Esta semana ha sido especial, salimos temprano por estar en la Semana Recursera y tener tiempo para las actividades. Máximo cinismo porque bien sabemos que eso para mí significa venirme al PC a matar neuronas. Pero hey, igual he hecho una que otra cosa "productiva". A lo que nos convoca, el nuevo episodio de "Chúpala Bowie: Discos 2013 :D". Estoy intentando apurarme con esto porque se vienen lanzamientos que quiero review-izar al tiempo que hay discos superlativos que aun ni tomo en cuenta (65daysofstatic, Placebo, Franz Ferdinand, los pienso). Cabe mencionar que este es el décimo coso que escribo. Awww...pensar que hace un par de meses me dio la weá con Ólafur Arnalds y todo esto nació. Bastó un par de meses para que nadie hable de Bowie, me arruinaron el chiste del tag, malditos.
Como sea, preparen sus pañuelos desechables porque este disco es lacónico, triste y bien introspectivo. De esos que me gustan a mí. Con ustedes una banda que puta que eligió un mal nombre para ellos. ¿Es que la gente no aprende que si el nombre de la banda coincide con una palabra clave muy usual, cuesta mucho hallar algo? The Music, a ti te hablo. Bueno, acá está Money.
P.S: Amé este disco.
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Money - The Shadow Of Heaven
Es oficial: en lo que va de año Inglaterra definitivamente se llevó el premio a “País con los mejores discos debut”. “If You Leave” de Daughter es un superlativo trabajo vocal lleno de bellos parajes e introspecciones; no terminamos de enamorarnos de aquel disco y aparece un cuarteto de Manchester que lanza también su debut este 2013. Money (o M O N E Y) publica el onírico “The Shadow of Heaven”. Un disco lleno de ecos, voces muy bien logradas, música suave y en la potencia justa. Es un trabajo que logra usar magistralmente el silencio como instrumento al tiempo que entre todos los sonidos crean una atmósfera que a momentos baila en una calma alegría y en otros genera el aire más melancólico. El trabajo vocal y lírico de Jamie Lee puede arrullar cálidamente o desgarrar el alma cuando quiere. “The Shadow of Heaven”, debutazo de Money, es un disco lleno de sentimientos.
Atmósferas dream pop cubren el ambiente, mientras Jamie en una voz a la que se le agregan muchos ecos suena protagonista. No hay un hilo conductor, sólo suavizar el ambiente para lo que viene. El bombo y el platillo de la batería están ahí, golpeando; pero con sus decibeles bien reducidos, están opacados. Nadie puede molestar el viaje que Jamie está comenzando.
Cuando empieza “Who’s Going To Love You Now” el cuerpo ya se ha relajado. El dúo inicial de canciones es una tranquila sonrisa, el estar tirado mirando el techo mientras Jamie hace coros al cielo. Aun así, la música sabe cuando retirarse y dejar la voz totalmente desnuda sentenciar los versos que le dan nombre al tema. El aura pop onírica se mantiene hasta el cuarto tema donde se aconseja un buen estado anímico para evitar secuelas, porque acá el suave y dulce aire se convierte en un solitario, agreste y melancólico vacío: “Goodnight London”. El silencio es el instrumento principal en esta canción de siete minutos, un tímido piano acompaña a Jamie versar “Todo niño que he amado, toda niña que he amado…cerrarán sus ojos y cantarán Adiós Londres”.
Continúa con “Letter to Yesterday” donde bajo y percusión dan un espíritu mucho más esperanzador. Guitarra y voz se suman a un crescendo que sube y nos deja en las puertas del nirvana. Resulta irónico que el tema más esperanzador del disco repita hasta la eternidad “Está lleno de sangre” pero, aunque esté todo infestado de muerte “Letter To Yesterday” es hermosa composición. Puerta idónea para la desgarradora “Hold Me Forever”, el primer single de “The Shadow Of Heaven”. “My sky is the same, It's just pale and blue and I'm as lonely as the sun” versa la primera estrofa mientras el coro es un celestial pero melancólico “Even if you hold me, if you hold me forever I’ll become bored of all of this together”. En el video que acompaña la canción los versos van a la par de una bailarina de ballet siendo sujetada por su acompañante mientras más damas están alrededor. Una danza lenta y delicada es la mejor manera de representar “Hold Me Forever” y este “The Shadow Of Heaven”.
“Cold Water” es el patito feo del disco. Todo está más tenso, más gélido, más brusco. A la batería la dejan sonar en toda su potencia y los falsettos de Jamie ya no son tiernos arrullos, ahora está notoriamente agresivo. E igual que el patito feo no es más que un cisne disfrazado, porque “Cold Water” es un punto altísimo en el álbum. Especial mención a los segundos finales que son una catarsis que pedíamos hace tiempo.
Las comparaciones no son difíciles de hacer. En “The Shadow Of Heaven” se puede sentir un poco de Sigur Rós, Arcade Fire, The Cure y mucha lluvia británica. Viaja entre lo desgarradoramente triste y lo surrealmente alegre; onírico, celestial, introspectivo. La Sombra Del Cielo, junto a “If You Leave” de Daughter, dos de los mejores debuts de este 2013.
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Las fotos las saqué de Last.FM, tengo la injustificada creencia que si las saco de ahí no expirarán como las que nada más saco de Google.
Por alguna extraña razón no me deja poner el enlace de descarga en el coso ese para poner los enlaces, así que acá está de cualquier modo. Sufran felices.
Un saludo a Thom Yorke que hace unos días estuvo de cumpleaños
Era el 2011. Tipo Enero, el line up del primer Lollapalooza Chile se confirmó. Los chilenos estarían representados por varios artistas, entre ellos Dënver, banda que jamás había escuchado y que me parecieron cool los dos puntitos arriba de la E. Le daba estilo. Bajé "Andén 6" y me gustó pero nada espectacular. Last.FM me instó a buscar su disco más conocido, el entonces joven "Música, Gramática, Gimnasia" (2010) lo descargué y no pasó nada interesante...hasta que empezó el track 3. Hasta la fecha es probablemente una de las canciones más geniales que he oído y en ese momento (yo un enamorado despechado maníaco-depresivo) fue el soundtrack ideal para un sin fin de cosas que pasaban dentro y fuera de mi cabeza. El video además, grabado cerca de San Felipe, actuó como rendición-homenaje-cosa loca al éxodo "del campo a la ciudad" que empezaría pocas semanas después. "Lo Que Quieras" es lo mejor que le ha pasado al pop chileno en lo que va de siglo y, con esa canción comenzaron su show en el Lollapalooza. Yo más extasiado no podía estar. Así que en memoria de la maratón recorrida gracias a Milton Mahan y Mariana Montenegro todo este tiempo, no haré una simple review del "Fuera de Campo" (2013). No se puede, no puedo. Esto, fueron dos años con el dúo de San Felipe. Y porque puta...son las 4 am.
Dënver
Si se pone todo en Winamp, son 2:26 horas de reproducción (excluyendo el Bonus Track "De Explosiones y Delitos"). Desde "Andén 6" que suena pequeñita, débil y frágil, hasta "Medio Loca (Hasta el Bikini Me Estorba)" con sus arreglos que llegan a ser hasta ambient y los susurros de Mariana acariciando decíbeles, donde la producción denota que pudieron costearse algo mucho mejor que lo que se permitieron cinco años antes. Y bueno, sigamos en el Lollapalooza.
"Un día me dices luego,
al otro me dices ya ves.
Un día me dices corto,
al otro déjalo crecer."
Eran pollísimos. Se creían tan poco ahí como músicos como yo como espectador volando con "Lo Que Quieras". La luz del Lollapalooza les tapó la cara casi todo el rato, hubo poco movimiento, poca cosa loca por el escenario. Las cinco canciones que tocaron eran todas bailables del "Música...", lanzaron toda la carne a la parrilla de una. Se acabó "Los Adolescentes" en un fade-out loco de la guitarra de Milton. Algunos criticaron el final como que era muy rockstar para lo que proyectaba Dënver. ¿A mí? Me importaba un pepino; Lolla2011 comenzó con pie derecho.
"Música..." está lleno de grandes momentos aparte de los dos singles estrella. "Olas Gigantes" es un pop que es bailable pero que no, que es de amor pero que es de calentura; es una canción que se puede escuchar unplugged o formato disco y sigue funcionando. Narrada en un modo inocente, ella simplemente encuentra que él es hermoso y decide seguirlo incluso hasta el punto de no tocar fondo, enrolarse en las olas y perder la conciencia.
"Litoral Central" primero destaca por la electrónica agresiva vs las baladas de lento piano que le rodean en el álbum, un cambio bien agradecido y que le da versatilidad al tercio final del disco; luego aparece la voz. Antes era tierna Mariana susurrándonos cosas de desamor. Ahora nos grita que mató a un tipo porque sí y no está contenta con eso. Maldita sea, por qué te moriste, por qué nos morimos juntos.
"Moriremos congelados,
si no aprendemos
luego a abrazarnos."
Poco después del Lolla2011 vino el Lanzamiento Oficial de "Música, Gramática, Gimnasia" en Matucana 100. El concierto en sí tuvo un pequeño gran problema para mí: estuvo lleno de canciones de "Totoral" (2008), disco que yo apenitas conocía. Recuerdo eso sí "Paraíso de Menta", tema que por alguna razón me gustaba mucho en el disco y "Los Últimos Veranos", canción que rápido escaló a mi top de los Dënver. Pero sin duda la que se robó la película fue la canción más desconocida de la noche: "Nuestro Mundo (De las Cosas que a Nadie le Interesan)".
Durante el momento en que la tocaron y todo el M100 escuchó en total silencio...creo que todos los asistentes pensamos en alguien. Voz, música y letra. Todo fue perfecto.
No recuerdo si fue last.FM o Facebook el que me avisó de otra presentación de Dënver. Y yo no me podía aburrir de ellos. Tres grandes cosas salieron de esa jornada. Las primeras, dos locos hipsters que me culturizarían en la loca vida loca...de la vida y su locura (Pía y Manuel, esta es la parte en que los menciono). La segunda, Mariana en estado de ebriedad cantando (o intentando) y toda la Blondie perdonándola sin reproche. La tercera, conocí a The Ting Tings (jejeje). Con la tercera vez que los veía en vivo ya los tenía como mi banda chilena preferida.
Oír "Totoral" luego de "Música..." es algo raro. Se siente la diferencia de presupuesto y el novatismo en el primer disco del dúo. Pero eso también le da un tinte que de otra manera no pudo haber tenido. "Miedo a Toparme Contigo" suena excelente en modo novato, narrando con un teclado llevando la batuta la postura de ella post-separación, que quizá nunca pueda sacarse a él de su vida, ¿Adolescencia anyone? No usa ninguna metáfora, escupe los versos tal cual. No hay confianza, hay miedo, hay hasta cosas random arruinadas (¿Sitios para vacacionar?). Él no se queda callado. En "Insistes en Volver" esperará la estrofa final para decirle cortante y fría Si no me olvidas recréate, sino medícate...sino muérete. Ay, la bipolaridad. La odio. Es genial.
"Corazón de Andrés" es amor a primera oída. Los versos cantados por Milton en la primera parte de la canción son otro instrumento más, siendo antesala para la sublime segunda mitad, un delay eterno que podría ser clasificado como "el primer tema post-pop". Teclado y synth elevan y elevan y hacen volar; un highlight que nunca tuvo el merecido protagonismo.
"Como la fuerza que se expresa de un huracán,
de una explosión nuclear, de un glaciar,
del mundo animal."
No recuerdo en qué contexto, pero se estrenó el clip de "Los Bikers" en YouTube con bombos y platillos. Yo estaba "ñeh..." porque nunca me movió mucho esa canción. Uno de esos shows post-lanzamiento era en la SCD de La Florida. Una banda malísima de San Felipe teloneó. Cuando salió Dënver no fue sólo aplaudido, sino agradecido (jejeje). El show fue bueno, pero nada realmente memorable...hasta casi el final. El clásico riff que da la partida a "Los Adolescentes", varios hipsters atrás de la sala hacen como que bailan. Mientras la canción avanza y el crescendo sobre el que se sustenta sube y sube, más hipsters van hacia atrás para ponerse a bailar [contexto: en la SCD hay butacas, ergo alguien de pie bailando tapa a los de atrás]. La endorfina musical me hace seguir a los consheptuales y me sumé al movimiento corporal. Sí, sigo declarando que yo no bailo, pero con "Los Adolescentes" hago una de las cosas más parecidas a ese acto tribal; y es que es un pecado oír esa canción sentado. En estudio es un electro-pop naif y amigable, en vivo donde el beat lo reemplaza la batería y el synth la guitarra, ...es una bestia. Al terminar y volver a mi asiento (en primera fila) la Pía y el Manuel me miran con cara de "Da fuc just happened wid ya!?". Es Dënver.
"Fuera de Campo" tiene puntos muy buenos, otros débiles. El formato balada naif de teclado y Mariana siendo linda suena excelente en "Totoral"; "Los Bikers" y "Cartagena" hacen el trabajo en "Música...". Ya en "Fuera..." es algo cansino, un rip-off de lo que han hecho antes. No se critica lo lírico que sigue siendo interesante, pero la música a veces alcanza un pop barato que es...barato. "El Árbol Magnético Ataca por Sorpresa" es un temazo de todas maneras. Hijo orgulloso de "Corazón de Andrés" una gran parte de la canción es un repetitivo shoegaze que insolente y pedante, está ahí. Sólo se deja sonar a sí mismo sin importarle nada más, finalmente Milton logra domarlo y continuar la canción. Pero le costó.
"Medio Loca (Hasta el Bikini me Estorba)" es la mejor canción quejosa de la historia. Quiero hacer esto, quiero hacer esto otro, no quiero que me veas...bueno sí.La minimalista música que va de fondo genera el relajo que es bien agradecido para la canción final del último disco de Dënver. O lo era, hasta que además de ser el último tema ahora "Medio Loca" marca también el final de la trilogía.
"Si quieres ganarte el cielo,
yo me arreglo con San Pedro.
Si quieres un mundo nuevo,
yo ya te lo tengo hecho."
El anuncio del lanzamiento de "Fuera de Campo" en el Teatro Cariola creó un hype enorme.Hubo varios invitados, muchos highlights en la noche. Quise hacer una review del evento para destacar la más grande participación de la jornada pero jamás la escribí así que lo hago ahora: ¡¡LAS LUCES WEON!! No sé quién habrá sido la mente maestra tras los focos pero fue un maldito genio. Todo en su lugar, todo iluminado como debía. Milton pasaba de silueta a cara completa a oscuridad total como quien cambia de calcetines. Mariana se iluminaba en los momentos precisos. Su vestido negro también merece una mención y hay que decirlo, a todos nos pasó algo al verla en "Mi Primer Oro" lucir esa tenida. Pienso en un adjetivo superlativista [neologismos ¡yey!] para referirme a éste sin sonar pervertido mas no lo hallo. Los invitados fueron muy aplaudidos pero a mí se me cayó la boca con el último. Para la penúltima vez que oiría "Lo Que Quieras" en vivo, nada más ni nada menos que el chascón Tomás Preuss de Prehistöricos acompaña a Milton, Mariana y la orquesta detrás. Se me erizó la piel en ese momento (y puse dos líneas para indicar el link porque vale la pena la exageración).
La noticia de la separación golpeó a todos. ¿Cómo pasó? Un disco apenas saliendo del cascarón, giras por delante, fans a ambos lados del atlántico y ambos lados del ecuador. Es el momento de gloria de la banda y se acaba, así sin más. Las dos horas y algo más de música que nos dejaron es ahora un legado. Se separó la banda y la vida sigue, aun quedan bandas por conocer, discos que bajar y cosas por las que reclamar. Todavía no tenemos la educación gratuita ni la abolición del impuesto al libro. La vida siguió cuando se separó Pink Floyd, se mató Kurt Cobain y Rebecca Black sacó "Friday". Y ahora a seguir sin los Dënver. La vida es (cuando menos) dos horas y algo...más aburrida.
"...y si no quieres nada."
Como dato al margen, quería ponerle a esta entrada "No, no puede ser" en honor al trolleo masivo que hicieron en la radio por la separación de Dënver, pero no funcionaba igual el post. Saludos al tipo que manejó el taxi que nos llevó al último concierto, al yeso de Mariana y al Seba Deschannel que subió el concierto del M100 a Taringa!.
Hoy se cumplen siete días desde la bullada venta de entradas Early Bird para Lollapalooza Chile 2014. Y ya que esta fue por gigantesca diferencia, la más caótica...merece ser tema de este humilde blog. Partamos por la base...que según el teorema de Euclides es una relación entre la altura y los lados que se proyectan sobre dicha base. ¡¡Já!! No se esperaban eso, aun me acuerdo de cosas de colegio, viva yo.
Asumamos que mi lector no sabe un pepino de Lollapalooza o ventas de festivales y que lo más magno que conoce es el Festival de Viña. Bienvenido entonces, al mundo real de los festivales. ¡Ah! Y Woodstock, que es parte de la educación cívica que deberíamos recibir en el colegio, así que tienen que conocerlo.
La foto es de Glastonbury, ícono a nivel mundial de festivales hiper-masivos (¿qué tan masivo? Ver foto) que se realiza desde los '70 en Inglaterra. Entre otros monstruos de renombre podemos decir el Rock AM Ring de Alemania, Coachella en USA, Fuji Rock en Japón...y Lollapalooza en USA. La idea es tener varios escenarios simultáneos con artistas de diversos estilos, mucha música de nicho, escena local y básicamente crear una realidad alterna donde el escenario y buena música son protagonistas. Y claro, el público. ¿Qué artistas? En las últimas dos décadas los cinco festivales antes mencionados han brillado con artistas del corte de Paul McCartney, Sigur Rós, The Cure, Green Day, Muse, Metallica, The Offspring, Linkin Park, Slayer, Rodrigo & Gabriela, Fatboy Slim, Explosions in The Sky y Lady Gaga. Comparado con el Festival de Viña...es definitivamente otra escala.
En toda su trayectoria, estos festivales han probado que su parrilla de artistas, su seguridad interna, baños, comida (excluye precios) y ambiente en general es de brutal calidad, por lo que las entradas se venden incluso antes de confirmar los músicos que van a tocar, eso se llama Early Bird o venta en verde si te complica el inglés. ¿Ejemplo? Reading Festival 2013 en Inglaterra (que tiene como headliner a Green Day, Eminem y Nine Inch Nails) vendió sus tickets Early Bird de $12.000 [CHI] en poquísimos minutos. Los tickets de $90.000 y $160.000 tuvieron el mismo destino, con varios miles de asistentes sin tener perra idea de qué están pagando porque no hay nada confirmado; pero Reading ha probado en todos sus años que es pro y que hace valer los precios y la desesperación por ellos.
¿Y eso qué le importa a Chile? El hemisferio sur tiene muy pocos festivales con qué jactarse, Rock In Rio en Brasil siendo casi el único, y por eso la producción de Lollapalooza Chicago se interesó el 2010 y para el año siguiente anunció su primera versión en el Parque O'Higgins, para el festival del 2012 comenzó la primera venta en verde. Lo cual, hasta ahí está super bien. Lolla Chicago es autoridad en los festivales yankees y con la marca se asume calidad similar en Chile. Pero...estamos en Chile y las cosas funcionan a la chilena.
El 2011 (pensando hacia el 2012) la venta en verde colapsó el sistema de Puntoticket.cl mientras las tiendas Ripley y Cine Hoyts soportaron una horda de compradores. Si comprabas por internet te daban un código para recoger tu entrada el día del festival. Cuatro horas después de hacer fila el propio día del festival (y perderte mínimo un tercio de éste) lograste conseguir la entrada. Malísimo. Lollapalooza 2013 también tuvo un inicio negro; Claro [auspiciador oficial] ofrecía un descuento del 20% a la Early Bird con un código. La venta comenzaba a las 00.00 de un Lunes únicamente por internet. Era Domingo a las 21.00 y tanto Claro como Puntoticket eran inaccesibles; ambas colapsaron y se tuvo que botar los servidores a las 4.00 am porque ya era insostenible. La venta reanudó tanto on-line como físicamente a las 10.00 el Lunes, Puntoticket y Claro volvían a morir, el sistema RedCompra tampoco funcionó bien para la demanda...o tenías efectivo y hacías la fila en un Ripley (cruzando los dedos para que el sistema funcionase) o adiós.
En lo que se refiere al Festival mismo, Lolla Chile siempre se ha superado y la calidad es salvaje. ¿La venta? Un colapso de todo. Y con ese preámbulo, llegamos a la venta del Lunes pasado para #LollaCL2014.
Era obvio que PuntoTicket moriría así que me mentalicé a hacer la fila en mi tradicional Ripley Agustinas. 2000 entradas online, 2000 físicas, y luego comenzaría la Preventa 1 que es más cara. 8.00 am, era el 5º en llegar. Estaban cayendo gotitas. Buena conversa y buenos seres humanos los que hicimos esa fila, debo decir. Ese Ripley tiene dos entradas, éramos unos 120 por la principal pero lamentablemente habían entre siete y once pendejos por la entrada B, dispuestos a correr como animales por llegar primeros. La suerte no nos ayudó, porque esa puerta se abrió primero. Ya empezamos mal. Al final el que corrió más rápido llegó primero, no el tipo que estuvo desde las 7.30 en la puerta [sí, esa hora]. Yo, a mi fiel estilo Universidad de Chile acostumbrado a pelear "educadamente" con pocas posibilidades de éxito le conversé a los carabineros si era posible reordenar el tema, y luego al ÚNICO guardia del 4º piso de Ripley (Porque para más remate...había huelga interna afuera). Conseguimos hacer algo, los primeros veinte de la "fila principal" que sabíamos que habíamos llegado antes que la fila B nos alternaríamos con ellos para que nadie estuviese tan molesto; producto de la desesperación los primeros le comprarían entradas a los que estaban más atrás. A mí me llegaron $54.000 y compré una entrada a una anónima, a ese nivel de desesperación. Cooperativa (sí, la radio) apareció de la nada y un chico y a mí nos sacaron una foto y una entrevista de 20 segundos. Eran las 12.15 a lo sumo, la venta online estaba agotada. Menos de diez minutos después pasaría lo mismo en la física. Preventa 1 empezó.
Llegué a mi casa, me conecté a internet y vi el caos. Claro muerto [nota al margen: Para "Preventa 1" Claro nuevamente ofreció descuento] y en dos horas se agotó Preventa 1, algo histórico...y raro, porque siempre habían funcionado con plazos, no con stock. Preventa 2 a $75.000 [+ cargo por servicio] corría como avión para las almas que no alcanzaron nada antes. Recalco, nunca habíamos llegado a Preventa 2 por stock, sino plazo. La idea de la preventa 2 además es tener una idea de quien va a tocar. Alejándose un poco de lo meramente económico y administrativo, también hay temas más románticos que chocan. Es cierto, en un concierto de lo que sea el espacio no es una comodidad que debas tener por sentada, pero 75.000 asistentes por día este año nos sentimos. Arena Movistar colapsada a las 16.30 para Crystal Castles, para Pearl Jam no cabía un alma, por lo que me contaron Steve Aoki había que matar a alguien para que te dejasen entrar. Llegamos al punto que somos demasiados, ¿Y aun así la producción del Lolla quiere superar la cota de los 140.000 ambos días que fuimos este año? No soy prevencionista de riesgos, pero para mí eso da un poco de inseguridad, la entrada al Parque O'Higgins habilitada mide no más de 15 metros. Ojo con eso.
Público, somos los que hacemos la mitad del concierto. Anécdotas tengo varias. Fatboy Slim 2011, la Arena Movistar saltaba como un solo ente unidos con el DJ que teníamos delante. Gepe 2013, prendió el Claro Stage a las 12.30 recién empezando todo. Foster The People 2012, nadie sabe de donde salieron como 20.000 personas saltando con "Pumped Kicks". Flaming Lips 2011 que con "Yeah Yeah Yeah Song" sigue estando en mi ranking de las mejores canciones en vivo que he oído. 31 Minutos 2012, hablé de ellos esa vez. Pero hay malas también; Pearl Jam 2013 vio una horda de gente que a duras penas era fan de la banda, empujando, asfixiando...sólo por estar ahí. Of Monsters And Men y Franz Ferdinand, ambos 2013, era un mix de fans empedernidos y gente que sólo...estaba; ¿Lo malo? Ambos tipos estaban bien adelante. Crystal Castles 2013, que afuera del Movistar se leía grande ACCESO CERRADO porque no cabía nadie, y afuera cientos de fans con la esperanza ilusa de entrar.
Lolla debiera estar pensado para la gente que va a vibrar con bandas en vivo, no para el que sólo alumbra que está ahí. En Keane conocía tres temas, los escuché a cierta distancia porque no quería amurrar a los que saltaban. Los fans de Foo Fighters (que llegaron a las 12.00 a pelear la primera fila del concierto de las 21.00) jamás pifiaron a los cuatro artistas previos que poco y nada conocían. Una actitud que temo se va perdiendo entre tanto ente que entra, mientras los fans acérrimos ni siquiera pudieron costear las caras entradas. En cualquier caso, también pasa en Coachella y Glastonbury, pero no quita que sea desagradable que la persona a tu lado sea una mina hueca usando tacos hablando por iPhone con una amiga mientras hay alguien en el escenario. Ya sería la 4ª vez que voy, espero me sorprendan como siempre y espero que el público esté acorde a las bandas, no a los precios.
Como dato, "Lollapalooza" viene de una jerga yankee de principios de siglo XX que significa algo como "una persona, evento o cosa extraordinaria o inusual; una situación ejemplar". Quién sabe, quizá mis bisnietos vayan a un festival llamado "Macanudo Rock Festival".
Saludos a Patricio Estrella, su meme-cara ha sido muletilla estas últimas semanas.
Siendo las 00:30 am del Miércoles, vuelvo a clases post-paro. Y aunque no importa, me puse a leer comentarios añejos de mis entradas añejas [ahí, a la derecha, pueden ver los años y las publicaciones por mes, o usen las etiquetas...disfruten las latas eternas, son interesantes algunas]. Realmente escribía harto en aquel tiempo, algunas...lamentablemente, son unas latas eternas. Ahora estoy dando la lata...lo sé.
A lo que nos convoca, en este episodio de "Chúpala Bowie: Discos 2013 :D" presento una de las mayores sorpresas de este año, no tanto por lo remarcable del disco (de eso hablo luego) sino porque está demasiado afuera de mi Comfort Zone donde me siento a gusto, cómodo (de ahí el nombre, lo sé...no lo habrían notado) y por lo mismo, no me suelo alejar de ahí. Lo mío es la música maníaco-depresiva y el britpop melodramático y chillón, no el folk y estas cosas abstractas raras. Pero en serio maldita sea, el disco es demasiado bueno. Merecía que me esforzase y créase la review más extraña que he hecho [y ya, a nivel "picado a semi-pro" he hecho pocas, pero este blog está atestado de "reviews amateurs" en que todas son de mi comfort zone, lean las eternas "Este es un buen comienzo" hay algunas poquitas que yo aun seguiría leyendo...jejeje].
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Daughter - If You Leave
Cómo
convertir la voz en un instrumento y en uno tan superlativo es lo que hace del primer disco de Daughter algo tan remarcable en este año lleno de lanzamientos.
Daughter es el proyecto de la londinense Elena Tonra que desde el 2010 ha publicado ya tres EP’s; para el “If You Leave” de este año se acompañó de Igor Haefeli en guitarra y Remi Aguilella en la batería.
Este
trío comenzó a publicar la génesis de este disco desde el 2012 con el single “Smother” corriendo por internet. Finalmente en Marzo de este año se publica el trabajo completo: un álbum donde Elena le da rienda suelta a su voz al son que íntimos instrumentos crean una atmósfera que nos lleva a un viaje de poco más de cuarenta y cinco minutos. Canciones con varios crescendos,
rápidos bajones y letras melancólicas e introspectivas.
Desde
el comienzo hay una tenue capa de eco que abraza la voz de Elena; la primera canción es un ente abrumador donde los sonidos se pierden y los instrumentos se diluyen entre los versos cantados. “Smother” es la segunda pieza, una guitarra acompaña y nos permite aferrarnos a algo mientras las sílabas se van pronunciando. Esta guitarra acústica que suena débil en un par de temas
siguientes es la encargada de engañarnos y pensar que la nostalgia y la melancolía se terminaron, sólo para que un teclado nos lleve de nuevo al trance que este disco es tan prolijo en lograr.
Si
“If You Leave” fuera la banda sonora para una danza los bailarines serían pocos, estarían muy separados los unos de otros y harían largos y lentos movimientos de extremidades, mientras mueven mucho sus dedos, sus muñecas y sus labios. El disco avanza así, cosas pequeñas creando potentes atmósferas, la delicadez de los movimientos es la tónica, no la potencia de los instrumentos o
un gran falsetto. Un pulso de batería y una guitarra distorsionada en “Still” mientras en “Tomorrow” Elena no teme en
silenciar todo y encontrarse ella dando a cappella un par de versos. Desde ese a cappella todo va hacia arriba y la música sumerge en una ola de sonido que crece y crece hasta nadie sabe cuándo.
Las
letras van desde el desamor, la tristeza y la melancolía hasta una simple pero siempre necesaria catarsis. “Underneath
the skin there’s a human; Buried deep within there’s a human; And despite everything I’m still human; But I think I’m dying here” versa la canción “Human” al tiempo que los instrumentos se apartan para darle a la voz el protagonismo
que tan justamente ha reclamado durante este trabajo.
Daughter
es magistral en la emocionalidad que crea con “If You Leave”, es de esos discos que hay que oír con calma y escucharlos en más de una ocasión. Dependen del estado de ánimo al tiempo que crean nuevos estados. Cuarenta y cinco minutos para estar solo, luces apagadas, cortinas cerradas, y escuchar.
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Dedicado a la Alondra y su desmesurado amor hacia este disco. Seas un rockero empedernido, un rudo metalero, un post-rockero maníaco-depresivo o un popero *inserte acá adjetivo para ellos*, este disco es de esos que se deben oír. Sí, en serio. He dicho eso de todos los que he puesto en esta saga, pero en serio.
Saludos a Fuster, el profe de Hidro, que no nos hizo control hoy y me permitió escribir la review. Y a la Paz, que también ama este disco e intenté meterla en algún punto de la entrada...pero no resultó, así que aquí estás.
La historia que crea esta entrada es simple, el miércoles pasado fui a una tocata del ex-vocalista de la legendaria banda Los Prisioneros y quería contar mi experiencia. Y tranquilos, no será formato review...si ya en 72 horas olvidé varios detalles. Pero bueno, Jorge Gonzalez en concierto...¡¡Yahoo!! *Léase ese "Yahoo" con el mayor laconismo posible*
El lugar era un bar ABC1 en el Barrio Bellas Artes del Centro de Santiago, la entrada costaba $10.000 e incluía cover. Yo iba gratis (sino, ni por si acaso habría ido jejeje) y como estaba en lista, no tenía trago gratis pero ñeh. Los rostros denotaban que la mayoría del público estaba por sobre mi rango etario y, maldita sea era Jorge Gonzalez, predecible. A eso de las 23.35 la gente ya se impacienta y comienza un griterío desde la parte de atrás. Entre el tumulto aparece un flaco con cara de nada, chaqueta azul y pelo canoso. Se sienta en el escenario y alguien le trae un vino. Comienza con "No necesitamos banderas" y el público está vuelta loca. "¡Grande! ¡Maestro! ¡Leyenda! ¡Te doy quince hijos!" eran las frases que se oían. Y ya, no tengo nada que reclamar porque todos hemos sacado nuestro lado groupie con un artista que nos gusta, pero la imagen que tenía del tipo era algo más ehm...así:
Un tipo que interactúa con su público, que lanza ácido a las autoridades a través de su música, que al menos tiene energía. En su lugar había un cincuentón que con una íntima guitarra y tres focos que lo iluminaban le cantaba a nadie, aun cuando todo el Bar le coreó cada verso. A eso de la cuarta canción le habla al tipo del sonido para que le arregle algo en la guitarra, no resulta. Se enoja, se para y se va al piano. Mish, no sabía que tocaba el piano. Su segunda intervención en el instrumento es "Muevan las Industrias" y la reacción del público nuevamente es enérgica a cagar, él incluso se aleja del micrófono para hacer sing-along con el bar. Varias canciones más que yo jamás había oído (o si es que lo hice, las omití de mi memoria) y suena otro clásico: "Tren Al Sur". De las que conocía en su formato "tradicional", esta fue probablemente la única que sonó realmente bien en formato "piano + Jorge apenas cantando + público rugiéndola".
Anécdotas hay varias. En su momento le dice al público "¿Les pido algo? Igual es fome cantar con los ojos cerrados así que...¿Por que no apagan las cámaras y dejan de grabar? Si igual la grabación la van a ver en internet después". Hermosa y ultra-necesaria crítica a los cientos de miles Turistas de Conciertos que van a una presentación sólo a decir que ahí estuvieron; varias caras estaban mirando la cámara HD de sus iPhone's y no al artista vivo que tenían al frente. El setlist estaba en Arial tamaño 12 y con la no-luz que había en el local (más los años de Jorge) poco veía, así que en total anarquía (?) rompe el Setlist que está pegado en el piso para ver qué cresta de canción venía. Nadie le movió sus trocitos de papel en todo el concierto.
"Si sueñas con Nueva York y con Europa, te quejas de nuestra gente y de su ropa..." comenzó a versar. Se escucharon gritos "¡¡Hipsters culiaos!!" y una gran alabanza a Jorge y a la canción. ¿Pero no fue él quien estuvo en Europa tanto tiempo? ¿No es él el que está tocando en un bar a $10.000 la entrada a 120 metros de la calle más hipster y snob de Santiago? La canción me gusta, sí...incluso si es que me siento aludido (jajaja), pero hay que tener cojones para no autodedicártela en un concierto.
Recuerdo que cuando cabro chico me gustaban Los Prisioneros. Las letras, las sátiras, las críticas a la educación, el mercantilismo y otros temas de las canciones. Sacando una o dos, no son cosas de la dictadura que murieron en cuanto ésta acabó (y nacimos nosotros: los "Hijos de la Dictadura"). Entonces ¿Qué pasó? Como cantautor (formato que nos presentó acá) el tipo se hubiera muerto de hambre, buen poeta y nada más. Quizá sencillamente avancé de la música de Los Prisioneros, o tal vez lo que me gusta es la banda, no el tipo cantándolas como "puta ya, hagámoslo".
Entraron músicos para apoyar y la cosa auditivamente hablando se puso más interesante. El encore estuvo compuesto de "Paramar", un tema en inglés que yo jamás había oído (según internet, es de los Bee Gees) y "Sexo". Aquí al final, amparado ahora por músicos que hacían la pega instrumental, Jorge al fin se para y se pone a jugar con el público, por fin deja de ser un weón fome. Si eso hubiera ocurrido antes, quién sabe...mi opinión sería distinta. Ya, es verdad que un espectáculo en vivo lo hacemos público y artista, pero acá el 80% lo hacía la gente, 15% la "Leyenda del Vocalista de Los Prisioneros", un 4% la banda que acompañó en las canciones finales y el último 1% restante el propio Jorge.
Para Los Prisioneros...me quedo con los videos de YouTube y las tres o cuatro canciones que bajé cuando había Ares (sí, así de añejas son). Pero hey, fui gratis, me invitaron un vodka y pude sacar pica en Facebook. ¿Tengo realmente algo de qué quejarme? A mi defensa debo decir que fui atento y respetuoso con el tipo. No me puse a jugar al celular ni a conversar con la gente como varios imbéciles en otros conciertos. Y por si a alguien le interesa ver qué se perdió, acá el setlist (no roto).
Intenté mantenerme en las tres páginas de Word (aprox.) para que no digan que doy una lata tremenda. Si les parece que estuve especialmente fome hoy bueno...es culpa de Jorge (jojó). Saludos a Fabrizio Copano, que me lo estoy topando relativamente a menudo en este tipo de cosas y me lo topé de nuevo en el bar. Ay sí, yo soy tan VIP poh oye.
Cierra las cortinas. Desconecta la tele. Acuéstate en posición fetal. Llama a tus amigos y diles que no saldrás. Apaga el celular. Es una advertencia que debería salir al principio de "Kveikur", el nuevo disco de Sigur Rós. Ya, que sea una de mis bandas preferidas y parte esencial de la historia de este blog (¿no me creen? Lean las otras siete partes de esta saga) podrá prejuiciar la cantidad de baba vertida en este disco, pero realmente es bueno. Más allá del chiste hacia Bowie, este es un REAL contendiente a disco del año.
Describir
la música de Sigur Rós siempre es un trabajo arduo. Sus canciones van desde
pianos con poquísimas notas acompañado sólo por un chelo, hasta paredes de
sonidos catárquicas en que percusión, guitarra y gritos crean una verdadera
explosión de decibeles. En sus seis discos de estudio han recorrido decenas de
instrumentos, emociones, falsettos,
idiomas y “fórmulas” (por llamarlas de alguna manera) en sus canciones.
Dos
noticias han marcado al grupo en el último tiempo. La primera, la partida del
tecladista Kjartan Svensson en Enero de este año porque “había pasado quince
años en la banda y sentía que quería hacer algo diferente”. La segunda fue a
pocas semanas de la publicación de su disco “Valtari” (2012), confirmaron que
el año 2013 vendría un disco “distinto a las cosas que han hecho antes” y que “sería
más electrónico que Valtari”. La espera acabó hace un par de días con “Kveikur”,
el nuevísimo último disco del ahora trío islandés. Y sí, las expectativas que
ellos generaron se cumplieron. “Kveikur” es un disco caótico, cacofónico, lleno
de sonidos electrónicos de fondo y una batería muy, pero muy potente. El
baterista Orri Dýrason estuvo casi ausente en “Valtari” y ahora está a la
carga con una energía desbordante.
Los
trabajos de la banda suelen usar los primeros minutos en crear una íntima
atmósfera para preparar el ambiente de lo que vendrá, como pasa en los temas
que abren “Ágætis Byrjun” (1999) y “Valtari”. Pero “Kveikur” no advierte, sólo
ataca. Los primeros segundos de “Brennisteinn” comienzan sin aviso ni anestesia,
un rasgueo agresivo de guitarra y un azote (no un golpe, un azote) al bombo de
la batería. El tradicional sonido que crea Jónsi Birgisson al usar su guitarra
con un arco de chelo da una clarísima señal de partida a la canción. Al
aparecer la inconfundible voz de Jónsi y avanzar el tema, lo último que hace “Brennisteinn”
es perder energía. A eso de la mitad de la canción, ocurre un cambio en el
ritmo y Jónsi da rienda suelta a su falsetto;
los fans de “( )” (2002) se sentirán en el paraíso.
Los
instrumentos se tranquilizan un poco en el segundo tema donde si bien no existe
la paz, el eco que generan las percusiones y la voz dan una idea de mucho
espacio alrededor, como si estuvieran tocando con la ventana abierta y parte
del sonido se fuera. Mención especial a los segundos finales donde un par de
bronces son los responsables de relajar al oyente. Todo era un engaño porque “Ísjaki”
(Iceberg) llega con todo. Los mismos
metalófonos que hace pocos instantes dieron sensación de tranquilidad ahora se
unen con Jónsi en cacofonía. Resulta curioso que la batería sea el único sonido
grave en gran parte de la canción. Igual que un iceberg la parte aguda y visible del tema se muestra en gloria
mientras hay una porción grave y poco perceptible allí, debajo del agua.
Entre
canciones que rugieron con un ímpetu pocas veces visto aparecen delicadeces como
“Yfirbord” y “Stormur”. Nunca perdiendo el tinte adquirido en sus temas
anteriores, la música se torna más esperanzadora; aun hay partes que atacan
pero surge una bondad en los sonidos de la canción. Sigur es enfático en
mostrar que siguen siendo los mismos que desgarraron el alma en “Brennisteinn”,
pero ahora convertidos en una calidez y benevolencia que recuerda a pasajes del
“Takk…” (2005) o el propio “Valtari”.
Nuevamente
hay un cambio de ánimo. En un disco bipolar y siempre agresivo aparece “Kveikur”,
contraparte idónea de “Ískaji”. Ahora todos los instrumentos son graves salvo
la voz de Jónsi. Llegando a la mitad del tema los músicos se apartan y dejan a
Orri golpeando las cajas y bombos con una furia que no se oía desde hace más de
una década; se suman luego algunos sonidos pero la batería se roba toda la
película. Si Orri quiere hacer retumbar las paredes, lo hará.
“Rafstraumur”
merece una mención especial. Las canciones pop siguen una fórmula
pre-establecida: Estrofa, coro, estrofa, coro, puente, instrumental, coro. Así
funciona esta canción también; pero no es banal, superficial, descartable ni
relleno. Al contrario, es una de las mejores canciones en todo el álbum; toman
una estructura ya conocida y con ella crean la balada más hermosa desde la aclamada
“Hoppípolla” del disco “Takk…”. Alegre, enérgica y tremendamente cálida, “Rafstraumur”
está para mostrarle a las personas que no conocen Sigur Rós por qué a lo largo
de sus seis trabajos anteriores se ha formado una base de fans tan acérrima.
El
epílogo del disco es una canción muy distinta a las anteriores. Un piano
amparado en un íntimo drone de fondo
y, con esa exquisita y delicada despedida se acaba un trabajo salvajemente
enérgico. “Kveikur” está hecho con pasión, melancolía, rabia, amor e incluso,
fragilidad. Crearon algo nuevo y fresco
sin perder nunca la esencia que ha caracterizado a Sigur Rós; los momentos de
descontrol y agresión se equilibran con los calmos y amables. No se fueron a
ninguno de los extremos pero aun así no se restringieron en nada. Plasmaron
todo en este disco y eso se les nota de principio a fin. Este es el nuevo disco
de los islandeses Sigur Rós.
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Esto definitivamente será un candidato fuerte para disco del año. Y bueno, ya no tengo la discografía completa de la banda, pero estaré al acecho Kveikur, estaré al acecho.
