Diecisiete años de impactruenos

Antes de comenzar la lectura, favor ver y oír el siguiente video (dura como dos minutos, pueden soportarlo).

"En tiempos pasados, dije que hablaría alguna vez de lo siguiente. La historia versa así. Es probablemente la razón de por qué soy como soy hoy en día, marcó mi infancia, adolescencia y el paso intermedio. Presa de la nostalgia, comencé a descargar este evento histórico nuevamente, para recordar aquellos momentos, risas, angustias, lágrimas, sueños y alegrías que quedaron muy bien enterrados bajo 9 años o más de Alzheimer. Ya vi el primer episodio y sólo puedo pensar...infancia, fuiste genial...esos monstruitos de bolsillo realmente lo eran. Con ustedes, los Pocket Monsters, Pokémon."

Lo anterior lo dije yo en Mayo del 2010 en este mismo blog. Lo que le sigue es una lata en que cuento la historia del gran Tajiri, cómo nace Pocket Monsters en Japón, cómo se convierte en Pokémon al llegar a USA, el nacimiento de Mew, etc. Tres años después leo la mamonería que fue este párrafo inicial y hay una serie de motivos por los cuales es menester que Pokémon sea el protagonista de esta entrada. La primera es que esta es la entrada número 100 de este blog. Ya no recuerdo muy bien el contexto en que El Último Aullido de Laika nació y en que "Introducción a la Destrucción" (la primera entrada) fue escrita. En ese momento me pareció una buena idea y mucho tiempo después, muchas personas después, muchos kilómetros después y muchas otras cosas después...sigo acá. Y rayos, el Blog ha durado más que mi Fotolog, LiveJournal y mi no-canal de YouTube, ...ya por eso merece ser destacado. Un saludo honesto a Miki, Doc, Cristián, Bernard y Óscar por leer las primeras mugrientas entradas [no es que las últimas sean mucho mejores] y por seguir revoloteando el gallinero cien entradas después.

La segunda y creo que más honesta, es que esta sería la última entrada del año porque The Supreme Paja hacer "el 2013 en imágenes" como lo hice en años anteriores.

Y la tercera y más larga es porque...bueno, Pokémon.

"¡¡Spearows!! ¡Vengan por mí!"

Era el año 1999, yo estaba en segundo básico. Estaban todos los de mi curso encandilados con esta serie de monos chinos que daban en el CHV (Chilevisión) en el ahora legendario Club de los Tigritos. Yo como no veía tele nacional no sabía de qué hablaban. Un día me decidí y vi la serie en cuestión; creo que era el episodio "El Jardín Misterioso de Bulbasaur" (Cuando él aprende rayo solar). No entendía bien qué estaba pasando, sólo sabía que Bulbasaur era un crack, que Venusaur era la cumbia y que la serie no era mala. Como a las tres semanas comenzaron a darlo en el Cartoon Network empezando por el primer episodio "Pokémon: ¡¡Yo te elijo!!".  Ahí estuve, y vi el siguiente. El siguiente no lo pude ver por colegio. Vi la batalla contra Onix, ...y así seguiría. Ese fue mi primer encuentro con los monstruos de bolsillo.

Luego llegó Pokémon Stadium (el que llegó a occidente claro está).

Probablemente el videojuego de Nintendo con la campaña de publicidad más fuerte de todos (o al menos de la generación 3D, no sé si Super Mario le gane). Cartoon Network, Falabella, el propio Nintendo ...TODO el mundo le hizo publicidad a este juego. Yo, como buen niño pobre me demoré mucho en tener uno. Iba a la casa de un amigo a botar baba con los ataques en 3D, un saludo para ti Fernando. Logré por fin tener uno y mis papás tuvieron que restringírmelo porque estaba literalmente todo el día jugándolo. Y cuando no lo jugaba...estaba viendo Pokémon. Yo, como buen mocoso que no sabía inglés simplemente aplicaba ensayo y error y muuuucha memoria para recordar qué hacía cada nombre. Sabía que Flash era inútil, Thunder podía fallar (pero cuando no, causa estragos), Bide nunca la entendí, Surf era grandioso, etc. Zapdos, Moltres y Dragonite rentados eran mi trío ganador (...noob). Con ellos logré vencer el Gym Leader Castle y me dieron un Eevee el cual nunca pude usar porque no tenía cartucho de GameBoy. ...meh.

Absoluta presa del marketing y del consumismo, me compré un Pokémon Yellow y pude transferir el Eevee. Así es como él se convirtió en mi primerísimo primer Pokémon. Ok ya, en teoría fue Pikachu porque él llegó antes a mi Party, pero Eevee esperó pacientemente ocho o más meses...se merece el crédito. Acá ya estamos como en el año 2002 (pleno auge de Pokémon Johto y la decadencia del show) y comenzaba a ser un tanto uncool el jugar Pokémon. ¿Me importaba? Para nada.

Interrumpa su lectura para oír este temazo.

Han pasado varios años ya. Aprendí inglés, aprendí de IV's, EP's y EV's (un saludo Pokémon-STATS), aprendí a criar, completé el Pokédex en Pokémon Yellow sin códigos (Mew incluido) y he tenido el increíble gusto de ver cómo Pokémon, la serie uncool de hace cinco años atrás, ha tenido un revival en internet que casi carece de lógica. La generación loser contraataca. Desde páginas en Facebook, videos en YouTube, cosas en Twitter, la Bulbapedia y varios más. Es una especie de rendición hacia la franquicia completa, hacia las horas y horas de genialidad que nosotros perdimos con Pokémon cuando éramos mocosos.

Ahora, con internet la cosa se expande. Este 2013 me pasaron muchas cosas con la franquicia gracias al adorado internet que son dignas de mencionar en esta entrada Nº100. Partamos por la más parafernálica: "Pocket Monsters: The Origin"; nunca había estado tan hypeado en mi vida, debo confesar. Ver una serie en japonés (sin saber japonés salvo palabras sueltas gracias a series) sin subtítulos es probablemente la cosa más ñoña que he hecho, y lo hice por Pokémon. Seguí las aventuras de Red y Blue en puro japonés sin nada de subtitulaje...¡¡y entendí maldita sea!! Claramente me perdí hartas sutilezas que el subtítulo me ayudó, pero recuerdo en [SPOILER ALERT] la batalla final contra Blue en que dijo "¿Sabes lo que significa Red? ¡¡Que soy el entrenador más poderoso del mundo!!" frase calcadísima del juego. La dijo en japonés y la entendí perfectamente. Uno de los mejores (y más ñoños) recuerdos que me llevo de este 2013. Ya, Pokémon: The Origin fue una maniobra comercial para vender Pokémon X&Y, ...pero mi fanatismo hacia Pokémon comenzó con otra potentísima campaña publicitaria (Stadium te pienso). ¿De qué me tengo que quejar?

Conversando con un amigo acerca de que Mewtwo es chileno terminé en Bulbapedia leyendo sobre "Pokémon: The First Movie", película que él protagoniza. Una cosa llevó a la otra y terminé en un blog brasileño bajando "Pocket Monsters: Mewtwo Strikes Back" [la película japonesa original sobre la cual la versión occidental está basada] en japonés con subtítulos al inglés. Ahí me di cuenta de varios crímenes que occidente hizo. [SPOILER ALERT] Mewtwo no quería destruir a la humanidad, quería "purificar" la maldad que hay en las personas y el egoísmo que éstas tenemos. Nunca condenó a Pikachu y a Squirtle por "aliarse" con los humanos y pelear con ellos, sino que no entendía cómo un Pokémon podía estar del lado de la gente, la misma gente que lo clonó por un mero experimento. Y algo que me dejó mal, Meowth nunca dice la legendaria frase "Tal vez si empezáramos a ver lo que es igual en lugar de ver siempre qué es diferente...bueno, ¿quien sabe?". En cualquier caso, con la película original se captan varias cosas que los yankees quitaron. Eso sí, 4Kids! fue mucho más civilizado con sus cambios en Pokémon que 20th Century Fox con la película de Digimon, esa sí es un descaro insultivo.

Nunca he sido amigo de los remixes y covers de soundtracks porque ó pecan de ser muy repetitivos (y hacerlos durar siete o más minutos) ó son demasiado metaleros y ese no es el ambiente original. Fue en ese contexto, que llegué a los canales de YouTube de gente muy talentosa y que logra tener esto en mente; tase. Y en particular, de un yankee con cara de pavo que creció con Pokémon igual que yo, igual que muchos; Skotein se hace llamar y creó el proyecto Pokémon Reorchestrated [la canción que postié al principio]. El resultado fue automático: Todos lo amamos. Versiones orquestadas y bien instrumentalizadas de todo el OST de Pokémon Red & Blue, sin pecar de exceso de melodrama o demasiado largas, la mayoría dura como tres minutos. Genio. Le fue tan bien que este año anunció que comenzaría a trabajar en el OST de Pokémon Gold & Silver, ahora con más ayuda y todo más y mejor producido. ¡Ah! Y como nota al margen: para que entiendan el currículum de Skotein él fue parte de ZREO ("Zelda ReOrchestrated"). Malditos gringos secos en lo que hacen. De cualquier modo Pokémon Reorchestrated (¿"PREO"?) fue sountrack vital en gran parte de este año así que no se podía no mencionar.

Finalmente y para terminar el último post de este año y el número 100 de este blog...una canción sublime. 4Kids! en su proceso de occidentalizar la serie cambió la música, varios diálogos, etc. Las "Insert songs" (canciones que suenan en medio del show) las dejó igual, y gracias por eso. Pero los openings y endings los cambió totalmente. Para el caso del opening creo que estuvo bien porque el clásico "Tengo que ser siempre el mejor, mejor que nadie más..." a mi gusto es mejor que el opening japonés; pero en endings perdimos. En la versión original, uno de los endings es interpretado por el mismo Meowth que le canta a la luna y versa sobre la soledad que siente, preguntándose si en algún lugar habrá otro Meowth que esté mirando la luna preguntándose también si está solo, únicamente acompañado por el sonido de los insectos. Poesía pura señores. Recuerdo el trophy de Meowth en Super Smash Bros. Melee; es el único Pokémon que sale con un objeto extra, una guitarra. La leyenda dice "Meowth invitó a sus amigos Pokémon de todo el mundo a su fiesta. El lugar estaba repleto, él se acerca al escenario, toca un riff y luego rockea el mundo". Me hice adicto a esta canción este año.

Meowth (o Nyasu en japonés), un saludo. Con ustedes Nyasu No Uta ("La Canción de Meowth").

Y feliz centésimo post al Último Aullido de Laika. Y, Feliz Navidad...supongo.

Termino con las palabras que vez que las escucho siento una calidez en el pecho:

"Este es sólo el principio de las aventuras de Ash y Pikachu. Su viaje está destinado a tener acción interminable. Mucha risa, constantes peligros y emociones sin fin. Juntos conocerán amigos fantásticos, perversos enemigos y conocerán creaturas más allá de toda su imaginación. Y conforme se desarrolle su historia, descubriremos la magia y los misterios de un lugar maravilloso: ¡¡el increíble mundo de Pokémon!! ...esta historia continuará".

"Chúpala Bowie :D Discos 2013" La Saga.

Ya acabando el año, hemos llegado al final del viaje épico y maravilloso que nos llevó por música maníaco-depresiva, cosas raras y locas, elefantes voladores, drone y britpop, Miley Cyrus y claro...Sigur Rós. Acá no puede no estar Sigur Rós. Así que, de manera muy egolatra y completamente subjetiva os presento el Top 20 de los mejores discos de este 2013 que está por terminar.

#20 "Amber" ~ Everything is Made in China

Shoegaze

Ya, el synth-pop de teclado les salió menos genial que en "4" (2008) pero igual lo hacen bien. La voz se mezcla bien y es en general música simpática y buena onda. No tiene grandes momentos malos, tampoco grandes momentos buenos. Eso sí, "Cepheia" es un instrumental salvaje. Lo bueno es cuando se acuerdan que, después de todo, lo que mejor les sale es el post-rock y el shoegaze más electrónico y se dedican a eso más que un synth-pop intento de bailable.  Highlights: Cepheia, Echoes, John H (Dotted Man)

#19 "Holy Fire" ~ Foals

Indie-rock
Recuerdo que los primeros discos eran todo bailar y saltar. Por eso es raro que este disco sea tan "serio" por así decirlo. No es malo para nada, pero es un disco para escuchar, no para saltarlo. He ahí que en Lollapalooza creo que fueron tremendamente fomes, porque los temas viejos hacían saltar a las masas pero "Holy Fire" los mantenía sentados expectantes, nada más. Ojo, que no es un disco malo, pero en mi humilde opinión es poco Foalsiano.
Highlights: Inhaler, Milk & Black Spiders

#18 "Wild Light" ~ 65Daysofstatic

Post-Rock
Porque es complicado hacer buena música en un género relativamente saturado. Los cabros de 65dos saben del tema y logran meter lo electrónico de manera magistral. No exento de las nuevas modas y trendies por ahí, incluso hay algunas partes de dubstep. Yeah bitches, post-rock + dubstep. ¿Se puede pedir algo más? Tiemba Skrillex. Y tiembla Muse, hiciste buenas cosas con "2nd Law" (2012) pero así es como el dubstep debe ser introducido en otros estilos, no a presión como Unsustainable.
Highlights: Prisms, Sleepwalk City

#17 "Pedestrian Verse" ~ Frightened Rabbit

Alternative-Rock
Altern-Rock británico con la voz potente y bien atípica, la batería hace muy bien el trabajo. Las guitarras también tienen sus momentos. "Holy" por la cresta, "Holy". Hay partes que son muy "...ñeh" y se nota que "The Woodpile" es single, incluso si no conoces el disco. La preparación y movimiento del tema lo delata. ¿Malo? En absoluto.
Highlights: Holy, The Woodpile, The Oil Sick.

#16 "Memorial" ~ Russian Circles

Post-Rock (¿Post-Metal?)

El disco express del trío yankee. ¿Por qué sólo 35 minutos? Ese es el gran pecado, bueno y la canción inicial. Se tomaron demasiado tiempo (considerando lo corto que es) afinando instrumentos, pero una vez que se lanzan y se encausan el resultado es magno. Agresivos como siempre, guitarras chugga-chugga, headbanging y harto azote de batería, pero entre más avanza el disco más sentido tienen. Y...luego acaban. Sigo pensando lo que dije en aquel entonces: "Geneva" (2009) sigue siendo mejor, pero este disco no hace mal el trabajo.

Highlights: Ethel, Lebanon

#15 "Fuera de Campo" ~ Dënver

Pop
Que ame platónicamente a la vocalista es nota aparte; de verdad que hay buenos momentos en este disco más allá de los bailables clásicos "a lo música que sonaría en Blondie o Máscara". Las baladas eso sí, siguen siendo medio ñeh. O quizá sencillametne no me gustan. Oh bueno. De que hay momentos interesantes totalmente, Milton toma protagonismo un par de veces y lo hace bien, aunque en vivo se jure mino y no le sale. Nunca he entendido el outro del disco, pero es genial.
Highlights: Las Fuerzas, El Árbol Magnético Ataca por Sorpresa, Medio Loca (Hasta el Bikini me Estorba)

#14 "Random Access Memories" ~ Daft Punk

Electronic

"Get Lucky" es la razón por la que este disco esté tan abajo. ¿Cómo rayos habiendo tanto tema bueno en este disco una canción tan simplona termina siendo TAN pero TAN tocada? "Giorgio by Moroder" es un tema que no bailaría, pero funciona demasiado bien como está armado, y luego todo explota y sube y sube y sube. Lo mejor de este disco es el dueto final. "Doin' it Right" con su cosa super electrónica y digital y "Contact" que es Mother of All Crescendos fue durante mucho tiempo del año el mejor outro. Sigue siendo excelente, coño.

Highlights: Giorgio by Moroder, Instant Crush, Contact

#13 "Glaciers" ~ Blue Sky Black Death

Ambient

La mejor música de fondo del año. "Underneath the Stars" (2012) de Good Weather for an Airstrike lleva el sonido y el drone como protagonistas de las canciones, Blue Sky Black Death (que ya ni recuerdo cómo llegué a esta banda) lleva el tema a todo un nuevo nivel creando cientos de paisajes en los cuatro temas de veintialgo minutos. Por ahí hay algunos gritos y momentos vocales, pero en general la cosa es muy ambient y etérea. Ni idea dónde empieza un tema y acaba el otro. 

#12 "Graffiti on the Train" ~ Stereophonics

Rock

Le tenía poca fe al grupo galés porque no me gustó mucho el penúltimo disco. Me convencieron totalmente de que aun saben hacer eso que saben hacer. Pensé escuchar muchas guitarras, instrumentales producidas, ...algo más en la onda de Stereophonics. Casi no hubo solos de guitarra y los canales de voz estaban muy muy limpios. Gran sorpresa. Buen presagio hacen los Stereophonics de la nueva década.

Highlights: Catacomb, Roll the Dice

#11 "Right Thoughts, Right Words, Right Action" ~ Franz Ferdinand

Brit-pop

Tampoco me gustó mucho "Tonight" (2009) así que este disco fue una gran sorpresa. Alex Kapranos se escucha simpático, y no sé cómo suena una voz simpática pero si tuviera una definición sería él en "Bullet" o "Goodbye Lovers and Friends". La guitarra suena bien y ojo...el bajo suena muy bien. Es bueno cuando el instrumento casi siempre olvidado se le coloca un buen y merecido protagonismo, bien ahí.

Highlights: Treason! Animals, Right Action, Bullet

#10 "For Now I'm Winter" ~ Ólafur Arnalds

Post-Rock

El hombre que mezcla de una manera increíble lo acústico casi orquesta con sonidos electrónicos, batería y guitarra. La voz es un nuevo elemento en una discografía totalmente instrumental. Funciona bien muchas veces, salvo uno o dos pecados. El violín toma todo el protagonismo que el teclado tuvo alguna vez, lleva la batuta, alegra, deprime, todo en el mismo tema, no teme en hacer callar a medio mundo. 

Highlights: Brim, We (Too) Shall Rest, A Stutter

#9 "Emanuel" ~ Pedropiedra

Alternative-Rock

No entiendo cómo alguien con una voz tan monótona como Pedro hace algo tan genial como este disco. Musicalmente no hay nada increíble, ni solos de guitarra ni potente música. Pero todo suena B I E N. Los versos (los tomes en cuenta o no), los varios cambios de ritmo en el mismo tema, convertir algo lento y de poca variedad musical en excelentes momentos. 

Highlights: Eclipse Total, Carteles Gigantes, Noche de San Juan.

#8 "m b v" ~ My Bloody Valentine

Shoegaze

Veinte años después de "Loveless" aparece este disco. Lo malo fue el monstruoso hype que tuvo, casi como si fuera un disco divino. Sí, es bueno. Muy bueno; pero no es dios, cálmense. Está contado en tres partes, una muy Loveless-iana con shoegaze y guitarras sucias, la segunda que es un viaje onírico y, la parte más destacable de todo el álbum, donde podemos volar en la voz de Kevin y en el aura que tiene a su alrededor. La tercera y final es un "fuck off we'll play" con ruido y catarsis, una manera de decir que están de vuelta. Y dejan claro el mensaje. Ah espera, no seguirán haciendo su gira. Olviden eso último.

Highlights: Is This and Yes, New You, Nothing Is

#7 "Reflektor" ~ Arcade Fire

Indie

El sólo inicio del primer tema ya es un coro celestial, el anuncio divino de que Arcade Fire saca nuevo material. Nuevo, diverso, bien armado, todo funciona. Los temas enérgicos son magnos, no achican a los lentos e introspectivos. El barroco renace en las notas de Arcade Fire y con las voces de Win y Régina. Y no se puede no mencionar: "Supersymmetry"; porque cuando creí que "Contact" de Daft Punk era el mejor outro, aparece esta joya. La gravedad decrece en las notas de "Supersymmetry".

Highlights: Reflektor, Here Comes the Night Time, Supersymmetry

#6 "The Shadow of Heaven" ~ Money

Dream-Pop

Debutazo. Disco cortavenas en su máxima expresión. Voces con coros infinitos, música muy tranquila y ambiental, pianos desgarradores, grandes espacios; este disco usa magistralmente una fórmula para dejarnos tirados en el piso mirando la mugre del techo. Sus sonidos varían poco, sí. Pero es justamente el minimalismo de "The Shadow..." la grandeza que hay acá. 

Highlights: Goodnight London, Who's Going to Love you Now, Black

#5 "Loud Like Love"  ~ Placebo

Rock

Lo dije dos veces antes. Lo diré de nuevo. No me gustó "Battle For The Sun" (2009) pero este es un discazo. La voz de Brian sigue tan Brian como siempre. La música varía entre temas relativamente "felices" hasta el clásico Placebo sufrido y cortavenas que amamos, a lo "Black Market Music" (2000) con sus varios temas que funcionaban parecido. Lo que siempre ha hecho Placebo de manera excelente son los outro. Centrefolds, Peeping Tom, Song To Say Goodbye, HK Farewell...de eso estoy hablando. No se quedaron atrás y el dueto final es sencillamente magistral. Placebo vuelve a las andanzas después de ese "Battle For The Sun" que nunca me gustó

Highlights: Hold On To Me, Begin The End, Bosco

#4 "If You Leave" ~ Daughter

Dream-Pop

Junto a Money, el otro magistral debut y, junto a varios en este ranking, la vuelta a la carga de Gran Bretaña. Introspectivo totalmente, un disco frío y melancólico. La voz es, igual que con Money el mayor protagonista en el álbum, sin ningunear la batería que si bien marca el paso en varios temas jamás es tan fuerte que pudiese matar el sentimiento de "If You Leave". 

Highlights: Still, Lifeforms, Human

#3 "You Knew" ~ Mother Falcon

Indie

Acá hay de todo. Guitarras eléctricas, potentes baterías, mucho violín e instrumento de cuerda, pianos por ahí, voces dulces, uno que otro grito, ...todo. Hay como diecisiete miembros rotativos en Mother Falcon así que la probabilidad de minimalismo es inferior a cero. En todo momento está pasando algo en las muchas capas de sonido. Lo he escuchado ya varias veces y cada vez encuentro un nuevo instrumento sonando por ahí. 

Highlights: Sleep, Dirty Summer

#2 "Wondrous Bughouse" ~ Youth Lagoon

Lo-Fi

El tipo está pelando el cable pero da igual. Este es un disco notable, a pesar de que no lo entiendo. Entre toda la cacofonía, capas de sonido, ruidos etéreos, teclados desafinados, voces a lo lejos y atmósferas creadas hay un excelente álbum. Que no se entiende, pero que es excelente. 

Highlights: Mute, The Bath, Dropla, Raspberry Cane

#1 "Kveikur" ~ Sigur Rós

Post-Rock

No podía ser otro. Porque cuando dijeron que iban a hacer un disco electrónico me asusté un tanto. El sólo inicio de "Brenninstein" ya me probó que siguen siendo los genios islandeses que han sido todos estos años. Jónsi con su falsetto, Orri machacando la batería, varias referencias al "Von" (1997). Sólo falta Kjartan, pero él dejó la banda. Creo que podremos seguir sin él. 

Highlights: Brenninstein, Ísjaki, Rafstraumur

Y bueno, si alguien quiere los discos ó lo pide ó lo torrentea. Espero que este modesto ranking sirva para culturizar sus aun-no-tan-hipsters oídos. ...y muerte a Bowie, aunque su disco malo no estuvo realmente, pero cosas del rock.

Saludos a la Paz, Alondra, Miki, Fabiola, Martín y a los tipos de Last.FM.

Guitarras chugga-chugga

"My favourite chugga-chugga band". Así describió un tipo a esta banda en internet. ¿Qué cresta es chugga-chugga? El sonido que hace la guitarra al aplicarle este riff. ¿Sentido? Francamente no tiene, pero el término me dio risa y a pesar de todo describe bien el sentimiento.

Como sea, acá es como llegamos a las guitarras chugga-chugga de una banda que siempre creí era británica, hasta que escribiendo esta cosa me di cuenta que eran yankees.
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Russian Circles - Memorial

Imagina esta escena: estás con tus amigos conversando de post-rock, ese género que pocos entienden qué es. Uno de tus amigos dice que no le gusta Explosions in the Sky o Sigur Rós porque los encuentra lánguidos, sin brillo, sin sabor. Lo que él quiso decir es que quiere escuchar Russian Circles. Guitarras prestadas del metal, baterías potentes y altos decibeles. Catarsis, energía e ímpetu: Eso es este trío estadounidense. Cuatro discos en que van desde pasajes eléctricos y violentos hasta interludios calmos y esperanzadores. Así aparece “Memorial”, el trabajo de Russian Circles que sale este 2013.

No podría empezar de una manera más extraña. En lugar de una batería salvaje como la que abre “Geneva” (2009) aparece una lánguida guitarra acústica y un violín a lo lejos. Sólo nos tomaron el pelo, “Deficit” emerge poco después confirmando que no nos equivocamos de artista. “Deficit” es Russian en su esencia, Dave Turncrantz machacando la batería hasta el punto en que el rango dinámico comienza a arrancarse. Los primeros minutos de “Deficit” parecen más una catarsis que los mismos músicos necesitan hacer en lugar de una canción propiamente tal; eso sí cuando se logran concentrar y comienza la segunda parte el resultado es magno. Crudos riffs de guitarra crean el terreno acompañado de una batería ahora en mejor sintonía. Siempre agresivos, pero ahora más melódicos.

Ahora que las bestias tienen bozal “1777” muestra la fuerza que tienen los instrumentos. La guitarra en una base que evoca a This Will Destroy You y una batería que suena a un Mono temprano se crea uno de los puntos altos de esta primera mitad del disco; potente, compacto, todo sonando bien. No se diluye y las bestias no se muerden entre ellas como pasó en algunos compases de “Deficit”.

Llegamos a “Burial”, punto flaco del disco no porque sea mala, sino porque es. La guitarra de Mike Sullivan es marca registrada de Russian Circles, pero en este tema recuerda demasiado a discos pasados. Peor aún, suena a un “Deficit” como debió sonar desde un principio, saltándose la parte que es sólo rabia y que pudo tener estos buenos momentos de guitarras melódicas y poderosas, baterías golpeando (no machacando) y un ambiente en el que es más fácil aferrarse a algo.

Casi como si supieran que “Burial” está donde no debe, “Ethel” es lo mejor en todo el álbum. Nunca bajando los brazos lo que se crea es algo hermoso, cálido, esperanzador. Incluso el bajo, otrora tímido y escondiéndose detrás de la estridente guitarra, ahora hace una magistral presentación.

“Memorial” es muy corto. Luego de la remarcable “Ethel” llega otro tema enérgico, con un gran compás para hacer headbanging, guitarras que suenan en el momento preciso con la intensidad exacta, Dave golpeando las cajas y platillos con maestría. Todo suena bien. …Luego el disco se acaba, el outro es una versión extendida del intro (buen ciclo el que hicieron ahí). Ahora una voz femenina versa algo a lo lejos; la canción “Memorial” es muy buen outro pero deja un gustillo a poco. En lugar de los arrebatos que hubo en “Deficit” y “Burial” Russian Circles podría haberse enfocado en hacer más melodías como “Ethel” o “1777”, más de lo que hacen y hacen muy bien.

“Memorial” es un buen disco, sí. Mas deja la inevitable sensación de que 37 minutos fue muy poco oyendo lo que ofrecieron en los grandes momentos. 

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No creo que el disco sea malo, pero como es tan corto las partes "ñeh..." pesan más. Si las guitarras chugga-chugga no son lo tuyo o eres nuevo en esta banda, aconsejo más empezar con "Geneva" o "Station"; de todos modos >acá< esta el enlace. Es que Malko es un TEMAZO maldita sea, chugga-chugga en su gloria (sí, voy a hinchar las pelotas con ese término un buen rato). Y así es como empezamos Diciembre. Te odio calor. 

Saludos a Veemon.

Música para escuchar bajo la lluvia. O algo así.

Esta semana ha sido especial, salimos temprano por estar en la Semana Recursera y tener tiempo para las actividades. Máximo cinismo porque bien sabemos que eso para mí significa venirme al PC a matar neuronas. Pero hey, igual he hecho una que otra cosa "productiva". A lo que nos convoca, el nuevo episodio de "Chúpala Bowie: Discos 2013 :D". Estoy intentando apurarme con esto porque se vienen lanzamientos que quiero review-izar al tiempo que hay discos superlativos que aun ni tomo en cuenta (65daysofstatic, Placebo, Franz Ferdinand, los pienso). Cabe mencionar que este es el décimo coso que escribo. Awww...pensar que hace un par de meses me dio la weá con Ólafur Arnalds y todo esto nació. Bastó un par de meses para que nadie hable de Bowie, me arruinaron el chiste del tag, malditos.

Como sea, preparen sus pañuelos desechables porque este disco es lacónico, triste y bien introspectivo. De esos que me gustan a mí. Con ustedes una banda que puta que eligió un mal nombre para ellos. ¿Es que la gente no aprende que si el nombre de la banda coincide con una palabra clave muy usual, cuesta mucho hallar algo? The Music, a ti te hablo. Bueno, acá está Money.

P.S: Amé este disco.

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Money - The Shadow Of Heaven

Es oficial: en lo que va de año Inglaterra definitivamente se llevó el premio a “País con los mejores discos debut”. “If You Leave” de Daughter es un superlativo trabajo vocal lleno de bellos parajes e introspecciones; no terminamos de enamorarnos de aquel disco y aparece un cuarteto de Manchester que lanza también su debut este 2013. Money (o M O N E Y) publica el onírico “The Shadow of Heaven”. Un disco lleno de ecos, voces muy bien logradas, música suave y en la potencia justa. Es un trabajo que logra usar magistralmente el silencio como instrumento al tiempo que entre todos los sonidos crean una atmósfera que a momentos baila en una calma alegría y en otros genera el aire más melancólico. El trabajo vocal y lírico de Jamie Lee puede arrullar cálidamente o desgarrar el alma cuando quiere. “The Shadow of Heaven”, debutazo de Money, es un disco lleno de sentimientos.

Atmósferas dream pop cubren el ambiente, mientras Jamie en una voz a la que se le agregan muchos ecos suena protagonista. No hay un hilo conductor, sólo suavizar el ambiente para lo que viene. El bombo y el platillo de la batería están ahí, golpeando; pero con sus decibeles bien reducidos, están opacados. Nadie puede molestar el viaje que Jamie está comenzando.

Cuando empieza “Who’s Going To Love You Now” el cuerpo ya se ha relajado. El dúo inicial de canciones es una tranquila sonrisa, el estar tirado mirando el techo mientras Jamie hace coros al cielo. Aun así, la música sabe cuando retirarse y dejar la voz totalmente desnuda sentenciar los versos que le dan nombre al tema. El aura pop onírica se mantiene hasta el cuarto tema donde se aconseja un buen estado anímico para evitar secuelas, porque acá el suave y dulce aire se convierte en un solitario, agreste y melancólico vacío: “Goodnight London”. El silencio es el instrumento principal en esta canción de siete minutos, un tímido piano acompaña a Jamie versar “Todo niño que he amado, toda niña que he amado…cerrarán sus ojos y cantarán Adiós Londres”.

 Continúa con “Letter to Yesterday” donde bajo y percusión dan un espíritu mucho más esperanzador. Guitarra y voz se suman a un crescendo que sube y nos deja en las puertas del nirvana. Resulta irónico que el tema más esperanzador del disco repita hasta la eternidad “Está lleno de sangre” pero, aunque esté todo infestado de muerte “Letter To Yesterday” es hermosa composición. Puerta idónea para la desgarradora “Hold Me Forever”, el primer single de “The Shadow Of Heaven”. “My sky is the same, It's just pale and blue and I'm as lonely as the sun” versa la primera estrofa mientras el coro es un celestial pero melancólico “Even if you hold me, if you hold me forever I’ll become bored of all of this together”. En el video que acompaña la canción los versos van a la par de una bailarina de ballet siendo sujetada por su acompañante mientras más damas están alrededor. Una danza lenta y delicada es la mejor manera de representar “Hold Me Forever” y este “The Shadow Of Heaven”.

“Cold Water” es el patito feo del disco. Todo está más tenso, más gélido, más brusco. A la batería la dejan sonar en toda su potencia y los falsettos de Jamie ya no son tiernos arrullos, ahora está notoriamente agresivo. E igual que el patito feo no es más que un cisne disfrazado, porque “Cold Water” es un punto altísimo en el álbum. Especial mención a los segundos finales que son una catarsis que pedíamos hace tiempo.

Las comparaciones no son difíciles de hacer. En “The Shadow Of Heaven” se puede sentir un poco de Sigur Rós, Arcade Fire, The Cure y mucha lluvia británica. Viaja entre lo desgarradoramente triste y lo surrealmente alegre; onírico, celestial, introspectivo. La Sombra Del Cielo, junto a “If You Leave” de Daughter, dos de los mejores debuts de este 2013.

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Las fotos las saqué de Last.FM, tengo la injustificada creencia que si las saco de ahí no expirarán como las que nada más saco de Google.

Por alguna extraña razón no me deja poner el enlace de descarga en el coso ese para poner los enlaces, así que acá está de cualquier modo. Sufran felices.

Un saludo a Thom Yorke que hace unos días estuvo de cumpleaños

"Si te gustan los planetas, yo te los llevo a tu puerta"

"Y si quieres suicidarte,

yo podría dispararte.

Y también acompañarte

Al infierno a cualquier parte.

¿Y si no quieres nada...?"

Era el 2011. Tipo Enero, el line up del primer Lollapalooza Chile se confirmó. Los chilenos estarían representados por varios artistas, entre ellos Dënver, banda que jamás había escuchado y que me parecieron cool los dos puntitos arriba de la E. Le daba estilo. Bajé "Andén 6" y me gustó pero nada espectacular. Last.FM me instó a buscar su disco más conocido, el entonces joven "Música, Gramática, Gimnasia" (2010) lo descargué y no pasó nada interesante...hasta que empezó el track 3. Hasta la fecha es probablemente una de las canciones más geniales que he oído y en ese momento (yo un enamorado despechado maníaco-depresivo) fue el soundtrack ideal para un sin fin de cosas que pasaban dentro y fuera de mi cabeza. El video además, grabado cerca de San Felipe, actuó como rendición-homenaje-cosa loca al éxodo "del campo a la ciudad" que empezaría pocas semanas después. "Lo Que Quieras" es lo mejor que le ha pasado al pop chileno en lo que va de siglo y, con esa canción comenzaron su show en el Lollapalooza. Yo más extasiado no podía estar. Así que en memoria de la maratón recorrida gracias a Milton Mahan y Mariana Montenegro todo este tiempo, no haré una simple review del "Fuera de Campo" (2013). No se puede, no puedo. Esto, fueron dos años con el dúo de San Felipe. Y porque puta...son las 4 am.

Dënver

Si se pone todo en Winamp, son 2:26 horas de reproducción (excluyendo el Bonus Track "De Explosiones y Delitos"). Desde "Andén 6" que suena pequeñita, débil y frágil, hasta "Medio Loca (Hasta el Bikini Me Estorba)" con sus arreglos que llegan a ser hasta ambient y los susurros de Mariana acariciando decíbeles, donde la producción denota que pudieron costearse algo mucho mejor que lo que se permitieron cinco años antes. Y bueno, sigamos en el Lollapalooza.

"Un día me dices luego,

al otro me dices ya ves.

Un día me dices corto,

al otro déjalo crecer."

Eran pollísimos. Se creían tan poco ahí como músicos como yo como espectador volando con "Lo Que Quieras". La luz del Lollapalooza les tapó la cara casi todo el rato, hubo poco movimiento, poca cosa loca por el escenario. Las cinco canciones que tocaron eran todas bailables del "Música...", lanzaron toda la carne a la parrilla de una. Se acabó "Los Adolescentes" en un fade-out loco de la guitarra de Milton. Algunos criticaron el final como que era muy rockstar para lo que proyectaba Dënver. ¿A mí? Me importaba un pepino; Lolla2011 comenzó con pie derecho.

"Música..." está lleno de grandes momentos aparte de los dos singles estrella. "Olas Gigantes" es un pop que es bailable pero que no, que es de amor pero que es de calentura; es una canción que se puede escuchar unplugged o formato disco y sigue funcionando. Narrada en un modo inocente, ella simplemente encuentra que él es hermoso y decide seguirlo incluso hasta el punto de no tocar fondo, enrolarse en las olas y perder la conciencia.
"Litoral Central" primero destaca por la electrónica agresiva vs las baladas de lento piano que le rodean en el álbum, un cambio bien agradecido y que le da versatilidad al tercio final del disco; luego aparece la voz. Antes era tierna Mariana susurrándonos cosas de desamor. Ahora nos grita que mató a un tipo porque sí y no está contenta con eso. Maldita sea, por qué te moriste, por qué nos morimos juntos.

"Moriremos congelados,

si no aprendemos 

luego a abrazarnos."

Poco después del Lolla2011 vino el Lanzamiento Oficial de "Música, Gramática, Gimnasia" en Matucana 100. El concierto en sí tuvo un pequeño gran problema para mí: estuvo lleno de canciones de "Totoral" (2008), disco que yo apenitas conocía. Recuerdo eso sí "Paraíso de Menta", tema que por alguna razón me gustaba mucho en el disco y "Los Últimos Veranos", canción que rápido escaló a mi top de los Dënver. Pero sin duda la que se robó la película fue la canción más desconocida de la noche: "Nuestro Mundo (De las Cosas que a Nadie le Interesan)".

Durante el momento en que la tocaron y todo el M100 escuchó en total silencio...creo que todos los asistentes pensamos en alguien. Voz, música y letra. Todo fue perfecto.

No recuerdo si fue last.FM o Facebook el que me avisó de otra presentación de Dënver. Y yo no me podía aburrir de ellos. Tres grandes cosas salieron de esa jornada. Las primeras, dos locos hipsters que me culturizarían en la loca vida loca...de la vida y su locura (Pía y Manuel, esta es la parte en que los menciono). La segunda, Mariana en estado de ebriedad cantando (o intentando) y toda la Blondie perdonándola sin reproche. La tercera, conocí a The Ting Tings (jejeje). Con la tercera vez que los veía en vivo ya los tenía como mi banda chilena preferida.

Oír "Totoral" luego de "Música..." es algo raro. Se siente la diferencia de presupuesto y el novatismo en el primer disco del dúo. Pero eso también le da un tinte que de otra manera no pudo haber tenido. "Miedo a Toparme Contigo" suena excelente en modo novato, narrando con un teclado llevando la batuta la postura de ella post-separación, que quizá nunca pueda sacarse a él de su vida, ¿Adolescencia anyone? No usa ninguna metáfora, escupe los versos tal cual. No hay confianza, hay miedo, hay hasta cosas random arruinadas (¿Sitios para vacacionar?). Él no se queda callado. En "Insistes en Volver" esperará la estrofa final para decirle cortante y fría Si no me olvidas recréate, sino medícate...sino muérete. Ay, la bipolaridad. La odio. Es genial.
"Corazón de Andrés" es amor a primera oída. Los versos cantados por Milton en la primera parte de la canción son otro instrumento más, siendo antesala para la sublime segunda mitad, un delay eterno que podría ser clasificado como "el primer tema post-pop". Teclado y synth elevan y elevan y hacen volar; un highlight que nunca tuvo el merecido protagonismo.

"Como la fuerza que se expresa 
 de un huracán, de una explosión nuclear,
 de un glaciar, del mundo animal."

No recuerdo en qué contexto, pero se estrenó el clip de "Los Bikers" en YouTube con bombos y platillos. Yo estaba "ñeh..." porque nunca me movió mucho esa canción. Uno de esos shows post-lanzamiento era en la SCD de La Florida. Una banda malísima de San Felipe teloneó. Cuando salió Dënver no fue sólo aplaudido, sino agradecido (jejeje). El show fue bueno, pero nada realmente memorable...hasta casi el final. El clásico riff que da la partida a "Los Adolescentes", varios hipsters atrás de la sala hacen como que bailan. Mientras la canción avanza y el crescendo sobre el que se sustenta sube y sube, más hipsters van hacia atrás para ponerse a bailar [contexto: en la SCD hay butacas, ergo alguien de pie bailando tapa a los de atrás]. La endorfina musical me hace seguir a los consheptuales y me sumé al movimiento corporal. Sí, sigo declarando que yo no bailo, pero con "Los Adolescentes" hago una de las cosas más parecidas a ese acto tribal; y es que es un pecado oír esa canción sentado. En estudio es un electro-pop naif y amigable, en vivo donde el beat lo reemplaza la batería y el synth la guitarra, ...es una bestia. Al terminar y volver a mi asiento (en primera fila) la Pía y el Manuel me miran con cara de "Da fuc just happened wid ya!?". Es Dënver.

"Fuera de Campo" tiene puntos muy buenos, otros débiles. El formato balada naif de teclado y Mariana siendo linda suena excelente en "Totoral"; "Los Bikers" y "Cartagena" hacen el trabajo en "Música...". Ya en "Fuera..." es algo cansino, un rip-off de lo que han hecho antes. No se critica lo lírico que sigue siendo interesante, pero la música a veces alcanza un pop barato que es...barato. "El Árbol Magnético Ataca por Sorpresa" es un temazo de todas maneras. Hijo orgulloso de "Corazón de Andrés" una gran parte de la canción es un repetitivo shoegaze que insolente y pedante, está ahí. Sólo se deja sonar a sí mismo sin importarle nada más, finalmente Milton logra domarlo y continuar la canción. Pero le costó.
"Medio Loca (Hasta el Bikini me Estorba)" es la mejor canción quejosa de la historia. Quiero hacer esto, quiero hacer esto otro, no quiero que me veas...bueno sí.La minimalista música que va de fondo genera el relajo que es bien agradecido para la canción final del último disco de Dënver. O lo era, hasta que además de ser el último tema ahora "Medio Loca" marca también el final de la trilogía.

"Si quieres ganarte el cielo,

yo me arreglo con San Pedro.

Si quieres un mundo nuevo,

yo ya te lo tengo hecho."

El anuncio del lanzamiento de "Fuera de Campo" en el Teatro Cariola creó un hype enorme.Hubo varios invitados, muchos highlights en la noche. Quise hacer una review del evento para destacar la más grande participación de la jornada pero jamás la escribí así que lo hago ahora: ¡¡LAS LUCES WEON!! No sé quién habrá sido la mente maestra tras los focos pero fue un maldito genio. Todo en su lugar, todo iluminado como debía. Milton pasaba de silueta a cara completa a oscuridad total como quien cambia de calcetines. Mariana se iluminaba en los momentos precisos. Su vestido negro también merece una mención y hay que decirlo, a todos nos pasó algo al verla en "Mi Primer Oro" lucir esa tenida. Pienso en un adjetivo superlativista [neologismos ¡yey!] para referirme a éste sin sonar pervertido mas no lo hallo. Los invitados fueron muy aplaudidos pero a mí se me cayó la boca con el último. Para la penúltima vez que oiría "Lo Que Quieras" en vivo, nada más ni nada menos que el chascón Tomás Preuss de Prehistöricos acompaña a Milton, Mariana y la orquesta detrás. Se me erizó la piel en ese momento (y puse dos líneas para indicar el link porque vale la pena la exageración).

La noticia de la separación golpeó a todos. ¿Cómo pasó? Un disco apenas saliendo del cascarón, giras por delante, fans a ambos lados del atlántico y ambos lados del ecuador. Es el momento de gloria de la banda y se acaba, así sin más. Las dos horas y algo más de música que nos dejaron es ahora un legado. Se separó la banda y la vida sigue, aun quedan bandas por conocer, discos que bajar y cosas por las que reclamar. Todavía no tenemos la educación gratuita ni la abolición del impuesto al libro. La vida siguió cuando se separó Pink Floyd, se mató Kurt Cobain y Rebecca Black sacó "Friday". Y ahora a seguir sin los Dënver. La vida es (cuando menos) dos horas y algo...más aburrida.

"...y si no quieres nada."

Como dato al margen, quería ponerle a esta entrada "No, no puede ser" en honor al trolleo masivo que hicieron en la radio por la separación de Dënver, pero no funcionaba igual el post. Saludos al tipo que manejó el taxi que nos llevó al último concierto, al yeso de Mariana y al Seba Deschannel que subió el concierto del M100 a Taringa!.

Apología de Lollapalooza

Hoy se cumplen siete días desde la bullada venta de entradas Early Bird para Lollapalooza Chile 2014. Y ya que esta fue por gigantesca diferencia, la más caótica...merece ser tema de este humilde blog. Partamos por la base...que según el teorema de Euclides es una relación entre la altura y los lados que se proyectan sobre dicha base. ¡¡Já!! No se esperaban eso, aun me acuerdo de cosas de colegio, viva yo.

Asumamos que mi lector no sabe un pepino de Lollapalooza o ventas de festivales y que lo más magno que conoce es el Festival de Viña. Bienvenido entonces, al mundo real de los festivales. ¡Ah! Y Woodstock, que es parte de la educación cívica que deberíamos recibir en el colegio, así que tienen que conocerlo.

La foto es de Glastonbury, ícono a nivel mundial de festivales hiper-masivos (¿qué tan masivo? Ver foto) que se realiza desde los '70 en Inglaterra. Entre otros monstruos de renombre podemos decir el Rock AM Ring de Alemania, Coachella en USA, Fuji Rock en Japón...y Lollapalooza en USA. La idea es tener varios escenarios simultáneos con artistas de diversos estilos, mucha música de nicho, escena local y básicamente crear una realidad alterna donde el escenario y buena música son protagonistas. Y claro, el público. ¿Qué artistas? En las últimas dos décadas los cinco festivales antes mencionados han brillado con artistas del corte de Paul McCartney, Sigur Rós, The Cure, Green Day, Muse, Metallica, The Offspring, Linkin Park, Slayer, Rodrigo & Gabriela, Fatboy Slim, Explosions in The Sky y Lady Gaga. Comparado con el Festival de Viña...es definitivamente otra escala.
En toda su trayectoria, estos festivales han probado que su parrilla de artistas, su seguridad interna, baños, comida (excluye precios) y ambiente en general es de brutal calidad, por lo que las entradas se venden incluso antes de confirmar los músicos que van a tocar, eso se llama Early Bird o venta en verde si te complica el inglés. ¿Ejemplo? Reading Festival 2013 en Inglaterra (que tiene como headliner a Green Day, Eminem y Nine Inch Nails) vendió sus tickets Early Bird de $12.000 [CHI] en poquísimos minutos. Los tickets de $90.000 y $160.000 tuvieron el mismo destino, con varios miles de asistentes sin tener perra idea de qué están pagando porque no hay nada confirmado; pero Reading ha probado en todos sus años que es pro y que hace valer los precios y la desesperación por ellos.

¿Y eso qué le importa a Chile? El hemisferio sur tiene muy pocos festivales con qué jactarse, Rock In Rio en Brasil siendo casi el único, y por eso la producción de Lollapalooza Chicago se interesó el 2010 y para el año siguiente anunció su primera versión en el Parque O'Higgins, para el festival del 2012 comenzó la primera venta en verde. Lo cual, hasta ahí está super bien. Lolla Chicago es autoridad en los festivales yankees y con la marca se asume calidad similar en Chile. Pero...estamos en Chile y las cosas funcionan a la chilena.

El 2011 (pensando hacia el 2012) la venta en verde colapsó el sistema de Puntoticket.cl mientras las tiendas Ripley y Cine Hoyts soportaron una horda de compradores. Si comprabas por internet te daban un código para recoger tu entrada el día del festival. Cuatro horas después de hacer fila el propio día del festival (y perderte mínimo un tercio de éste) lograste conseguir la entrada. Malísimo. Lollapalooza 2013 también tuvo un inicio negro; Claro [auspiciador oficial] ofrecía un descuento del 20% a la Early Bird con un código. La venta comenzaba a las 00.00 de un Lunes únicamente por internet. Era Domingo a las 21.00 y tanto Claro como Puntoticket eran inaccesibles; ambas colapsaron y se tuvo que botar los servidores a las 4.00 am porque ya era insostenible. La venta reanudó tanto on-line como físicamente a las 10.00 el Lunes, Puntoticket y Claro volvían a morir, el sistema RedCompra tampoco funcionó bien para la demanda...o tenías efectivo y hacías la fila en un Ripley (cruzando los dedos para que el sistema funcionase) o adiós.

En lo que se refiere al Festival mismo, Lolla Chile siempre se ha superado y la calidad es salvaje. ¿La venta? Un colapso de todo. Y con ese preámbulo, llegamos a la venta del Lunes pasado para #LollaCL2014.

Era obvio que PuntoTicket moriría así que me mentalicé a hacer la fila en mi tradicional Ripley Agustinas. 2000 entradas online, 2000 físicas, y luego comenzaría la Preventa 1 que es más cara. 8.00 am, era el 5º en llegar. Estaban cayendo gotitas. Buena conversa y buenos seres humanos los que hicimos esa fila, debo decir. Ese Ripley tiene dos entradas, éramos unos 120 por la principal pero lamentablemente habían entre siete y once pendejos por la entrada B, dispuestos a correr como animales por llegar primeros. La suerte no nos ayudó, porque esa puerta se abrió primero. Ya empezamos mal. Al final el que corrió más rápido llegó primero, no el tipo que estuvo desde las 7.30 en la puerta [sí, esa hora]. Yo, a mi fiel estilo Universidad de Chile acostumbrado a pelear "educadamente" con pocas posibilidades de éxito le conversé a los carabineros si era posible reordenar el tema, y luego al ÚNICO guardia del 4º piso de Ripley (Porque para más remate...había huelga interna afuera). Conseguimos hacer algo, los primeros veinte de la "fila principal" que sabíamos que habíamos llegado antes que la fila B nos alternaríamos con ellos para que nadie estuviese tan molesto; producto de la desesperación los primeros le comprarían entradas a los que estaban más atrás. A mí me llegaron $54.000 y compré una entrada a una anónima, a ese nivel de desesperación. Cooperativa (sí, la radio) apareció de la nada y un chico y a mí nos sacaron una foto y una entrevista de 20 segundos. Eran las 12.15 a lo sumo, la venta online estaba agotada. Menos de diez minutos después pasaría lo mismo en la física. Preventa 1 empezó.

Llegué a mi casa, me conecté a internet y vi el caos. Claro muerto [nota al margen: Para "Preventa 1" Claro nuevamente ofreció descuento] y en dos horas se agotó Preventa 1, algo histórico...y raro, porque siempre habían funcionado con plazos, no con stock. Preventa 2 a $75.000 [+ cargo por servicio] corría como avión para las almas que no alcanzaron nada antes. Recalco, nunca habíamos llegado a Preventa 2 por stock, sino plazo. La idea de la preventa 2 además es tener una idea de quien va a tocar. Alejándose un poco de lo meramente económico y administrativo, también hay temas más románticos que chocan. Es cierto, en un concierto de lo que sea el espacio no es una comodidad que debas tener por sentada, pero 75.000 asistentes por día este año nos sentimos. Arena Movistar colapsada a las 16.30 para Crystal Castles, para Pearl Jam no cabía un alma, por lo que me contaron Steve Aoki había que matar a alguien para que te dejasen entrar. Llegamos al punto que somos demasiados, ¿Y aun así la producción del Lolla quiere superar la cota de los 140.000 ambos días que fuimos este año? No soy prevencionista de riesgos, pero para mí eso da un poco de inseguridad, la entrada al Parque O'Higgins habilitada mide no más de 15 metros. Ojo con eso.
Público, somos los que hacemos la mitad del concierto. Anécdotas tengo varias. Fatboy Slim 2011, la Arena Movistar saltaba como un solo ente unidos con el DJ que teníamos delante. Gepe 2013, prendió el Claro Stage a las 12.30 recién empezando todo. Foster The People 2012, nadie sabe de donde salieron como 20.000 personas saltando con "Pumped Kicks". Flaming Lips 2011 que con "Yeah Yeah Yeah Song" sigue estando en mi ranking de las mejores canciones en vivo que he oído. 31 Minutos 2012, hablé de ellos esa vez. Pero hay malas también; Pearl Jam 2013 vio una horda de gente que a duras penas era fan de la banda, empujando, asfixiando...sólo por estar ahí. Of Monsters And Men y Franz Ferdinand, ambos 2013, era un mix de fans empedernidos y gente que sólo...estaba; ¿Lo malo? Ambos tipos estaban bien adelante. Crystal Castles 2013, que afuera del Movistar se leía grande ACCESO CERRADO porque no cabía nadie, y afuera cientos de fans con la esperanza ilusa de entrar.

Lolla debiera estar pensado para la gente que va a vibrar con bandas en vivo, no para el que sólo alumbra que está ahí. En Keane conocía tres temas, los escuché a cierta distancia porque no quería amurrar a los que saltaban. Los fans de Foo Fighters (que llegaron a las 12.00 a pelear la primera fila del concierto de las 21.00) jamás pifiaron a los cuatro artistas previos que poco y nada conocían. Una actitud que temo se va perdiendo entre tanto ente que entra, mientras los fans acérrimos ni siquiera pudieron costear las caras entradas. En cualquier caso, también pasa en Coachella y Glastonbury, pero no quita que sea desagradable que la persona a tu lado sea una mina hueca usando tacos hablando por iPhone con una amiga mientras hay alguien en el escenario. Ya sería la 4ª vez que voy, espero me sorprendan como siempre y espero que el público esté acorde a las bandas, no a los precios.

Como dato, "Lollapalooza" viene de una jerga yankee de principios de siglo XX que significa algo como "una persona, evento o cosa extraordinaria o inusual; una situación ejemplar". Quién sabe, quizá mis bisnietos vayan a un festival llamado "Macanudo Rock Festival".

Saludos a Patricio Estrella, su meme-cara ha sido muletilla estas últimas semanas.

No sé por qué, me pasa un no sé qué con este disco

Siendo las 00:30 am del Miércoles, vuelvo a clases post-paro. Y aunque no importa, me puse a leer comentarios añejos de mis entradas añejas [ahí, a la derecha, pueden ver los años y las publicaciones por mes, o usen las etiquetas...disfruten las latas eternas, son interesantes algunas]. Realmente escribía harto en aquel tiempo, algunas...lamentablemente, son unas latas eternas. Ahora estoy dando la lata...lo sé.

A lo que nos convoca, en este episodio de "Chúpala Bowie: Discos 2013 :D" presento una de las mayores sorpresas de este año, no tanto por lo remarcable del disco (de eso hablo luego) sino porque está demasiado afuera de mi Comfort Zone donde me siento a gusto, cómodo (de ahí el nombre, lo sé...no lo habrían notado) y por lo mismo, no me suelo alejar de ahí. Lo mío es la música maníaco-depresiva y el britpop melodramático y chillón, no el folk y estas cosas abstractas raras. Pero en serio maldita sea, el disco es demasiado bueno. Merecía que me esforzase y créase la review más extraña que he hecho [y ya, a nivel "picado a semi-pro" he hecho pocas, pero este blog está atestado de "reviews amateurs" en que todas son de mi comfort zone, lean las eternas "Este es un buen comienzo" hay algunas poquitas que yo aun seguiría leyendo...jejeje].

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Daughter - If You Leave

Cómo convertir la voz en un instrumento y en uno tan superlativo es lo que hace del primer disco de Daughter algo tan remarcable en este año lleno de lanzamientos. Daughter es el proyecto de la londinense Elena Tonra que desde el 2010 ha publicado ya tres EP’s; para el “If You Leave” de este año se acompañó de Igor Haefeli en guitarra y Remi Aguilella en la batería.

Este trío comenzó a publicar la génesis de este disco desde el 2012 con el single “Smother” corriendo por internet. Finalmente en Marzo de este año se publica el trabajo completo: un álbum donde Elena le da rienda suelta a su voz al son que íntimos instrumentos crean una atmósfera que nos lleva a un viaje de poco más de cuarenta y cinco minutos. Canciones con varios crescendos, rápidos bajones y letras melancólicas e introspectivas.

Desde el comienzo hay una tenue capa de eco que abraza la voz de Elena; la primera canción es un ente abrumador donde los sonidos se pierden y los instrumentos se diluyen entre los versos cantados. “Smother” es la segunda pieza, una guitarra acompaña y nos permite aferrarnos a algo mientras las sílabas se van pronunciando. Esta guitarra acústica que suena débil en un par de temas siguientes es la encargada de engañarnos y pensar que la nostalgia y la melancolía se terminaron, sólo para que un teclado nos lleve de nuevo al trance que este disco es tan prolijo en lograr.

Si “If You Leave” fuera la banda sonora para una danza los bailarines serían pocos, estarían muy separados los unos de otros y harían largos y lentos movimientos de extremidades, mientras mueven mucho sus dedos, sus muñecas y sus labios. El disco avanza así, cosas pequeñas creando potentes atmósferas, la delicadez de los movimientos es la tónica, no la potencia de los instrumentos o un gran falsetto. Un pulso de batería y una guitarra distorsionada en “Still” mientras en “Tomorrow” Elena no teme en silenciar todo y encontrarse ella dando a cappella un par de versos. Desde ese a cappella todo va hacia arriba y la música sumerge en una ola de sonido que crece y crece hasta nadie sabe cuándo.

Las letras van desde el desamor, la tristeza y la melancolía hasta una simple pero siempre necesaria catarsis. “Underneath the skin there’s a human; Buried deep within there’s a human; And despite everything I’m still human; But I think I’m dying here” versa la canción “Human” al tiempo que los instrumentos se apartan para darle a la voz el protagonismo que tan justamente ha reclamado durante este trabajo.

Daughter es magistral en la emocionalidad que crea con “If You Leave”, es de esos discos que hay que oír con calma y escucharlos en más de una ocasión. Dependen del estado de ánimo al tiempo que crean nuevos estados. Cuarenta y cinco minutos para estar solo, luces apagadas, cortinas cerradas, y escuchar. 

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Dedicado a la Alondra y su desmesurado amor hacia este disco. Seas un rockero empedernido, un rudo metalero, un post-rockero maníaco-depresivo o un popero *inserte acá adjetivo para ellos*, este disco es de esos que se deben oír. Sí, en serio. He dicho eso de todos los que he puesto en esta saga, pero en serio.

Saludos a Fuster, el profe de Hidro, que no nos hizo control hoy y me permitió escribir la review. Y a la Paz, que también ama este disco e intenté meterla en algún punto de la entrada...pero no resultó, así que aquí estás.