El shoegaze del año

Como muchas cosas japos que he conocido, este álbum llegó a mis oídos gracias al canal Asian Shoegaze (ex-Japanese Shoegaze). Aparentemente tenían un single llamado "Bedtime" que fue su puntapié inicial el 2016, pero qué iba a saber yo. Le di a play a este disco desconocido y oh. OH. Encontré mi álbum favorito del año, fue mi reacción automática. Y aún creo eso, y de este disco hablaré hoy.

Con ustedes, 揺らぎ [Yuragi. Banda que no estoy ni ahí con escribir en kanji porque no estoy para copy-pastearlo cada vez que los mencione] y su superlativo EP: "Still Dreaming, Still Deafening".

Y apenas hace la media hora, así que tampoco es que me extienda mucho.

"B/C" es el pseudo-opening, digo pseudo- porque es un muy bien ejecutado falso crescendo que muere al inicio de "Horizon", donde estallan todos los pedales, batería y voces. Mirai Akita está bajo tres layers de pedales y efectos, mientras las guitarras están en todo su apogeo. Y después de sus muy enérgicos momentos, "Horizon" muere en el mismo ritmo con el que comenzó el EP. Sí sé, si cambiamos los nombres de las canciones te describí cualquier post-rock, y ahí hay punto para Yuragi: ellos hacen alta mezcla de ambos estilos y en ninguno flaquea. Si quieren hacerse un momento Bloody Valentine, sas! Hay pedales. Si quieren rugir a lo MONO, ahí hay una pared de sonido.

Las canciones siguientes juegan más en el lado shoegaze que hace que hasta el más cumbiero de los metaleros diga "ah sí, esto es shoegaze japonés", porque casi que esto es el sucesor espiritual del "Cosodorokitsune" (2013) de Shojoskip. Yo sé que alguien, en algún lugar, me captó esa referencia.

"Unreachable" es otra de las mezclas perfectas entre las patadas más instrumentales y los mil pedales. Para evitar ese vicio idiota de los periodistas musicales de meterle adjetivos estúpidos a las canciones, tú sólo escucha "Unreachable". Y ojalá veas el video, a pantalla completa, con audífonos, en un cuarto oscuro. Y mientras ves las olas romper, fíjate en lo clarísimo del sonido. Muchas bandas optan por un sonido más sucio o por sacarle un par de pedales para que las cosas no colapsen bajo su propio peso, pero acá Yuragi se fue por lo mejor de los mundos.

Notarás un sonido reminiscente a "B/C" al final, y es que el último tema del disco recoge bastante de lo que "Horizon" hizo al principio. Les dije que el EP era cortito. Cuando se trata de mi canción favorita de este año, estoy entre una de Kraus y el outro de este EP: "Path of the Moonlit Night". Recuerdo que una vez oí a un flaco decir "without silence, there can be no loud", y Yuragi aplicó esa filosofía a rajatabla en el outro de "Still dreaming...". No spoileo el final porque esa sinergia final de Mirai con pedales estallando a la Taka de MONO, que tus audífonos te cuenten cómo es eso.

¿Te logré interesar? Asian Shoegaze tiene todo el disco subido a YouTube.

Y se viene -espero- esa review sobre Kraus. Esos también me sorprendieron. Mucho.

Saludos al Parker de Asian Shoegaze, aguanten los fideos (alguien, en algún lugar, entenderá esa referencia).

¿Por qué los santiaguinos siguen comprando autos?

Desde que llegué de San Rosendo a la ciudad, queriendo más respeto, queriendo ser feliz, que me gusta sentarme en la hora punta en alguna esquina céntrica de la capital y mirar el caos. El simple y bien ejecutado caos.

Semáforos que no dan abasto, el idiota que avanza con luz amarilla bloqueando la esquina, los de la dirección contraria que no pueden pasar, la micro que intenta doblar pero los peatones no le dejan. El motociclista que se mete nadie sabe por dónde y casi ocasiona un accidente. Y así uno puede mencionar muchos más personajes. Lo loco es que, si no contamos a la micro, todo ese desastre vial involucra a no más de 6 imbéciles. Sólo basta un tarado en Providencia con Pedro de Valdivia (o cualquier esquina de Alameda, Providencia, Apoquindo, San Francisco, Santa Rosa, Grecia, Matta, Blanco Encalada, Andrés Bello, Mapocho, Independencia...) para ocasionar un atochamiento de cinco cuadras. Siempre me hablaron de la entropía como algo atómico, pero de haber usado el taco de la hora punta habría entendido de inmediato: no puedes no tener caos con tanto auto.

Las cifras aparecen de manera periódica en algún artículo periodístico. La velocidad promedio en Stgo en hora punta son 28 km/hr, Vitacura tiene más autos que personas, al 2010 más del 60% de todos los autos eran de esa misma década (y dudo que eso haya cambiado recientemente), 904 autos salían de la concesionaria a la calle cada día durante el 2017, los tacos de Angostura y del peaje de Lampa son legendarios, y suma y sigue. Y aún así, los chilenos y, en especial, los santiaguinos, siguen comprando autos.

Me acuerdo que ese ejemplo lo vi en algún ramo: si tienes una autopista, incentivas que la gente compre autos porque es más rápido. Más autos hacen que la autopista finalmente ya no pueda dar abasto a tanto vehículo, reduciendo la velocidad de ésta. La reducción obliga a que la gente compre más autos porque el transporte público es muy lento en la autopista...producto de los autos. Círculo vicioso.

Lo que encuentro más surreal de esta situación es que al santiaguino le gusta. Le gusta comprar su auto, pagar su patente, pagar su seguro, pagar su bencina, y disfrutar sus tacos kilométricos. Les gusta saber que pierden 187 horas anuales de su vida metidos en su auto, sin moverse a pesar de estar en carretera. Y ya, el santiaguino es raro por naturaleza, pero uno esperaría que las autoridades y tipos que planifican esta cosa vean un poco más allá. No. A ellos también les gusta. En Chile el promedio es 1 vehículo particular por 3.8 personas. España y Alemania están cercanas al 1.5, así que aún hay espacio para mejorar. Además, la velocidad promedio en Sao Paulo en hora punta rondan los 19 km/hr, así que aún estamos viajando rápido. Biba la gente del Automóvil Club de Chile. Biba.

(Ídolo)

Las alternativas todos las conocemos: Bicicletas, caminar, transporte público, compartir auto, minimizar distancias, mejor planificación urbana. Yet, aún son medidas menos que incipientes. Pararse en una avenida cualquier y ver quién está en los autos nos da cuenta de la estupidez urbana: hay sólo un humano sobre una máquina de ni sé cuántos kg en o 2 o más m². La ineficiencia hecha transporte. Y ya, no digo que te hagas todo el viaje desde Las Condes a Maipú en bici. Pero hay tramos que puedes hacer a pie o usar alguna alternativa (y por último te aguantas la micro llena). Pero debe haber una sensación de realización que yo desconozco asociada a perder 30 o más minutos de tu día en un sacapuntas sabiendo que estás quemando tu dinero con esa bencina y ese seguro automotriz. Bueno, ahora 40 minutos porque a una Dodge se le ocurrió ponerse a mitad de la calle. Hihihi.

Jay Foreman hizo un video muy bueno de la guerra bicicleta vs auto y que la coexistencia es clave. Y en Santiago la historia es de optimismo similar al londinense: hay 1.2 millones de viajes hechos en bici en Stgo, un 800% de aumento respecto a la década pasada. Y aunque se difundan los beneficios de ésta, que se diga que se ahorran 2.2 millones de pesos anuales por cada bici usada en lugar de un auto, ahí ves al santiaguino fiel a su autito en su taco.

Y viene el dilema de qué fue primero: el huevo o la gallina. ¿No hay más ciclovías porque no hay más ciclistas porque el Transantiago es malo porque el Transantiago no se usa lo suficiente porque la gente no camina porque la gente no tiene la vereda ni cruces habilitados y seguros para cruzar porque prefiere usar auto porque no hay más ciclovías? ¿O es al contrario? No lo sé. Pero me llama la atención mirar la intersección entre (a ver si las nombro todas) Av Nueva Providencia, Av Providencia, Av Tobalaba, Av Apoquindo, Nueva Tajamar y Encomenderos. A pesar de que los peatones somos la especie más habitual de aquel mutante sistema, son los autos (los tacos) los que tienen el poder. Los santiaguinos y sus comportamientos viales son muy interesantes.

...y por la chucha que salgan los taxis de las líneas de Transantiago.

La Era Nickelodeon: Parte III

(Parte I, Parte II, Parte III, Parte IV, Parte V)

¿Pensaron que me había olvidado? ¿Que no iba a seguir? Para nada. En las primeras dos partes de esta serie revisé los primeros nicktoons y algunas grandes anécdotas de éstos, pero en la era post-1996 la cosa se puso interesante. Desde aquí Nickelodeon se cree el cuento de que sus shows tienen potencial, y ve a Cartoon Network como un rival digno. Con ustedes:

La Era Nickelodeon de la Animación. Parte III: "Planeta Nick"

Apenas un mes tras el estreno de "Blue's Clues", Nick saca otra animación de la mano de Craig Bartlett. Craig había hecho algunos personajes y cortos con arcilla a fines de los 90s, y cuando se lo presentó a Nickelodeon, un muchacho y su cabeza con una peculiar forma fue lo que más le llamó la atención a los ejecutivos, por lo que comenzaron a esbosar una serie alrededor de él. El protagonista se pensó como un supehéroe sin poderes, alguien que siempre quiere hacer el bien en su barrio, ayudar a los demás y sobrevivir cuarto de primaria.

Para hacer la serie lo más real posible, se llevaron niños a hacer las voces y se le pidió al compositor Jim Lang que crease una banda sonora urbana, jazzera y que pudiese sentar el ambiente para esta idea de Craig. Y bueno, ya el mismo opening da esa impresión: El siete de octubre de 1996 se estrena "Hey Arnold!".

No es sorpresa para nadie que Hey Arnold! es mi serie occidental favorita y, junto a Pokémon, está ahí en el podio de lo central de mi infancia. Algo dice el que Pokémon, Hey Arnold y Sigur Rós sean los temas de las que más he hablado aquí. Pero bueno. Volviendo a la serie, Craig Bartlett tuvo buena relación con Klasky Csupó a principios de década y, además, él está casado con la hermana de Matt Groening (el creador de The Simpsons y Family Guy), así que la escuela y experiencia le llegaban por todos lados. Nick no iba a esperar si Hey Arnold! era un éxito o no, y a la semana siguiente del estreno del cabeza de balón, lanzó una segunda serie: KaBlam!

KaBlam! era un variety show similar a Animaniacs donde un par de cortos se presentaban dentro de cada episodio. El show fue co-creado por un joven Robert Mittenthal, y por el dueto de de Will McRobb y Chris Viscardi. Esos últimos dos nombres quizás no te suenen para nada, pero estuvieron bien presentes en varios episodios de Doug y Ren & Stimpy, además de ser las mentes creadoras tras Pete & Pete, uno de los shows insignia de Nickelodeon. Así que cuando este trío presentó los bosquejos de KaBlam!, Nick jamás se iba a negar.

Al principio KaBlam! parece un What a Cartoon!-versión Nickelodeon, pero ojo con la animación de KaBlam!, el punto donde ellos siempre se quisieron diferenciar. Sus cortos más conocidos: Action League Now!, Prometheus and Bob, Life With Loopy y Angela Anaconda, todos tenían un estilo de animación bastante indie y peculiar para la época. No sé, cuando veo Action League Now! no puedo no pensar en 31 Minutos. Cosas mías.

Angela Anaconda tuvo su propia serie a inicios de milenio, pero por razones que nunca entenderemos los derechos fueron vendidos a Fox Kids. Nickelodeon vendiendo ideas, ...no aprendieron nada con Ren & Stimpy y Doug parece (y esperen al nuevo milenio, ahí sí se pone chistoso).

Cartoon Network y Nick competían por los mejores puntos de rating. Acá Nickelodeon decide pelear muy inteligentemente: no hacerlo. Verán, en los 90s aumentaba la cantidad de televisores por casa, por lo que CN, Warner, etc., sabían que el horario entre las 16.30 y las 20.00 era cuando los chicos ya volvían del colegio y estaban solos en casa y con acceso a esa tele en el living. Ergo, ahí había que poner los mejores shows de la parrilla.

Sin embargo, Nickelodeon apostó por el horario de las 21.00: el prime time. Entre tanto NBC, Discovery Channel, TLC y otros canales bien famosos del catálogo yankee, Nick quería aparecer con sus mejores shows y decir "miren padres, estos son los shows que les ofrecemos a sus hijos y que pueden ver con ellos". Se aprovecharon que Hey Arnold! y Rugrats tenían un humor más adulto junto a todos sus colores y gags chistosos, cumpliendo así la doble misión de entretener a los padres que miraban tele con sus pequeños.

En Latinoamérica tuvimos el mismo fenómeno: Planeta Nick era este segmento de 90-120 minutos en pleno prime time donde el canal mostraba sus shows más nuevos y populares como Hey Arnold!, Sabrina: The Teenage Witch y Sister, Sister. De este modo también le dio a sus animaciones un tono más "adulto", al compartir tribuna con series live-action que apuntaban a un público adolescente.

A esa misma hora, CN mostraba Scooby Doo o Tom & Jerry, y Warner estaba dando alguna de sus series adultas. Nick se agarraba todo el rating de su competencia sin pelear con Johnny Bravo o Pinky & The Brain. Eventualmente CN comenzó a apuntar al horario prime, y la batalla continuó entre ambos canales. En 1997 estrenan su nueva serie animada: Angry Beavers.

(Sí, su apellido se pronuncia "shower")

Mitch Schauer ya venía de ser productor de Freakazoid! ("Fenomenoide"), así que la experiencia haciendo cosas raras ya la tenía. "Castores Cascarrabias" como se le conoció de este lado era la historia de los hermanos Dagget y Norbert mientras se adaptan a la vida adulta en un lugar perdido en Oregon. El humor sarcástico y un dibujo muy expresivo eran la tónica del show, pero ya en este momento notamos un patrón (muy de mierda) de parte de Nickelodeon. A Angry Beavers le fue bien, lo suficientemente bien como para darle cuatro temporadas. Sin embargo, cada temporada se iba haciendo más cara porque (predecible) más presupuesto se le daba a la animación, las voces, etc., al igual como pasó con Doug o Rugrats hace unos años.

Para Nick es más barato dar reruns de sus shows que pagar por más contenido original. Nick en 1997 estaba muy cómodo mostrando los mismos 52 episodios de Aaahh!!! Real Monsters y Rocko's Modern Life (que legalmente habían terminado a fines del año anterior. Ni hablemos de Doug que acabó el '94), y sólo accedió a darle más episodios a Rugrats porque era el fenómeno de la animación de la década. Incluso Craig Bartlett desde Hey Arnold! percibía los cambios de voz de Nickelodeon: antes era chipe libre y hacer lo que quisieras, pero cada vez más pasaban más tiempo en reuniones de pauta y menos animando.

Schauer notó este comportamiento con Angry Beavers. El último episodio de Angry Beavers es justamente ellos dándose cuenta que son dibujos animados y que están a punto de ser cancelados; en el episodio rompen la cuarta pared infinidad de veces y finalmente aceptan que su fin se acerca...y sas! Minuto 22, el show termina. Excepto que no terminó, porque las políticas del canal era de no hacer últimos episodios para así hacer infinitos reruns. El audio del capítulo lo pueden hallar por ahí en internet. Es...curioso.

(Ese mismo 1997 se estrenó Cow & Chicken en Cartoon Network, así que imagínense cómo estaban los ánimos para hacer crítica social)

Este pedazo de madera me enseñó que hay cosas que uno no quiere saber. Ni preguntar. 

Nickelodeon, aún cómodo con lo que facturaba su insignia Rugrats, estrenó el 4 de Abril de 1998 a CatDog, y le dio el mismo espacio en Planeta Nick que tenía la serie de bebés o el sitcom de la bruja adolescente. Los parecidos entre CatDog y Ren & Stimpy, Rocko's Modern Life y Animaniacs son fáciles de hallar. Peter Hannan, el creador, ya sabía qué funcionaba y lo rarísimo (ergo, destinado al éxito) que era poner en un mismo cuerpo la dicotomía de un gato culto y avaro y un perro chill y corazón de oro.

Y esta serie me recalcó que hay cosas que no quiero preguntar. 

La premisa de CatDog funcionaba en tanto los estereotipos clásicos de ambos animales (Perro odia al cartero, Gato odia el agua) y las propias personalidades de los dos personajes, junto a todo el progresivamente más extraño pool de personajes secundarios. Estoy seguro que Hannan sacó inspiración de Conglom-O (Rocko) para el Conejo Rancio.

CatDog fue un éxito y, durante un breve momento, parecía que era la serie que podría ser la nueva insignia de Nickelodeon. No, en serio...le fue super bien. CatDog estaba muy bien posicionado en los Kids' Choice Awards del '99 y 2000, pero sólo obtuvo el segundo el lugar. No Arnold!, no KaBlam!, no Sabrina, sino que CatDog estaba ahí dando la pelea en la misma categoría que Men in Black, Simpsons y Rugrats.

Hablando de segundos, el primer episodio de la segunda temporada de CatDog estrenó en cines. Durante 1998 fue el corto de entrada antes de The Rugrats Movie.

Quizás en este punto ya sientan que estoy siendo muy redundante con Rugrats, pero los $140.9 millones de USD que hizo en cines no es nada para mirar a huevo. Además fue el primer bebé de Nickelodeon films, así que en cierta manera esta película fue volver a 1991 cuando estrenaron la primera triada de series.

La película narra los eventos entre la quinta y sexta temporada de la serie, cuando Didi se embaraza y nace Dil Pickles, hermano de Tommy. Y ya, habrá mucho humor, música y Angélica buscando a Cynthia, pero también tiene una de las escenas más oscuras de toda la serie: Dil está junto a los monos y Tommy tiene un pote de colado de plátano. Él sabe que si vierte el colado sobre Dil los monos se lo llevarán y terminarán con todas las penurias que él y los bebés han padecido durante la película. Decide no hacerlo...pero ouch por lo potente de la animación allí.

Y ya que hablamos de animación hermosa, cerremos el año 1998 con una de mis series regalonas.

El domingo pasado The Wild Thornberrys cumplió 20 años desde su estreno. La serie creada por Klasky Csupó (sí, la pareja divorciada que hizo Rugrats) se centraba en Eliza(beth) Thornberry, quien podía hablar con los animales, y las aventuras que tenía alrededor del globo gracias al trabajo de sus padres. A esta serie siempre le destacaré dos cosas. Primero, la calidad de sus personajes, cada uno con su propia personalidad y background que se va explorando a medida que pasan las temporadas. Y segundo, el estilo de animación. Miren esos animales:

Y se veían, expresaban y comunicaban de maneras que hoy varios animadores fallan en hacer expresiones en humanos. La muerte de Rebecca la lloré tanto como el último episodio de Hey Arnold! o el especial del Día de las Madres de Rugrats.

Durante los últimos cinco años del segundo milenio, Nick estrenó algunas de las series hechas con más amor de todo su canal, y eso se aprecia en varios segmentos de sus shows. El hombre paloma, la navidad de Arnold, Firulais peleando con el lobo y los padres de CatDog, por nombrar un par. Si Nick hubiese visto la fanbase que estaba creciendo alrededor de sus shows, en lugar de ver sólo los dólares que caían, quizás los porrazos del tercer milenio no habrían pasado, porque chucha que fueron porrazos duros...

...pero eso va para la Cuarta Parte de esta Era Nickelodeon de la Animación.

Saludos al Niño Chocolate.

[Parte IV]

La Era Nickelodeon. Parte II

(Parte I, Parte II, Parte III, Parte IV, Parte V)

A veces creo que es mejor que en los títulos no se pueda poner todo el texto que pretendo, así lo puedo hacer con más libertad acá. Bienvenidos a la segunda parte de la que bauticé como:

La Era Nickelodeon de la Animación. Parte II: "Expandir el rubro"

Las compañías que imperaron durante el siglo XX no iban a dejar que su trono fuese contrariado por estos recién llegados. El "renacimiento de la animación americana" fue ese período entre mediados de los 80s y 90s donde varias compañías gringas se renovaron para arrancarse un poco de sus shows clásicos que eventualmente les llevaron a un declive la década anterior. Disney después de un silencio estratégico de los 80s estrenó en 1989 The Little Mermaid ("La Sirenita"), y en 1993 se pusieron experimentales con The Nightmare Before Christmas en la Halloween de ese año, película a la que también le fue demasiado bien.

Warner Bros llegó a los 90s literalmente viviendo del éxito de hace treinta años con Looney Tunes (¡¡y aún les funcionaba!!). Se actualizaron en 1993 cuando sacaron Animaniacs, un show en formato sketch donde cada episodio estaba a su vez dividido en pequeños cortos con gran cantidad de personajes, cada uno más colorido y excéntrico que el anterior.

Nickelodeon no se iba a quedar atrás así que le pidió ayuda a Joe Murray. Él era un caricaturista que escribía cómics políticos contra tal o cual muchacho del gobierno gringo, y en los 80s hizo bosquejos de My Dog Zero. Estos cómics fueron la base de un canguro (¡walabi!) llamado Rocko, el cual logró hacer un piloto y presentárselo a Nick. Ellos le dieron luz verde.

Dos meses antes de comenzar a dibujar los primeros episodios de Rocko, la esposa de Joe se suicida. Él creía que Rocko era una de las razones, ouch. Con ese duelo comienza a garabatear los primeros personajes: Rocko el personaje principal, una vaca (¡res!) llamada Heffer que sólo piensa en comer, Filburt la tortuga neurótica, etc. Quizás fue el mismo luto quien permitió a estos personajes ser tan disparatados. En cualquier caso, Rocko's Modern Life estrenó el 18 de Septiembre de 1993.

Una mezcla de luto, la experiencia como dibujante político de Joe, la puerta que abrió Ren & Stimpy hace dos años y Animaniacs en Warner le dieron permiso a Rocko's Modern Life ser todo lo sarcástico que querían ser, muchas veces tocando temas políticos que recién hoy estoy comenzando a entender. De cabro chico yo sólo veía padres siendo muy crueles con sus hijos, compañías siendo hinchapelotas (sabría yo qué estaba viendo...) y varios colores. Joe pensó que su show duraría sólo una temporada y fin, así que la sorpresa fue grande cuando le firmaron contrato para una segunda, y así 52 episodios. Los terminó, tomó sus cosas y se fue en 1996 a seguir dibujando cómics.

Los más atentos habrán notado que hasta ahora no he hablado de Rugrats, Doug o Ren & Stimpy, a pesar de que dije que les fue muy bien en la primera parte de este texto. Y uff. John Kricfalusi estaba hasta los cocos de Nick y que se entrometieran con el proceso creativo de Ren & Stimpy, más cuando vendieron su idea a otra productora. Doug había sido planeado como 65 shows separados en temporadas de 13 episodios. Sin embargo, la cuarta temporada ya estaba siendo muy cara y Nick buscó mejores ofertas. En 1994, optaron por venderle el show a ABC quien a su vez era subsidiario de Disney. Si bien Jim Jinkins seguía siendo dueño intelectual de Doug, otras responsabilidades, cambios en el staff, etc., hicieron que las siguientes tres temporadas de Doug sufrieran en calidad. Doug seguiría hasta 1999 en las manos de Disney en un formato que para muchos nos es ajeno en latinoamérica, sólo miren este opening y díganme si lo conocían.

Y por último, Rugrats. Después del divorcio entre Arlene Klasky y Gábor Csupó la cosa lentamente se fue al sur. Terminaron de hacer los episodios originales y en 1994 la serie cayó en un hiatus. Además, el show tenía un éxito apenas moderado en aquel entonces, por lo que Nick no hinchó mucho. Sólo se produjeron dos especiales post-94, uno donde Tommy recrea la historia bíblica de Moisés y uno donde los bebés celebran Hanukkah. Irónicamente, fueron de los episodios más aclamados de la serie.

El divorcio y el no tener a Rugrats bajo el brazo le dio libertad a Gábor para crear un nuevo show: Aaahh!!! Real Monsters.

(Este episodio es de Rugrats pero sirve igual)

En ese entonces usar animales como protagonistas era la moda, así que Gábor Csupó se subió al carro y bosquejó monstruos que a su hijo le gustaran. El show estrenó en 1994 con los clásicos 65 episodios y tuvo un éxito decente; críticos decían que era todo lo grotesco de Ren & Stimpy pero con una cuota más de suavidad que lo hacía más digerible. La misma Nightmare Before Christmas de Disney del año anterior sirvió para motivar este gusto por los "monstruos lindos", y Csupó aprovechó ese vuelo.

1994 fue también el año que Nick estrenó Gullah Gullah Island y Allegra's Window en Nick Jr, los primeros shows originales para ese bloque. Además, parte del rebranding del bloque y darle una personalidad propia, se creó a Face/Cara entre bloques publicitarios.

(Tu-tu-ruuuu ♫)

Como sea, Nick se mantuvo silencioso en el gap 1994-1996 y Cartoon Network no iba a desaprovechar su ventana. En 1995 estrenó What A Cartoon! ("Qué historia tan maravillosa! El show"), un espacio donde CN financió a una serie de animadores jóvenes y estudios incipientes para que mostrasen sus pilotos. De ese caldo de cultivo salieron algunas de las series legendarias del canal como Powerpuff Girls, Johnny Bravo, Robot Jones, Megas XLR, Cow & Chicken (ergo, I am Weasel también), y por supuesto...esa serie. Ustedes ya saben de cuál estoy hablando, la serie que puso a Cartoon Network en el mapa y fue la creadora del término "Cartoon Cartoon". No tengo ni que decir su nombre, ustedes ya saben cuál es, saben que iba a venir, la única y la grande, la que requiere no introducción. Digámosla juntos mientras suena el opening: esta serie.

A pesar de que Cartoon Network tenía a los gigantes de Hanna Barbera, éstos eran animación de hace más de 20 años por lo que requerían algo fresco y joven. En ese marco, "What a cartoon!" fue caída del cielo porque era chipe libre a todo lo raro, excéntrico y diferente. A través de encuestas preguntaban "¿Cuál es el show que más te gustó?" y Dexter's Laboratory por Genndy Tartakovsky fue el primer ganador. Animaniacs (y el spin-off Pinky and the Brain) y Dexter's Laboratory fueron señal de alerta para Nick que no podían acomodarse con sus shows de 1991 y sus dos animaciones nuevas (que ya tenían dos años).

La cuarta temporada de Rugrats se anunció en el '96 y estrenó al año siguiente, después de tres años de reruns y que los fans pidieran más y más. Esos años de hiatus sirvieron para hacer crecer la fanbase y que Rugrats se convirtiese en la serie más importante de Nick en ese entonces. La cuarta temporada abre con el especial de Hanukkah y luego mi episodio favorito de Rugrats: "Mother's Day", el que como se pueden imaginar gira en torno a esa fecha y a Melinda Finster, la mamá de Carlitos que nunca había aparecido en la serie.

Arlene y Gábor no dibujaron a la mamá de Carlitos por el presupuesto que significaba hacer a otro personaje en la primera temporada, y subsecuentemente su ausencia se hizo más notoria. Habían dos opciones: Chaz y Melinda están divorciados, y Melinda está muerta. La primera era compleja de dibujar en un contexto infantil, y la segunda estaba vetada porque era muy brutal hablar de un muerto en un programa para niños. En las primeras temporadas, Nickelodeon explícitamente les prohibió a Klasky Csupó tocar a Melinda porque los únicos dos escenarios (divorcio y muerte) eran muy difíciles de animar.

Y hey...lo son. Al fin tuvieron luz verde, y qué luz les dieron.

Se habla que Melinda amaba jardinear y amaba hacerlo con su hijo al lado, por eso Carlitos tiene sueños muy borrosos donde se arranca de una mariposa pero al llegar a los brazos de alguien en su patio, el miedo se va. El episodio gira en torno a Carlitos buscando una mamá y finalmente encuentra una caja que dejó Chaz con todas las cosas de Melinda, las cuales Carlitos siente familiares. Didi le insiste a Chaz que comparta todo esto con Carlitos, así podrán extrañarla juntos, y él le lee a su hijo el diario de Melinda cuando ella entró al hospital. El árbol que hay en el patio de los Finster es uno que plantó Melinda y simboliza el que ella siempre estará ahí para Carlitos.

Este es de un episodio bastante posterior, pero sirve igual.

Peanuts en 1990 hizo un episodio sobre una niña con cáncer, y en 1997 Nick se atrevió a hacer algo igualmente crudo con la muerte de Melinda y el luto de Chaz y Carlitos. El especial le valió una nominada al Emmy y otra al Premio Humanitas, por lograr hablar de un tema tan serio de tal manera que Carlitos pudiera entender.

Volvamos a 1996 cuando aún la cuarta temporada de Rugrats estaba en proceso, porque ese año Nickelodeon estrenó tres de sus shows más importantes. ¿Se acuerdan de Nick Jr.? El canal se creyó el cuento y se asesoró con Todd Kresler, Angela Santomero y Traci Page Johnson para incluir contenidos de aprendizaje infantil temprano junto a las tendencias de comportamiento de preescolares. Kresler había trabajado previamente en Plaza Sésamo pero el formato no le gustó por hallarlo muy estático. Buscó algo dinámico, pedagógico y que estimulase la participación del televidente. Nick le dio un miserable presupuesto de $150.000 USD al grupo de producción para crear un piloto que incluyese todas estas ideas.

El 8 de Septiembre del '96 se estrenó "Blue's Clues" (Pistas de Blue). El show fue un éxito instantáneo, todos los estudios previos habían probado ser ciertos y tanto a niños como padres les encantó la carisma de la perra (que la misma Traci Page hizo su voz porque había que ahorrar). Aún hoy, Blue's Clues es el show preescolar más visto de todos los tiempos, superando incluso a su predecesor espiritual Plaza Sésamo.

Originalmente lo iba a co-presentar una mujer, pero Steve Burns fue quien resonó más en los focus groups entre más de 1000 postulantes. La idea era que Steve lograse mantener la atención en lo que estaba ocurriendo y que los peques no se perdieran en temas secundarios del programa, así como potenciar su autoestima y los procesos cognitivos del show. Después de casi 100 episodios Steve dejó el programa en excelentes términos porque "no quería quedarse calvo en un programa para niños".

Mi idea original era tocar en esta entry las otras dos series de 1996 porque son muy importantes (y porque las mencioné en el post anterior), pero ya en este punto superé los 10.000 caracteres y hablar sobre esas dos me haría extenderme demasiado. Así que lo dejaré para la parte tres, pero coloco un pequeño spoiler de lo que vendrá, porque el final de siglo fue un período bastante intenso para Nickelodeon, Cartoon Network y la televisión animada occidental en general porque...ya saben, las pokébolas, el poder la Luna y el kaio-ken cambiaron profundamente a los cabros chicos de Latinoamérica.

La próxima parte trae a los estudiantes de la Pública N°118, los amigos de Meltman que tiene el poder de derretirse, unos hermanos castores, una niña que habla con los animales, Nickelodeon yendo al cine y un buen día con un guau y un miau.

Saludos al Señor Sal y Señora Pimienta.

[Parte III]

La Era Nickelodeon. Parte I

(Parte I, Parte II, Parte III, Parte IV, Parte V)

La década pasada vi unos documentales sobre la "era dorada de la animación" de los años 30s y siempre me llamó la atención la nostalgia y amor con que la mencionaban. No eran monos animados. Eran sus infancias, eran los personajes que forjaron quienes ellos fueron como personas. Y eran enfáticos en que algo así jamás podría ocurrir otra vez, que esos genios nunca estarían juntos en un mismo lugar de nuevo.

Y estoy en desacuerdo. Ya podrán imaginar a dónde voy con el título, pero soy un convencido que lo que hizo la cadena estadounidense Nickelodeon durante los 90s e inicio del nuevo milenio terminó siendo una metralleta de shows de (por lo menos) excelente calidad y que forjaron a una generación de cabros chicos alrededor del mundo. No eran sólo monos animados, no era slapstick comedy, eran shows más crudos y maduros que algunos de los dramas más aclamados de nuestro tiempo.

Esta cosa que leerán es la primera parte de una revisión histórica detrás de la que bauticé como la Era Nickelodeon de la Animación. Y por supuesto que hablaré sobre el Hombre Paloma, Zim Come Waffles y Melinda Finster, pero partamos por el principio del comienzo. El título completo de la entry (que no alcanzaba arriba) es:

La Era Nickelodeon de la Animación. Parte I: "El primer Domingo"

Nickelodeon nació a fines de los 70s para abarcar el rango etario 5-17 años, pero tuvo números rojos por todos lados. Fue gracias a unirse a un jovencito MTV que Nick agarró personalidad. Los ejecutivos le "metieron diseño" al logo y al branding y se apodaron "The First Kids' Network" ya que eran la única señal que en ese entonces estaba completamente dedicada al público juvenil. Disney Channel apostaba a un público más infantil y es...bue, Disney, por lo que Nick tenía allí una pequeña ventana que supo aprovechar.

Si bien se dedicó a dar reruns (retransmisiones de shows que ya se daban en otros lados o series que transmitió hace unos años) mal no le fue en ese cambio de década, hasta tuvieron el espacio para crear su bloque Nick Jr enfocado en preescolares (Cara, gracias por tanto).

Los 90s trajeron dos novedades. La primera fue el nacimiento de la señal Cartoon Network en 1992 íntegra y únicamente dedicado a cartoons y animación durante las 24 horas, que en aquel tiempo se dedicó a reruns de shows de MGM, Warner Bros y Hanna Barbera. Cartoon Network era además parte del conglomerado que incluía al canal de cine TNT y al noticiero CNN, por lo que su poder de difusión no era pequeño. El rival eterno de Nick.

La segunda y más relevante para nosotros es en 1990 la creación de Nickelodeon Studios, un caldo de cultivo para cualquier idea desbaratada que pudiese significar una producción original capaz de competir con un mercado de televisión por cable cada vez más abultado. Al año siguiente estrenó el primer trío de shows originales: Doug, Rugrats y Ren & Stimpy. En tan sólo 90 minutos de esa tímida tarde del Domingo 11 de Agosto de 1991, Nickelodeon testeó si sus tres creaciones tendrían algún éxito.

Si no te pasa nada al oír esto, no tienes alma (o eres muy joven).

Toquemos a Doug primero. Comienza en alguna carretera donde Doug está nervioso porque él, su familia y su perro (Chuletas) se mudarán; mucho de lo que pasa lo narra Doug mientras se lo cuenta a su diario. En la ciudad conoce a Skeeter/Tito Valentine y en nada se hacen amigos. En uno de los lugares de comida rápida más populares, Doug conoce a Patricia Mayonnaise con quien adquiere un crush inmediato que durará toda la serie, y a Roger "Rufo" Klotz, el bully de la clase. Rufo logra engañar a Doug y hace que él tenga que ir a la laguna del pueblo a buscar un braquiopanto para ganarse el respeto de los niños y, por supuesto, de su dulcinea.

Durante 52 episodios la primicia del show se mantendría en este formato. Doug narraba en su diario algo que iba pasando y cómo él en su mente solucionaría el problema. En su imaginación él podía transformarse en el Hombre Codorniz, una especie de superhéroe y su fiel Perro Codorniz lo ayudaba. En la realidad, Doug era sólo un flacucho que poco podía hacer pero mediante la narración que hacía en su diario él ganaba fuerza para salir adelante. Era un tipo normal sin mayores dotes y esa era la gracia. La serie tocó varias veces el bullying entre compañeros de clase, la autoestima de los pubertos, y rumores dentro y fuera del aula.

Jim Jinkins es el creador de Doug y mucho de lo que vimos en pantalla fueron bosquejos y daydreamings que el mismo Jim hizo en su croquera, imaginándose a través de este Doug y los miedos, sueños y reflexiones de su propia juventud. Rufo, por ejemplo, es el vecino de la infancia de Jim y mucho de su bullying fue el que Jim realmente sufrió, Tito es su mejor amigo de la secundaria y Patty está basada en dos crushes de Jim. Si bien los hechos no son autobiográficos, las emociones sí. Y eso me encantó de la serie; quizás no pasaba mucho en términos de acciones, pero sí de diálogos y divagaciones. Fue tan autobiografía emocional que mientras discutían sobre el storyboard de un episodio, alguien comentó que dadas las personalidades de Doug y Rufo era imposible que tal secuencia de eventos ocurriese como la estaban dibujando, llega Jim y dice "hay que dibujarlo así porque así fue como pasó". De repente el episodio del primer beso o de hacer ejercicio se sienten distintos.

Mención especial merece "Doug's Christmas". Una compañera de él está patinando en el lago congelado y el hielo bajo ella amenaza con romperse. Chuletas corre para rescatarla y en el proceso muerde su pierna para arrastrarla fuera del peligro. Sin embargo, a ojos de ella (y de toda la ciudad) Chuletas la atacó sin razón y deciden dormir al perro. El episodio gira en torno a Doug haciendo todo lo posible para que no maten a su mascota, sus papás no le creen, Chuletas no le logra hacer entender qué está pasando, y el poder económico y mediático de su compañera está por sobre el de Doug. Doug recibió a Chuletas navidades atrás como un regalo y ahora lo iban a matar. Contextualicemos: Doug es un niño de 11 años y ese episodio apunta a personas de ese rango etario. Acá tenemos 20y algo minutos de un púber intentando salvar de la muerte a su perro por un crimen que sólo Doug sabe que Chuletas no cometió. En cada storyboard escribían en la pizarra el valor que dicho episodio quería retratar, y siempre trataron de dibujar hacia allá, no una aventura.

Doug era un show indie y su éxito fue indie. Suficiente para estar tres años siendo reproducido en Nickelodeon desapareciendo en 1994 (para volver dos años después), pero ante de eso hay que hablar del segundo show de la triada. Y para qué venir con cosas, no se puede hablar de los 90s sin hablar de esta serie. El mismo CEO de Nickelodeon dijo que este show es el Mickey Mouse del canal y con justísima razón.

Pongamos otra foto de los bebés.

El matrimonio de Arlene Klasky y Gábor Csupó veía interactuar a sus hijos y se preguntaban "¿qué pasaría si los bebés pudiesen hablar?". Su hijo Brandon sirvió además como plantilla para crear un bebé con polera celeste y curiosidad infinita y lentamente se fue armando el elenco. Al principio uno puede pensar que las desventuras de cuatro bebés aburrirán pronto, pero Rugrats logró extenderse por 65 episodios en tres temporadas. Rugrats fusionaba una aventura light de bebés y las reflexiones a veces profundas de Tommy Pickles, Chuckie/Carlitos Finster, y los gemelos Phillip and Lillian (Filiberto y Liliana) deVille mientras gateaban por ahí.

Y por supuesto, Angélica.

Angelica Pickles es la prima de Tommy y la única que entiende a bebés y adultos, manipulando la situación a conveniencia. Recuerdo este episodio donde Carlitos está aprendiendo a ir al baño solo, y Angélica lo tortura abriendo y cerrando la llave de la cocina para darle ganas de ir. O cuando se queda en la casa de Tommy y manipula a sus papás para cocinarle galletas y café caliente a las 3 am. Nunca olvidar: Angélica demandó a sus propios padres en un capítulo, hácete esa Hanna Barbera!

La crueldad borderline-sadista de Angelica fue tema de discusión varias veces entre Klasky y Csupó, Arlene sentía que se estaban pasando de la raya y que ya era demasiada maldad para una niña de apenas tres años.

En 1992 Rugrats ya era la caricatura de Nick más conocida (...sólo habían tres en todo caso) y el matrimonio de Arlene y Gábor se había disuelto, por lo que habían excusas para explorar el background psicológico de Angélica en la segunda y tercera temporada, allí se mostró que es una mezcla entre egolatría y que sus papás trabajólicos nunca la tomaron en cuenta. También desarrollaron un personaje para autoburlarse de sus propias discusiones: El Dr Lipschitz. Didi (la mamá de Tommy) quería criar a su hijo y sobrina de la mejor manera por lo que leía a este pediatra y tomaba su consejo a rajatabla. Si Lipschitz no lo decía, no se hacía. Eventualmente se empodera de su rol como mamá, se descubre que Lips' no sabe más que ella y el nudo se resuelve; pero Lipschitz era la voz de la conciencia de Nick diciendo "hay que hacer lo correcto" mientras Klasky & Csupó opinaban "equivoquémonos y al cagarla, la arreglamos después".

Al igual que Doug, Rugrats vio un moderado éxito en su run inicial. Nick tenía a gente joven y con sus shows originales querían ser edgy, arrancarse de los clásicos cánones de Looney Tunes y Disney y en ese marco el tercer show de ese Domingo 11 caía de cajón. No había donde perderse: Ren & Stimpy fue el tercer estreno.

Personajes excesivamente exagerados, ojos grandes, humor bastante negro para 1991, controversias y polémicas de la época que a su vez evitaban tocar temas puntuales de aquel año para no caer en obsolencia en un rerun. Igual que los otros shows, Ren & Stimpy nació en la croquera de un joven John Kricfalusi que hacía bosquejos de un chihuahua neurótico (Ren) y su pelotudo amigo gato (Stimpy). Fin. Ren & Stimpy no necesitaba más premisa.

El mismo John los describió así: "Ren es un hijo de puta y Stimpy un retardado. Y todos conocemos a alguien así, son personajes universales". La falta de trama también fue una ventaja. -recrearon la leyenda de Robin Hood, después fueron al espacio, y en otro episodio llenan la ciudad con carteles de "se busca" a un peo que se tiró Stimpy. La trama era la interacción entre ambos mamíferos. En 1990 cuando se fundó Nickelodeon Studios, la marca estaba falta de ideas y el proyecto de John fue recibido con puertas abiertas. Por eso las primeras dos temporadas son más "libres" en términos de producción. Al avanzar el tiempo y el éxito de la serie, Nick comenzó a preocuparse por lo grotesco de algunos episodios, temáticas y el artsyle en general. Compromisos aquí, direcciones creativas allá.

Con apenas 18 episodios, a mediados de 1993 Nick vendió Ren & Stimpy a otro estudio (del cual John no tenía jefatura) y le ofrecieron a Kricfalusi ser consultor de la tercera temporada. Él rechazó y la nueva dirección creativa de las siguientes tres temporadas tendría un tono más suave y menos contestatario que las originales. La única manera en que los ejecutivos de Nickelodeon y Kricfalusi podían hablar era a través de abogados.

Cuando digo "más suave" sigue siendo para estándares de Ren & Stimpy. Es quizás la serie original más original que proyectó Nick, le cortaron las alas a su creador y después de cuatro años cesaron emisiones. MTV apadrinó la serie en 1996 porque ellos tenían más libertades al apuntar a un público más amplio y adulto.

Yo sé que nunca lo reconocerán, pero fue gracias a Ren & Stimpy en Nickelodeon que David Feiss tuvo los cojones en 1997 para decirle a Cartoon Network "quiero hacer una serie en ese estilo pero con una vaca, un pollito y unos papás sin cara".

Doug, Rugrats y Ren & Stimpy tuvieron moderado éxito en su tiempo y uno que otro premio en su original run, pero Nick se pegó los alcachofazos y les dio suficientes reruns para que agarrasen fuerza. Todo eso y más será mencionado en la segunda parte de la Era Nickelodeon de la Animación: una academia de monstruos (que estoy seguro Monsters Inc plagió), producciones originales para preescolares, la decisiva y colorida arremetida de Cartoon Network, un niño cabeza de balón que vive en el hostal de sus abuelos, un lugar donde los dibujos animados y las historietas se encuentran, un canguro (¡walabi!) que intentó sobrevivir a las corporaciones y la consagración de Rugrats.

[Algún día aquí existirá el link a la Parte II]

Saludos a Jim Jinkins.

The Day that changed my life

Title isn't overreacting.

[Disclaimer en español: El siguiente entry estará en inglés porque en mi cabeza funciona mejor. No se descarta que luego lo traduzca, si leen mi blog saben que igual me gusta escribir hihihi]

August 1st, 2008 is the single most important day of my life. What happened that day and what happened afterwards shaped me as a person and the more time goes by, the more I realise how different the Javiers pre-1st and post-1st are. That day I arrived in Gardermoen Airport, Oslo. The day I began my exchange.

Let's begin from the beginning. On my second year of high school they were promoting exchange programs through AFS (American Field Service) and I checked the website to see what that was about. I looked into Europe out curiosity, but not the super famous Europe everybody knows. Nah, I wasn't for the Coliseo, the Bradenburger Tor or the Tour Eiffel. What do you think I am? Normal? Ha! No. I wanted to go to that one place I could barely place in a map and describe the flags: Skandinavia. Roughly around March 2008 I got the letter (yup, letters. That old): I got accepted. Norway. Halden, a tiny town at the south east, quite close to the border with Sweden.

As soon as we left the duty free on Gardermoen we saw a ton of kids wearing a yellow t-shirt saying "AFS Intercultura". When I told them we were from Chile they started to yell some stuff in italian and oh lord those kids were loud. AFS Norway is divided into five geographical zones and we were placed at the eastern side, for a week we stayed in a school in the town Skjeberg, near Sarpsborg. And for the first time in around 48 hours or more, I had the chance to sleep.

I shared room with Fai from Hong Kong, Lars from Germany and Knesk from Thailand and after a week we all became pals. In total we were around 35 students from USA, Costa Rica, Venezuela, Brasil, Italy (...obviously), Switzerland, Belgium, Germany, Czech Republic, China, Hong Kong, Thailand and Australia. I think if I try it super hard I could be able to name them all. Great week, and finally....home. To Halden.

One of the core ideas of AFS is to live and immerse yourself in the local culture. They weren't able to find one for me so I stood with the Sørlie family for the first week or so. I remember that week as getting to know the town, seeing Fredriksten Fortress, seeing my school and cuddling with the cat: Yuki.

Because everything is better with a cat. Everything.

A few days later AFS found a permanent family to me: the Skevik-Johanssen. Ann-Kristin, Reidar, Tula and Frøya (the dogs) and Pussen (the cat. More on him later). I had three windows on my room, so every time I woke up I could see how slowly but steadily winter was approaching. Because oh boy winter in Norway is the real deal.

In Halden, winter means darkness, -12°C and snow, lots and lots of snow. And I didn't realise at the time, but that "darkness" part hit me hard. Thinking that's super late and the day is over but it's only 16.30 while I was walking home after school, alone, while it's snowing, it's dark and having all these conversations with myself about fitting at home, at school, with my friends, that I wasn't able to speak properly the language despite being Ra-knows how many months and so on. Knowing that a fellow exchange student who was a super good friend of mine was coming back home because she couldn't handle it. I remember Reidar telling me that I had to endure it, that spring will come and eventually everything will flourish and fix...

...and that's exactly what happened. The snow turned into rain and then into flowers. The darkness turned into DAMN long days. My friend was a Russ and he got me into every Russ party he could. When the fellow Russ looked weird at me, he grabbed me by the arm and shouted "Hei alle sammen! Han er Javier. Han er fra Chile. Og han er min venn. Skål!". Roy, if you ever read this...takk.

The last week was strange. Rainy and strange. I cuddled with Pussen, took longer walks with Tula and Frøya and looked at Fredriksten a lot. The last camp at Skjeberg, with many of the familiar faces and a few new ones who changed family. Lars had to take a flight early and I still remember the hugs in the parking lot, that last dinner and we crying with my chinese and italian friends like there was no tomorrow. Because there was no tomorrow. And just like that...I woke up in Chile after 348 days in Norway. It was over.

As Billie Joe would say: It's something unpredictable but in the end it's right. I hope you had the time of your life ♫.

I felt I wasn't neither from here nor there, but I was here. The infamous earthquake we had in 2010 brought a ton of people from every corner of the world asking if I was ok, and the Utøya mass shooting and the Oslo terrorist attack in 2011 also felt super close. Nobody I knew was directly involved, but it wasn't another headline on the news. Those were places I cared, people I cared, a country I cared. I was watching NRK online and in the other tab asking all my friends if they were ok or if they knew about this or this person. Those two events left a mark on me, not only because both Chile and Norway felt them really hard, but also because we people in different corners of the world cared about each other. Bittersweet that two tragedies helped me connect with everyone, but they did.

In 2013 I discovered the program PME (Student Mobility Program in spanish). I learned that my university has agreements with many entities around the world, University of Oslo included. I had to apply. Eventually I got accepted and hell yeah...time to go back in time, sort of.

I followed this romantic idea of coming back to Norway, to the place I had so many fond memories. To that extent I carried my dream that I chose to arrive on another August 1st (2014 this time). And it happened. Now what? I remember the fear and the uncertainty rushing through my thoughts when the woman in front of me drops her passport without realising. "Kongeriket Norge". "Sorry, it's yours!" I say in norwegian, and her reply is "Oh! Takk skal du ha!". My first conversation in norwegian in ages. It finally clicked on me: I was at home.

Hjem.

I lived in Sogn during that time, near downtown Oslo and super close to my university in Blindern. I used those first weeks to get to know the town, campus and to go back to AFS Norge. In one of the many activities the Universitet i Oslo (UiO) did for the beginning of the semester, I happened to walk pass the stand of Cybernetisk Selskab, a nerd club/bar run by volunteer students at the UiO. They invited me to join. Come on: they were playing Mario Kart in the middle of a student party. How could I say no? The bar is called Escape and it's one of the places where I spent most of my free time that year. In retrospective, I think Escape and this lake could be my favourite places of my exchange. I mean, look at it!!

Maridalsvannet.

My exchange was originally for a semester only, my mum was very clear that I needed to find a job in order to stay for the entire year because damn Norway is expensive. All my attempts failed and I was scared to go back "early". In one of the many activities the students did, this girl told me that she was going to talk to her boss. The snowy monday after Christmas I had my interview at the kitchen in the Diakonveien hospital. I got in. A long chain of miracles and funny coincidences allowed me to stay in Norway longer. Jana, if you ever read this...thanks. Хвала.

Going back to Halden was also an interesting experience. Going back home. I had the chance to meet both Sørlie and Johanssen, as well as the new kids on the block. In the Sørlie side, my brother and sisters were making their own lives with kids and exchange sons as well, and in the Johanssen side my host brother had her daughter. I met her back in 2008 (or 2009?) as a baby, now she was a competent kid who I could tease and make fun of. I have nephews and nieces in Norway! :D

And of course: Pussen. He was always a quiet cat. He wasn't fond of outsiders but loved being petted. I arrived at home when he was eating in the kitchen, hopped to run through the stairs but he stood in front of me, giving me this "yeah, I know you from somewhere, kiddo"-look. My mum told me that after I left in 2009 he kept sleeping in my bed. And after all those years, I only needed to grab him and he started purring again. As if time never passed.

But time did pass. I had long conversations with my parents about the past, the future, climate change, flavours of pasta and everything in between. After a hug like those of 2009 I took the train back to Oslo because exams. I was particularly worried about the norwegian exam. More than a grade it was a personal challenge, and I remember asking/annoying many norwegian friends as I asked them how to say this or that. A week later they told me I got a B, which also certificates me as a competent norwegian speaker. If there's but one moment where I felt truly proud of me, was that one. If you ever read this Kaja...takk, du hjalp så utrolig mye, med så mange ting.

As if time never passed, there was an italian friend also hanging around Norway at that time and we had to meet up. We walked around Fredrikstad gossiping about our host families, our native countries, about norwegians and everyone else in between. Just like a bunch of teenagers who met in Skjeberg three days ago. We were so busy chatting that we didn't even take a photo to remember the encounter, we even got lost in Fredrikstad looking for the train station. And just like last time, we said "see ya!" because a goodbye wouldn't be the right word.

And just like last time, July 15th arrived. Time to go back. The sun shone until I arrived to Gardermoen, then the pouring started. "It's like even the country is crying" told me a friend on Facebook. Took my flight and luckily the plane had "American Idiot" which was played on repeat thorough the Atlantic Ocean, and finally saw the Andes covered in snow.

This post could go on and on and on forever, it's crazy how time passes. Friends have children and I want to meet those kids and say "you know, I say your mummy falling on ice when she was 16!". Friends got married and I couldn't feel happier for them. Friends I would have never met without this experience. Families I'd never feel as "family" if fear would have kept me outside of this. Thank you, Javier from 10 years ago, for jumping into this adventure and forever changing your life in the process. And thanks to everyone who jumped in along the way.

[I really wanted to post the photo where Morgaine looks like crying but I couldn't find a place, so here it is <3 ]