Si tú quieres el cielo alcanzar, y las estrellas tocar

 

Como conté en una entrada anterior, fui a Japón en abril '23 de vacaciones. El plan original era ir a un concierto, y pucha que lo pasé bien. Pero seamos honestos, desde su estreno en latinoamérica que he sido fan de Digimon y que he tenido en mi bucket list el visitar los lugares de la serie. Hacer un Digitour era un punto altísimo en mi lista de prioridades, así que esas fotos mostraré en esta ocasión.

Es sabido que Digimon retrata muchísimo la bahía de Tokyo en sus variadas historias, y créanme que mapas muy buenos hay por ahí en la internerd. Así que no daré la lata de contarles cada punto geográfico, sino que contaré cómo fue caminar por los distintos barrios. Y para ordenar un poco el chiquero, iré por área: Shinjuku, Shibuya, Odaiba, Nakano, Hikarigaoka, y un popurrí de cosas random.

Disfruten las fotos.

THE DIGITOUR 2023

SHINJUKU

Con un jetlag de la perra, me compré un agua en estas máquinas expendedoras de bebidas, y como yo no sé nada de japonés, simplemente apreté una que se veía bonita. Era agua de trigo, y tenía el sabor más extraño del mundo. Mientras me quejaba conmigo mismo por mi pésima elección, vi esto entre el cableado:

Me empecé a hypear, y seguí yendo hacia esa torre. Gracias a la excelente cobertura de Sakura Mobile (esto no es un ad, estoy muy genuinamente satisfecho por la calidad del servicio), llegué sin problemas al parque central de Shinjuku, que apareció muchísimo en Digimon Tamers.

Cuesta sacarle fotos buenas de cerca al edificio del Gobierno Metropolitano de Tokyo. Es demasiado alto. Y sí, es imposible no tararear "yo no hacía la tarea jamás, pero esto se ha quedado muy atrás". La torre sur tiene un mirador gratuito, y aunque la fila es de la perra de larga, la vista al final también es demasiado bonita.

Según un par de fuentes que consulté, esa cancha con el techo verde aguamarina es la escuela de Takato, Juri y los demás niños de Tamers: Escuela Primaria Nishishinjuku. No fui porque, primero es una escuela básica y qué voy a andar sacándole fotos, y dos porque viéndola en Google Street View es bastante menos "Digimon" que como la recordamos.

Hacia abajo está el Parque de Shinjuku, y acá sólo pensaba que era imposible que Yamaki no viese nada raro pasando en el parque, ¡¡estabas al lado!! Bueno, el parque en cuestión.

La fuente donde Juri se encontró con Leomon.

La zona de juegos infantiles donde Takato, Hirokazu y Kenta jugaban cartas fue ó demolido ó muy remodelado, así que no hay rastro de él. Y varias escenas que ocurrieron en el parque son "parque genérico" así que no hay mucho que comentar. El parque es bonito sin duda, pero es "sólo un parque" para los digifans. Excepto por supuesto, que dando una incospicua vuelta hacia el norte te encuentras con esto:

¡¡ES LA CASA DE GUILMON!! Es en verdad una bóveda para no sé qué implemento eléctrico, y detrás hay un pequeño templo budista bastante bonito, pero no te voy a negar que mi atención se la robó este pedazo de cemento, y que me perdonen los japoneses que estaban paseando con sus hijos que escucharon a un chileno random gritar "¡¡ES LA CASA DE GUILMON!!" como 3 minutos seguidos.

La estación de Shinjuku está muy cerca del parque, pero no recuerdo cuánto apareció en Digimon Tamers. Sí la recuerdo porque una de sus salidas es un lugar muy visitado por el jugador en Digimon: Cyber Sleuth, y me sentía en EDEN cuando caminaba por aquí. Las tiendas de la explanada tienen mucha vibe de Cyber Sleuth. Uno de los íconos más famosos de Shinjuku es la estatua de Godzilla que está al final de esa explanada. Irónicamente, por el ángulo de la cámara en Cyber Sleuth nunca vemos dicha estatua así que...bue, no le saqué foto.

ODAIBA

Planifiqué un día entero para Odaiba y fue la decisión correcta, para caminarlo puedes usar fácilmente un día.

Hacía un frío de la perra porque estábamos al laso del mar, brisa marina había en todos lados, sumado a que la noche anterior había llovido, y eran las 9 am. Pero eso no me impidió ver la famosísima (al menos para los fans de Digimon) Torre de Fuji TV en muchísimos ángulos, close-ups y panorámicas. Me daba un coso en el pecho cada vez que me daba vuelta en algún punto de la isla y nuevamente veía la esfera.

La Torre está hacia la izquierda y estoy mirando hacia el sur. Estoy seguro que este puente peatonal apareció en Digimon Tri porque fue construido después de 1999.

En Cyber Sleuth, este es el Hotel Hilton donde tienes la pelea contra Examon.

Abajo está la península donde Myotismon tenía su base en Digimon Adventures, y donde Wizardmon y Gatomon van a buscar el emblema. Al fondo está el Puente Arcoiris. No fui porque me dio flojera.

Lo bueno de que fuese tan temprano es que había muy poca gente, así que tuve harto tiempo y flexibilidad para recrear el ángulo de esa escena de Last Evolution Kizuna.

"Tai, ¿qué vas a hacer mañana?"

Siguiendo por un paseo peatonal que bordea la playa, llegamos a los depas de los niños elegidos.

Saliendo de los departamentos y mirando hacia la derecha está esta calle. Al fondo hay una avenida, un poco de comercio, y al fondo dos torres de departamentos. Eso es lo que diría un no-fan. Pero los fans reconocemos que entre esos dos edificios fue donde Agumon y Tai volvieron al digimundo. No negaré que fue sobrecogedor pararme en el mismo lugar donde Kari le toma la mano a Tai, ver las tiendas donde Koromon y Ogremon estuvieron peleando, estar en el paso de cebra que Tai cruzó persiguiendo a Koromon, y todo eso que ocurre en ese episodio. "Shouri Zen No Theme" sonó en mi cabeza demasiado ese día.

Cruzando por un puente hacia otra isla artificial, llego al área del Tokyo Big Sight.

 

(Pucha qué era bkn Phantomon)

Y esto para que no me digan que no intento recrear las escenas de la serie:

Me di una vuelta en u y volví hacia la Torre de Fuji TV, y ahora como era de día (y hacía un pelín menos frío) pude entrar a la esfera.

Interior de la esfera, aquí Patamon digievolucionó y aquí los niños elegidos vieron morir a Wizardmon. La zona donde Wizardmon muere está tras una puerta al que el público no puede acceder, pero está ahí también si sabes donde mirar.

Vista de la bahía.

Odaiba también ofrece entretenimiento para los no-digifans. Así que igual le saqué fotos al Gundam, compré un par de (muchas) chucherías y me di vueltas por un lugar que igual es agradable de caminar. Y hacia el final del día me despedí de Odaiba con estas postales:

SHIBUYA

Es uno de los lugares más famosos de Tokyo y tiene muchísimo que ver, pero sus momentos más memorables en Digimon son la estatua de Hachiko donde Patamon espera a TK en el episodio de Pumpkimon y Gotsumon, y el restaurant donde Tai come hamburguesas cuando llegan al mundo real. Lamentablemente ese lugar ya no existe (ese reloj me encantaba en Digimon) y hoy es un Starbucks todo genérico. Pero pero pero, hay un último lugar destacable en Digi-Shibuya:

La Tower Records de Shibuya además de ser alta tienda por motivo propio, es también una locación en Digimon Cyber Sleuth. Vi música de Ghibli y de muchas bandas japonesas, pero no había nada de Etemon. Qué falta de respeto.

NAKANO

Nakano Broadway es un centro comercial que es el hub principal de Digimon: Cyber Sleuth. En la vida real es un lugar con muchísimo más hentai y menos comida que en el juego, pero fuera de eso (y del tamaño, en realidad es muy grande) son lugares bien parecidos.

Como dato irrelevante, había una tienda de cosplays, y ahí conocí la talla XXS. Mientras me preguntaba qué humano podría caber allí, pasa a mi lado una niña que muy posiblemente era de esa talla. La gente japo es demasiada delgada y peque.

HIKARIGAOKA

Donde todo comenzó. Si "Shouri Zen No Theme" sonó en mi mente en Odaiba, en Hikarigaoka tarareé el "Boléro" de Maurice Ravel toda la mañana. A pesar que Hikarigaoka es el lugar de Digimon más temporalmente lejano a nosotros (1995), debo decir que se mantiene bastante bien a como la vimos en el OVA original. Todavía hay varias cosas que vimos en el OVA: la caseta de teléfono que destruye Agumon, el puente que destruye Greymon, donde Tai toca el pito, y los departamentos de todos los niños.

A la salida del metro Hikarigaoka está este cartel con un mapa del área. Los puntos que destaca son lugares relevantes para Hikarigaoka, no para Digimon, así que no se desesperen. Ahora bien, el Parque Metropolitano de Hikarigaoka merece una visita por mérito propio, así que también agréguenlo a su lista.

POPURRÍ

La Torre Tokyo, el templo en Asakusa (aparece en Cyber Sleuth) y la mejor compra que hice en mis vacaciones en Japón.

Para que se entienda un poco mejor esa última foto, acá un video.

En conclusión, sabía que Toei intentó ser bastante fidedigno con su representación de Tokyo. Y a diferencia de series como Sakura Card Captors y Medabots que utilizaron suburbios ficticios para sus locaciones, Digimon decidió personificar a Tokyo explícitamente. Y como fan, me terminó generando curiosidad conocer todos estos lugares. Pero estar ahí, ver la Fuji TV, ver los departamentos donde vivían los niños, esperar los semáforos que ellos esperaron, echarme en el pasto donde Guilmon y Terriermon jugaron, ver el pasillo donde murió Wizardmon, mirar la avenida desde el puente donde Greymon peleó con Parrotmon, y tantas cosas más...wow.

Lloré en más de una ocasión, a mucha honra. Y le tengo ahora muchísima más apreciación al equipo que se dio el trabajo de dibujar todo esto para sus series. No era necesario, y aún así lo hicieron.

Hace unas semanas vimos a la gringa Melody NoSurname hacer un video sobre 31 Minutos y cómo ella (ajena a nuestra cultura) interpretó todo este show y todo nuestro país a través de dicha serie. Con Digimon me pasó algo similar, y sé que para muchos el primer encuentro que tuvimos con Tokyo fue a través de las aventuras de los ocho niños. Y con la música clásica. Levanta la mano si conociste a "Boléro" y el "Concierto de Aranjuez" gracias a Digimon. Hablando de música, aquí hablé de la música de Digimon.

Feliz Odaiba Memorial Day, y recuerden: 

"Las aventuras que tuvieron los ocho niños durante las vacaciones de verano terminaron; sin embargo, eso no quiere decir que La Puerta permanece cerrada. Ya que estas no son ni las primeras ni las últimas aventuras de los Niños Elegidos. Es probable que la puerta al Digimundo se vuelva a abrir, siempre y cuando los Digimon sean recordados. Justo en el momento que lo desees, dentro de tu corazón encontrarás...supongo que ya lo sabes"

Saludos a Chika Sakamoto, la leyenda que le dado vida a Agumon durante más de 20 años.

Otros 10 discos que me gustaron de los 2010s

Hace demasiado tiempo atrás escribí la primera edición de "10 discos que me gustaron de los 2010s" con 10 trabajos que me gustaron de la década pasada. Me gustó la idea de hablar de la década en su conjunto porque (1) no había ningún orden, (2) no hay presión por lo mejor del año ni lanzamientos futuros porque por definición es en el pasado, y (3) si mañana descubro un nuevo disco del 2017 que me guste mucho, no habrá crimen en ponerlo acá.

Por si a alguien le interesa, aquí está la primera versión donde hablé de 10 discos. Ahora hablaré de otros 10 discos, por eso el título. E intenté que fuesen diez bandas distintas a la vez anterior, así pueden descubrir alguna otra cosita que les tinque.

 

Grouplove - Never Trust A Happy Song (2011)

Géneros: Alternative Rock, Pop-Rock, Mover-La-Patita-rock

Hay un meme entre mis amistades que yo siempre escucho música maníaco-depresiva, y que nunca hay que dejarme de DJ. Y si bien hay algo de cierto en eso, también es muy cierto que Grouplove es absolutamente no eso. Dale treinta segundos a la primera canción, "Ichin' On A Photograph" y entenderás lo que digo. Estos tipos hacen música feliz y te dejan feliz.

No sé si alcance a ser música fiestera, entendiendo "fiesta" como esa cosa repugnante que hacen ustedes los extrovertidos. Pero sí puede mover la patita con canciones como la ya mencionada obertura "Itchin' On A Photograph", la gritona "Colours", o la que intenta ser un poco más melancólica "Cruel And Beautiful World". La palabra clave es que intenta ser un poco más melancólica, porque si bien ya para ese punto del álbum te acostumbraste a los gritos histriónicos de Chris Zucconi y Hannah Hooper, en esta canción tienen un tinte menos saltarín que en otros cortes.

Con seis discos bajo el brazo, Grouplove ha hecho hartas cosas en su trayectoria. Y siento que aquí, en su disco debut, es cuando más espontaneidad e improvisación tuvieron. Y lo digo en el mejor sentido: acá agarraron las guitarras, se pusieron a saltar por el estudio y a hacer canciones sobre pasarla bien.

Aquí "Itchin' On A Photograph" en YouTube y Spotify.

잠비나이 - 온다 (2019)

Géneros: post-rock, post-metal, folk

Cuesta describir el trabajo de 잠비나이 (Jambinai). Podría decirles que es una mezcla de instrumentos rock, con métricas y dinámicas propias del post-rock, e incorporando instrumentos típicos koreanos. Sin embargo, aunque sea la verdad, siento que eso es deshonesto con los discos que hace Jambinai.

"온다" ("ONDA" ["Venir"]) comienza con un piri (una flauta tradicional koreana), y lentamente un haegeum (instrumento de cuerdas de la familia del violín) y un geomungo (tipo de cítara) van sumándose. Y en sus iteraciones y lento crescendo, te van demostrando que esto de folk y "world music" tiene muy poco. Esto es rock por todos lados.

La guitarra se suma y la composición va tomando forma, pero esa introducción con instrumentos koreanos no queda como un mero extra mientras el rock hace lo suyo. El haegeum sólo tiene dos cuerdas pero Kim Bo-Mi impone respeto durante los 50 minutos de ONDA, a ella nadie le quita el protagonismo. No sé si es el modo particular de Sim Eun-Yong de tocar el geomungo o si ese instrumento sonará así, pero esas cuerdas son tan secas y rápidas que a veces ni necesitas batería para sentir el peso de la canción. Y cuando no está tocando el piri, Lee Il-Woo tiene las manos libres para la guitarra y la boca libre para una voz que también impone su presencia.

Acá "검은 빛은 붉은 빛으로" ("Sol. Lágrimas. Rojo") en YouTube y Spotify.

(Gracias Talía por las traducciones)

Chico Bestia - Nuestros Días De Invierno (2018)

Géneros: Shoegaze, emo

Conocí a estos muchachos provenientes de Valparaíso cuando telonearon a Cloud Nothings el 2019. Aunque los estilos no sean los más parecidos, la música guitarra-céntrica y canciones con muchos pedales son bien amigos y calzaron bien ambas bandas.

El "Intro" de dos minutos da toda la impresión que esto será un disco shoegaze como tantos otros han pasado, haciendo que el inicio de "El Último Recuerdo de este Invierno" sea aún más gratificante cuando los bpm aumentan drásticamente, y la voz de Sebastián Weitz no está ni ahí con ser recatado ni ahogarse en paredes de sonido (...como le gusta al shoegaze).

Uno podría hacer un chiste barato referenciando el nombre de la banda (que imagino es por el personaje de DC Comics), donde esos cambios de velocidades, protagonismos de instrumentos, voces, coros y pedales son tan impredecibles, cuasi espontáneos, como el superhéroe. No sé en verdad, yo sólo vi Teen Titans. Pero que "Nuestros Días de Invierno" tiene bastantes cambios de velocidad, de intención, y de energía, es cierto. Y esas canciones instrumentales en la segunda mitad del disco son tremendas también. "Re" y "Eterno Suspiro" merecen atención.

Aquí "El Último Recuerdo de este Invierno" en YouTube y Spotify.

Blue Sky Black Death - Noir (2011)

Géneros: Abstract hip-hop, lo-fi

El abstract hip-hop es uno de esos muchos que pululan en la lista "géneros musicales de los que no tengo idea". No sé qué es lo que pretende lograr: ¿Calma? ¿Ser la base para alguna canción hip-hop que sí tenga letra? ¿Trascender el alma y el cuerpo a una existencia superior? No lo sé. Sólo sé que "Noir" suena muy bien.

El disco está plagado de voces y versos que están tan comprimidos y distorsionados que llegan a ser indistinguibles del resto de los muchos teclados, violines y percusiones que también pueden perfectamente ser sólo samples del computador donde "Noir" fue compuesto. Y que no se malinterprete porque no los estoy ninguneando para nada. El trabajo de Blue Sky Black Death es impecable y es perfecto para quedarse pegado mirando el techo y preguntarse si los techos tienen alma.

Casi parece que tuviesen una estructura de estrofa-coro como una canción normal, y que todo se resuelve hacia el final. Casi. Porque está todo tan diluido, comprimido, sintético y abstracto que...aaaaah, por eso se llama abstract hip-hop.

Aquí "And Stars, Ringed" en YouTube y Spotify.

Radio Supernova - Tähtiin (2019)

Géneros: shoegaze

Siguiendo con los discos debut, "Tähtiin" es el primer larga duración de este quinteto finlandés, cuyo estilo musical lo definen como "Mansegaze", haciendo un juego de palabras que no entiendo porque claramente yo no hablo finés. Y no quiero ser majadero con que son de Finlandia en cuanto el idioma en el que cantan es parte esencial de sus canciones. Pero sí reconozcamos que el no entender lo que dice Inkeri Riikonen ayuda a sentir su voz como un instrumento más que se mezcla con los muchos otros instrumentos y efectos.

Mientras otras bandas optan por conectar todos sus instrumentos en una gran pared de sonido, destaco que la producción de Radio es sorprendentemente limpia. Sí, hay harto pedal y distorsión en las guitarras, pero si te concentras e imaginas dónde está el bajo en "Seinät" y "Sykli", puedes perfectamente encontrarlo y seguirlo. Y te puedes imaginar al bajista moviendo la cabeza al son de la canción porque energía tienen de sobra estos temas.

Sin embargo, estos nórdicos también son mentirosos. "Tellus" parece una lenta balada para bajar revoluciones, y justo cuando estás acurrucándote te lanzan hacia todos lados con sus riffs y que la voz agarró fuerza de quién sabe dónde.

Aquí "Sykli" en YouTube y Spotify.

Kent - Då Som Nu För Alltid (2016)

Géneros: Alternative-Rock, Pop-Rock, Farvel-rock

Mucho disco debut, ahora pasamos a un disco final. Que el tema final se llame "Den Sista Sången" ("La Última Canción") dice todo lo que tiene que decir esta banda sueca en su epílogo. No, pero digamos algo más. Sí pienso que las canciones de "Antes Como Ahora Para Siempre" tienen valía propia más allá de ser el fin de una banda con 20y algo años de trayectoria.

A veces rozan el pop e incluso el electropop, quizás algún DJ sueco puso uno de estos temas en alguna fiesta clandestina en un sótano. Y con "Andromeda" y "Förlåtelsen" hay guitarras, teclados y elementos más del rock alternativo Radiohead/Coldplay de los 90s que podría funcionar en la Arena Tele2 de Stockholm (wink wink). Acá no estaban experimentando, acá de verdad hicieron un last hurrah.

No sé si es la propia estructura del sueco o la costumbre de oír a Joakim Berg con las canciones más tristes de la discografía de Kent, pero por muy feliz que sea "Andromeda" y "Gigi", siempre hay un deje de tristeza e introspección en su voz. Para fans del rock británico, siento que Stereophonics y Starsailor podrían ser buenas analogías a lo que este trabajo logró hacer.

Aquí "Förlåtelsen" en YouTube y Spotify.

Dënver - Fuera de Campo (2013)

Géneros: Synth-Pop, Indie.

Pensar que estuve en el lanzamiento de este disco, y en un par de meses estaré en el aniversario de los 10 años. Las influencias ochenteras siempre fueron notorias en Dënver, y las reseñas de ese entonces también elogiaban que el disco se sentía super retro y super fresco simultáneamente.

Y esa dualidad me gusta mucho. "Revista de Gimnasia", el single por excelencia, con sus synths super bailables (...hasta yo me moví con ellos, confieso) y sus estrofas bastante más mellow que hacen alto contrapeso a los momentos más altos del tema. La lentísima y melancólica "Medio Mal" que es la antípoda musicalmente y en su posición en el disco a "Profundidad de Campo" y sus alegres synths y violines ad infinitum.

"El Árbol Magnético Ataca Por Sorpresa" es mi salsa con su interludio musical en el centro de la canción, y los instrumentos apareciendo y desapareciendo como si la canción tuviese conciencia propia. Habrán quienes alaban el trabajo previo de Dënver, pero para mí es "Fuera de Campo" el álbum más sólido que armaron. 

Aquí "Profundidad de campo" en YouTube y Spotify.

MONEY - The Shadow of Heaven (2013)

Géneros: Dream pop, baroque pop.

Me dio risa revisar reseñas de ese entonces respecto a este disco. Hay toda un aura alrededor de Jamie Lee, su voz y las primeras presentaciones bares británicos de mala muerte que finalmente nos dieron este debut de MONEY (sí, estilizado en mayúsculas) hace diez años.

"The Shadow of Heaven" responde la pregunta: ¿Qué pasaría si el dream pop...soñara? Porque es un disco tan onírico, con pasajes instrumentales tan etéreos y suaves, con la voz de Lee haciendo tantos efectos sobre sí mismo, que es fácil imaginarse este disco como un sueño.

Odio cuando las reseñas tiran adjetivos porque sí para parecer más cultos y letrados. Pero "Hold Me Forever" fluye como una delgada cortina traslúcida siendo agitada por una ventana semiabierta. Y el video musical protagonizando bailarinas de ballet y sus posturas reafirma esa imagen.

El silencio también es un instrumento en este disco. "Goodnight London" es sólo piano y Jamie haciendo falsettos a capella. Por todo lo que sé, "Goodnight London" pudo haber sido una canción completamente a capella pero Jamie optó por tener las manos haciendo algo mientras se mandaba los versos más tristes y desolados de todo el disco.

Aquí "Hold Me Forever" en YouTube y Spotify.

Prince Daddy & The Hyena - Cosmic Thrill Seekers (2019)

Géneros: Emo, pop-punk

Los gritos catárquicos de Linkin Park, y From First To Last dominaron mis playlists en mi adolescencia de los 2000s. Y ahora en la adultez, no culpo a nadie por pensar que el emo desapareció y que muchas de esas bandas sólo fueron una fase por la que tuvimos que pasar. Aún escucho My Chemical Romance, pero también admito que hay que tener agallas para oír A Static Lullaby en 2023 de maneras no irónicas.

Prince Daddy & The Hyena y este disco fueron mi puerta de entrada a muchas otras bandas post-2010 y lo que ha ocurrido con el emo y post-hardcore. Y hay bastante que disfrutar aquí. Partamos con que la ecualización es bastante buena y se escuchan los instrumentos. Hay gritos en "I Lost My Life" y "Dialogue", pero también hay bastantes melodías en "Lauren (Track 2)" y "Cosmic Thrill Seeking Forever". Y entre todo eso hay catarsis respecto a la ansiedad, angustia, auto-medicarse, no hallarse, muchas hipérboles y demás. Si igual es un disco emo.

Por un lado, el emo ha tomado caminos más "serios" y recatados con The World Is A Beautiful Place & I'm No Longer Afraid To Die y Oso Oso. Por otro, tienes a Prince Daddy que tienen a "American Idiot" (2004) y "Welcome To The Black Parade" (2005) como sus biblias, y que cualquier persona que disfrute las partes más histriónicas de esos álbumes aquí podría hallar algo también. 

Aquí "Lauren (Track 2)" en YouTube y Spotify.

Aural Method - Slumber, Savage Beasts (2013)

Géneros: Ambient, post-rock

Yacentes, salvajes bestias.

En el solitario bosque invernal

Profundo aliento tu coro

(Traducción muy libre)

Esos tres versos forman el haiku que inspira el segundo disco del proyecto Aural Method, cada uno de esos versos siendo el nombre de una canción. Esto fue una sesión en vivo de guitarra, bajo y batería, y en post-producción se agregaron otros efectos como violines y teclados. El resultado es imaginarme un oso caminando taciturno por un páramo invernal mientras la nieve le cubre su grueso pelaje, y le vemos el vapor saliendo de su oronda exhalación. También podría decirles que es una mezcla muy linda entre canciones lentas y laxas, y momentos que parecen ser el sucesor espiritual de discos de Sigur Rós. Sin embargo, la imagen mental del osito me gusta más, y creo que describe mejor esos momentos en varias partes del haiku donde la batería y guitarra suenan pesadas. No en el sentido que sea black-metal, sino que te imaginas el peso de esos instrumentos como si fuera un oso kodiak de 500 kg.

Lo principal del disco ocurre en las canciones de esos tres versos. Además, el disco trae dos pausas: "(Caesura 1)" y "(Caesura 2)", donde el oso se detiene y huele el aire, se rasca en un tronco, qué sé yo. Pausas muy necesarias porque siento que a pesar de ser lento y calmo, no tener ningún crescendo como lo tendría Jambinai ni falsettos locos a la Sigur Rós, "Slumber, Savage Beasts" logra mantener tensión y atención. Podría dar otra analogía hacia úrsidos e inviernos, pero eso significaría volver a quedarme pegado mirando la ventana intentando explicar qué se siente oír este disco.

Aquí "Slumber, Savage Beasts" en YouTube y Spotify.

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Como dije esa primera vez, no tengo idea cuál será el futuro de DAeD, Discos que Amé esta Década, pero sí creo que podría hacer una tercera edición. A propósito evité bandas japonesas para ver si podía disimular lo otaku.

Saludos a Charles Schulz.

Viajé 17,000 km para un concierto

Es loco esto de la música en vivo. Mucho podrá gustar y mucho hypea cuando un artista que me gusta anuncia visita en Chile, pero también sé que hay bandas que nunca veré. Freddie Mercury ya había muerto cuando yo tuve uso de razón, Nirvana nunca vino a Chile, Astro'n'out nunca hará una gira fuera de Europa, etcétera. Y por esas cosas del algoritmo, conozco varias bandas japonesas que me gustan muchísimo y que sé también nunca voy a ver porque estamos a la concha de la lora de Tokyo. Uno ve esas bandas activas en redes sociales, sacando anuncios y publicando discos. Y le doy like y comparto las noticias porque sé que el algoritmo funciona así, a pesar de no poder ir a los conciertos y que hallar los discos en occidente es un culazo. Porque uno quiere ser buen fan. Sin embargo, este año ocurrieron una serie de eventos bastante locos que llevaron a que rompiese ese mantra: logré ver una banda japonesa allá mismo en Tokyo. Y de eso voy a hablar en esta entrada.

[Nota del autor: Obviamente como es una banda japonesa hay un montón de cosas en japonés, pondré las traducciones cuando sea pertinente]

Desde el 2008 que mi cuenta en last.FM registra cada canción que escucho, y espués de todo este tiempo ese algoritmo me conoce muy bien. Y de shoegaze a J-rock y J-shoegaze el salto es bastante fácil. Todo comenzó con Supercar a mediados de los 2010s y de ahí el algoritmo ha traído hartas bandas que hoy son pieza recurrente de mis playlists. 

Uno de esos días de marzo 2019, aparece esta banda llamada The Novembers con su (en ese entonces) reciente disco Angels. Escuché dos temas guachos y me gustaron. Decidí escuchar el disco previo Hallelujah (2016) y ahí nació el amor. Otra banda japonesa más para la colección, pensé ingenuamente. Pero entre Rhapsody In Beauty (2014), Hallelujah, y Angels, The Novembers comenzó a escalar en las estadísticas de mi last.FM. Lo resumo así: el 2019 fueron la banda nueva que más escuché con 330 reproducciones, y al día de hoy son la 19° banda que más he escuchado en mi vida. Déjenme decir eso de nuevo: en el registro que tengo de todo lo que he oído los últimos 15 años, una banda que conocí hace apenas cuatro años atrás está en el puesto N°19.

El punto es que me gustan harto.

¿Cómo definir The Novembers para aquel que nunca los ha escuchado? Sus inicios están marcados por guitarras altern-rock (a la Sonic Youth) y la voz bastante potente de Yusuke Koyabashi, y de a poco le han puesto más pedales y distorsión a las guitarras, acercándose a veces al shoegaze de Ride y My Bloody Valentine. En sus últimos álbumes han hecho una transición a elementos electrónicos no muy distinta a lo que Muse hizo en los 2010s. Esas son mis referencias occidentales, estoy seguro que de saber más de música japonesa podría citar lo que pasaba en Japón en los 2000s y antes, pero pucha quién en occidente entiende si hablo de Supercar, Number Girl y Mass of Fermenting Dregs.

Volviendo a lo que nos convoca: The Novembers como buena japonesa ha hecho giras y presentaciones en Japón casi exclusivamente. Si han hecho alguna exploración en Indonesia y China hasta ahí llegan. Nunca han ido a USA y las posibilidades que vengan a Chile son ínfimas. Como dije en el párrafo inicial, es una de las muchas bandas que sé que no veré en vivo, pero está bien. Su música me gusta mucho, y mientras haya buenos audífonos, The Novembers acompañará.

A fines del año pasado, veo que en Twitter publicitan dos conciertos que harán en Tokyo en abril 2023, y me digo a mí mismo "ufff, qué ganas de ir". Luego recordé que tengo un par de lucas guardadas, que la vida es para vivirla y que qué tanta weá si me voy a morir igual, y comencé a buscar pasajes y cuánto saldría ir a Japón. "¿Qué tanto? Si esto igual no es lo más loco que he hecho en la vida" me decía mientras calzaba las fechas. El 11 de abril (fecha del concierto) era el día inamovible, y lo demás era usar mis días libres del laburo para inventarme unas vacaciones en Japón. Pasajes comprados, hotel en Shibuya listo, memoricé dónde quedaba el lugar del concierto (LIQUIDROOM) con respecto a mi hotel, y estaba todo listo.

No tengo idea qué dice ahí

Llegué a eso de las 4 pm (hora local) a Tokyo, y después de los trámites propios de llegar a otro país, tomar el tren y llegar al hotel, ya eran las 7 pm y me puse a caminar por el barrio. Estaba como a 10 minutos de Shibuya (donde está la esquina esa donde mucha gente cruza la calle), y a 10 minutos de LIQUIDROOM, mejor ubicado imposible. Podría contar cómo fue la experiencia y las vacaciones en Tokyo, pero esto no pretende ser un blog de viajes. Sólo decir que escuchar SHIBUYA Morning estando en Shibuya es un sentimiento mágico.

El resumen de la semana en Tokyo es que la ciudad es muy grande, Digimon la retrató muy bien, y la gente anda mucho en bici. Listo, llegamos al martes 11 de abril.

Tuve un problema con mi entrada online (gracias inoperancia trans-hemisférica) pero no hubo ningún drama en comprar ahí en puerta, y entré a LIQUIDROOM. El local era +18 por venta de alcohol. Por sobre la entrada había una tarifa extra de 600 yenes (¿$3000?) que había que pagar en la puerta y eso equivalía a un vale por algún trago. Me dieron una chapita que decía LIQUIDROOM y eso lo podía canjear por la bebida que quisiese. Qué iba a andar tomando, ¡yo vine a un concierto!

Las luces se apagan, y mi chileno interior quería gritar y hacer los "ooooh ooooh" que caracterizan a nuestra nación, pero los nativos estaban en silencio. Aparece el cuarteto al escenario, Yusuke levanta el puño en plan "wena cauros! :D" y un par de personas reaccionamos. Comienza "かなしみがかわいたら Kanashimi Ga Kawaitara". Esa canción la habían sacado literalmente la semana previa, así que no tuve oportunidad de oírla antes. Mi primera reacción con esta balada fue ahí en vivo, Yusuke canta los primeros versos (que oportunamente son "kanashimi ga kawaitara") y suena pero es que idéntico al disco, idéntico. No se le va ni una nota. Hacia mediados de la canción empiezan los pedales de guitarra y Yusuke volviéndose más loco con sus gritos y falsettos. El show podía acabarse ahí mismo, yo ya estaba feliz: con saber que la voz suena idéntica al estudio y que la guitarra tiene toda esa distorsión hermosa del shoegaze yo ya era feliz.

La primera canción se desvanece y en el proceso comienza el riff inicial de "Hallelujah". No es exagerado decir que "Hallelujah" es la responsable que The Novembers me comenzó a interesar hace cuatro años atrás, y que si bien hay muchísimo en la discografía de la banda que me gusta, es "Hallelujah" la que empezó todo. Y ahí estaba, sonando en vivo. Acá los nativos me tendrían que perdonar, porque con mascarilla y todo yo iba a gritar los "lala lala la-la" con la vida. Esto de no hablar japonés me impide harto el chillar a coro con el vocalista, así que tenía que aprovechar cada oportunidad. Con "Hallelujah" se me salió el fan de conciertos chileno que llevo dentro.

Hay jueguito con las luces y otras cosas pasando en el escenario, pero en general son bastante modestos hasta que empieza "236745981". Es una canción que parte con un riff agresivo, calmarse un poco en las estrofas y reventarse con todo en el coro donde Yusuke se manda su grito. Eso es en audio, pero en vivo el coro es además un flasheo de luces estroboscópicas que estoy seguro bordearon la epilepsia. Y ahí el cuarteto como si nada mientras todo explotando en todos lados.

Al final de otra canción la banda juega con las inconfundibles notas de mi canción favorita de ellos: "Rhapsody In Beauty" y ahí mi vida ya no podía ser mejor. El setlist fue impecable (de lo que conocía al menos), y cierran el show. Aplausos varios, ausencia de "ooooh ooooh" pero al menos los nativos están aplaudiendo harto. Sale la banda nuevamente y Yusuke le habla un rato a la audiencia, cuenta un par de chistes, y dice "domo arigatou" varias veces (fue lo que le entendí).

Termina la última canción, aplausos, y el show se acaba. Me acerco a la reja y pido si me pueden pasar el setlist a un tipo que se veía occidental, me dice "sorry hermano no podemos", y una japonesa se me acerca y me dice que la banda sube siempre a Twitter el setlist, y me mete conversación. Mary me traduce lo que dijo Yusuke en el encore, contando la historia de "Kanashimi Ga Kawaitara", la canción que abrió el show. A Yusuke le costó componerla porque fue su primera canción post-pandemia, y que no sabía si aún tenían lo necesario para seguir haciendo música. Hasta que una tarde de la nada le llegó la letra y la canción se armó sola después.

Salí disfónico y sopeado del LIQUIDROOM, y feliz. Convencido que volvería al día siguiente. ¿Siguiente dicen? Si pusieron atención párrafos atrás, dije que The Novembers había anunciado dos fechas en Tokyo, la segunda era el 12 de abril, al día siguiente. Aunque fuese el mismo setlist, yo iba con todo. Si viajé a la concha de la lora por verles, iría feliz dos veces.

Segundo día, misma rutina. Se apagan las luces y ahora la gente sí es un poco más motivada cuando sale el cuarteto. Comienzan con otra canción esta vez, y sólo "Kanashimi Ga Kawaitara" se repitió en toda la segunda noche.

Y fue genial, porque salieron canciones de sus últimos discos Angels y At The Beginning (2020) que no habían sonado la noche anterior. Ahí me di cuenta lo mucho que aprecio versos que sí puedo corear, la canción "Bad Dream" con su coro que es "You're waking from a bad dream!" fue la vez que pude acompañar a Yusuke cantando.

Misma historia que la noche anterior: Yusuke da unas palabras en japonés antes de abrir el encore y despedir la noche, y esta vez cierran con la mismísima "いこうよ" ("¡Vamos!"), la canción final del discazo que es Hallelujah. Que además del valor emocional de ser la canción final del concierto, la canción final del disco con la que los conocí, es también pedal sobre pedal y explosión de sonido sobre explosión de sonido. Imaginen MONO o Explosions In The Sky y agreguen un tipo gritando.

Yusuke es un cantante impecable y occidente seríamos un lugar más feliz si más gente lo escuchase, no tiene nada que envidiarle a bandas que acá llenan Lollapaloozas y Readings. Hirofumi es un bajista al que no se le va una nota y sabe perfecto cuando construir, destruir y estallar sus paredes de sonido. Ryousuke un baterista que en 90y algo minutos pasa de una rabia Nirvana hasta unas baladas Slowdive preciosas. Y Kengo...oh, hermano, Kengo es un guitarrista que mientras los pedales están distorsionando el final de una canción, él aún con guitarra en mano va donde el roadie y cambia su guitarra para el próximo tema y hace que las dos suenen simultáneamente.

Viajé 17,000 km a Tokyo para ver a una banda. Valió cada yen.

Y por si motivé a alguien, aquí en Spotify dejé una playlist con algunas canciones de The Novembers que me gustan.

Saludos a la Cata, gracias por las traducciones.