado falso crescendo que muere al inicio de "Horizon", donde estallan todos los pedales, batería y voces. Mirai Akita está bajo tres layers de pedales y efectos, mientras las guitarras están en todo su apogeo. Y después de sus muy enérgicos momentos, "Horizon" muere en el mismo ritmo con el que comenzó el EP. Sí sé, si cambiamos los nombres de las canciones te describí cualquier post-rock, y ahí hay punto para Yuragi: ellos hacen alta mezcla de ambos estilos y en ninguno flaquea. Si quieren hacerse un momento Bloody Valentine, sas! Hay pedales. Si quieren rugir a lo MONO, ahí hay una pared de sonido.

Las canciones siguientes juegan más en el lado shoegaze que hace que hasta el más cumbiero de los metaleros diga "ah sí, esto es shoegaze japonés", porque casi que esto es el sucesor espiritual del "Cosodorokitsune" (2013) de Shojoskip. Yo sé que alguien, en algún lugar, me captó esa referencia.

"Unreachable" es otra de las mezclas perfectas entre las patadas más instrumentales y los mil pedales. Para evitar ese vicio idiota de los periodistas musicales de meterle adjetivos estúpidos a las canciones, tú sólo escucha "Unreachable". Y ojalá veas el video, a pantalla completa, con audífonos, en un cuarto oscuro. Y mientras ves las olas romper, fíjate en lo clarísimo del sonido. Muchas bandas optan por un sonido más sucio o por sacarle un par de pedales para que las cosas no colapsen bajo su propio peso, pero acá Yuragi se fue por lo mejor de los mundos.

Notarás un sonido reminiscente a "B/C" al final, y es que el último tema del disco recoge bastante de lo que "Horizon" hizo al principio. Les dije que el EP era cortito. Cuando se trata de mi canción favorita de este año, estoy entre una de Kraus y el outro de este EP: "Path of the Moonlit Night". Recuerdo que una vez oí a un flaco decir "without silence, there can be no loud", y Yuragi aplicó esa filosofía a rajatabla en el outro de "Still dreaming...". No spoileo el final porque esa sinergia final de Mirai con pedales estallando a la Taka de MONO, que tus audífonos te cuenten cómo es eso.

¿Te logré interesar? Asian Shoegaze tiene todo el disco subido a YouTube.

Y se viene -espero- esa review sobre Kraus. Esos también me sorprendieron. Mucho.

Saludos al Parker de Asian Shoegaze, aguanten los fideos (alguien, en algún lugar, entenderá esa referencia).