10 discos que me gustaron de los 2010s

Ya llevamos un par de meses desde que los turbulentos 2010s se terminaron. Ya todo el mundo dio sus listas de discos del año, de la década y no sé qué. Y eso significa que seguir hablando de los 2010s es más tranquilito y podemos dejar de decir que Fiona Apple y Swans fueron tan increíbles. Porque pucha, hubo harto más (Pero sí fueron increíbles, no te lo niego).

A lo que nos convoca. ¿Por qué este tipo hace esta lista de 10 discos que le gustaron de los 2010s? Porque me da flojera hablar de ellos por separado y así hago una pincelada más amplia por todos los estilos depres musicales que escucho. Este blog nació en parte como blog musical, y creo que estos listados son una buena manera de continuar la tradición. No hay orden cronológico. No hay orden alfabético. No hay orden de preferencia. Son sólo 10 discos que me gustaron de esa linda década que nos dejó. Ahí vean si alguno les gusta :D. Comencemos

Caspian - Waking Season (2012)

Por esas cosas de la adolescencia, escuché muchísimos álbumes post-rock entre el 2004 y el 2007, entre ellos el debut de Caspian. Me gustó. Después sacaron un segundo, que me gustó mucho más. Y me dije "oye si el tercer disco sigue la tendencia, va a ser la patá". Y así fue. Waking Season es la patá.

Lo que me encanta de Caspian y que siento que los diferencia de otras bandas del género es que se toman su tiempo para construir sus narrativas. Y con eso no quiero decir que te hacen una lata insufrible de poquitas notas a lo lejos, o que hacen paredes de sonido borderline-orquestales hasta que todo se revienta porque el instrumento no te da más. No. No son lánguidos ni simplistas, y tampoco son odiosamente técnicos (si es que hay rasgos math-rock son muy sucintos). Siempre tienen algo pasando, y sus temas tienen valor como temas suelto así como en la unidad que es Waking Season. "Gone In Bloom And Bough", por ejemplo, es capa tras capa de sonidos que hacen la suma de sus partes, "Halls of Summer" que es otra canción wonita instrumental con pianos y guitarras al unísono, y "Akiko" que te da esa calidez en el pecho con -de nuevo- esa mezcla piano + batería + guitarra. Y los outros de Caspian que siempre han sido de temer, "Fire Made Flesh" es temazo cuando todo explota y tú quedai como "ah, ya. Todavía se acuerdan de cómo pulverizar uñetas".

Yo sé que el post-rock no es el género más simpático del mundo, pero Caspian es excelente banda on its own right y "Waking Season" es alto álbum cualesquiera su métrica. Ah! Y Philip Jamieson, el guitarrista principal y a veces vocalista, es abierto pro-vacunas. En estos tiempos es necesario.

Aquí Halls of Summer en YouTube y aquí en Spotify.

 

きのこ帝国 - Eureka (2013)

Érase un Javier pequeño e inocente vagando por el canal "Japanese Shoegaze" (hoy Asian Shoegaze) de YouTube, cuando la caratula de este disco me llamó la atención. Ya, nunca juzgues un libro por su portada, y en verdad el primer tema no es nada del otro mundo. No tiene los pedales al infinito que caracterizan el shoegaze japonés, ni esa voz ahogada a lo My Dead Girlfriend, banda que estaba obsesionado en aquel entonces. Pero ahí llegué hasta los últimos coros y todo empieza a subir de nivel: la voz se hace más rápida y como que le cuesta pronunciar sus propias sílabas, y las guitarras hacen un muro que casi se le cae encima a dicha voz. Me interesé en estos chicos llamados Kinoko Teikoku (que en Spotify sale todo junto: Kinokoteikoku. Pero no. Está mal. Es separado).

El cuarto tema, " 国道スロープ " (Highway Slope) es un rock de cuatro minutos que te hace mover la patita, y en vivo la guitarrista/vocalista se tira al público y todo le importa un carajo. No, en serio. "New Music From Tokyo" (NMFT) era un evento canadiense donde traían bandas que la estaban rompiendo en Japón, y cuando la vocalista llegó a esa parte de " 国道スロープ ", se les tiró encima no más. Grandeza.

La voz es brutal. Desde esa energía en el track 4, esa angustia de "la próxima sílaba me va a pillar" del primer tema, o una voz que está casi que se larga a llorar en el penúltimo track, " ミュージシャン" ("Músico"). Siento que es un álbum que va para muchos lados, y todos esos lados los hace bien.

Aquí 国道スロープ (Highway Slope) en YouTube, y aquí en Spotify.

 

The Seven Mile Journey - Templates For The Mimesis (2016)

The Seven Mile Journey decidió tener un approach diferente a Caspian a la hora de componer sus pasajes y sus ambientes: notas más esporádicas, muuu[...]uuucha distorsión en las guitarras, y dejar que el sonido se diluya allá a lo lejos con todo el espacio para diluirse. Ese momento en que la nota desaparece en el olvido también es parte del instrumento. Pero donde los primeros discos de Seven eran más densos y quizás agrestes, "Templates For The Mimesis" es más calmo; genera tensión por sus silencios y sus espacios más que sus distorsiones. Y bien ahí, porque cuatro discos con la misma narrativa se vuelve fome (o no, Russian Circles?).

Siento que las primerísimas primeras notas de piano en "Substitutes For Oblivion" te dicen todo lo que será el álbum: un instrumental engañosamente simple sobre el cual progresivamente se va armando una composición mayor. En el Bandcamp de Seven, un flaco se refirió a Templates como "imagen de sonidos" y, dejando de lado la alegoría, siento que tiene razón. Hay música para oír con los cerrados. Pero Seven, y en particular Templates, es para oír con los ojos abiertos porque ves los sonidos.

Hahaha, ya. Dejemos de lado la pretensión narrativa de lado. Qué soy, ¿periodista musical? Pero sí creo que es una buena alegoría.

Aquí "Substitutes For Oblivion" en YouTube, aquí en Spotify.

Youth Lagoon - Wondrous Bughouse (2013)

A este disco llegué de mucho chiripazo en RateYourMusic, y allí conocí la palabra "disforia", el antónimo de euforia. Lo que hace Wondrous Bughouse es música disfórica: sonidos disonantes, agudos para todos lados, una voz casi melancólica que no entiendes qué tiene que ver en la super feliz "Mute", o en la medio sofocada "The Bath". Iba a llamar "apagada" a "The Bath", pero acá el muchacho algo logró entre la post-producción, el efecto lo-fi, y los juarrillocientos efectos que le puso a su voz y al teclado que hacen que suene "sofocada".

Una amiga describió "Mute" como "pucha, qué mala onda que no estoy volá" y quizás ahí viva o muera el disco para algunos. Hay harto sonido psicodélico mezclado en ese pop super soñador y disonante (imagínense un Beach House pero raro), y si es que están super sobrios, tomándose un tecito de media tarde, quizás Wondrous no pegue mucho. Pero de todos modos péguenle la oída.

Aquí "Pelican Man" en YouTube, aquí en Spotify.

 

Harry Styles - Harry Styles (2017)

Sí. En serio. Entiendo que este caballero viene de una banda previa que puede o no tener ciertos estigmas, pero quién soy yo para juzgar. Oye, Paul McCartney venía de una porquería de banda antes de armar Wings y al fin hacer música decente. Hay de todo en la viña del señor.

El disco Harry Styles fue altamente publicitado, y creo que el single "Sign of the Times" a veces le roba protagonismo al resto del disco. Acá hay pop muy bueno, Styles sabe cantar bastante bien y pasan varias cosas interesantes en sus 40 minutos. "Sweet Creature" tenía todo para ser esa canción fome con guitarra de palo, pero se meten coros en el fondo (y luego, al frente) y salvaron el tema para mí. "Kiwi" que es temazo por todos lados con esa guitarra robada de algún bar británico noventero, o "Woman" con ese estribillo super catchy y Harry estando cómodo en varios tonos de voz.

Pero ya, "Sign of the Times" es no sólo pedazo de debut solista para Harry, sino una gran canción por derecho propio. Merece estar en el spotlight. Quizás su banda previa hubiese optado por un piano más meloso o una percusión más ausente. Acá el piano es el más británicamente británico posible, y esos coros (como los de "Sweet Creature") están a la máxima.

Aquí "Kiwi" en YouTube, aquí en Spotify.

少女スキップ - Cosodorokitsune (2012)

De este álbum hablé más extendido hace un tiempo, pero no está de más recordarlo porque 少女スキップ (Shojoskip) hizo un trabajo hermoso. Todo lo suavecito del shoegaze japonés, más todos los pasajes, crescendos e instrumentales del post-rock. Acompañado con una guitarra que no tiene miedo de ser protagonista en "Light & Delight", o caminar todos juntitos en "Makura". La batería que también conoce su lugar, que no está relegada a "tú marca el compás no más", pero tampoco es que el baterista se vuelva loco ni en las partes más locas de "Light & Delight".  

Para no repetir lo que ya dije esa vez (ya, si igual no dije tanto), son dos guitarras con muchos pedales, un teclado haciendo cosas al centro, y una batería que sabe cuándo le toca. Lamentablemente, son un parto de hallar en internet y lo único de ellos en Spotify es un EP del 2011.

Acá "Glory of the Snow" en YouTube.

 

MONO - Requiem For Hell (2016)

¿Cómo describirte MONO? Si Beethoven hubiese tenido acceso a guitarras eléctricas, probablemente habría compuesto cosas parecidas a MONO, y posiblemente parecidas a las de Requiem For Hell. A este cuarteto japonés ya les seguía la pista desde el 2009, y tuvieron varios trabajos más orquestales, bonitos y quizás "elegantes" en cierta medida entre ese 2009 y el 2016. Con Requiem, sentí que volvieron un poco al "Beethoven con guitarras", composiciones largas y en general bastante densas, paredes de sonido oscuras, y una historia que se cuenta con el disco completo, no sólo con sus canciones sueltas.

Me intentaré explicar: les resultará obvio que la canción "central" del álbum es la homónima de más de 17 minutos, allí concentran toda la cacofonía con las guitarras y los pedales, los riffs machacones (como diría Shauntrack) y las baquetas despedazando la batería. Pero también tienes "Stellar" y "Ely's Heartbeat" más relajadas y que hacen un poco de la calma antes/después de la tormenta. Esto no quiere decir que es un disco de 46 minutos que son 30 min de relleno para acompañar a la "Requiem For Hell" de 17, no. Más bien quiere decir que es una pieza "que Beethoven habría compuesto si hubiese tenido guitarras eléctricas" y su parte más salvaje ocurre al medio, pero para entender de dónde nace esa canción es bueno disfrutar todo el disco en su conjunto.

Acá "Death In Rebirth" en YouTube, aquí en Spotify.

 

Astro'n'out - Multivitamīnu Multipaka (2019)

Me gustaría hablarles de la instrumentalización, las letras o los ritmos, pero creo que lo que más destaca de Astro'n'out es el idioma. Quizás alguno sea afín a la música en japonés, alemán o sueco. ¿Pero cuántas veces has oído una banda letona cantar en letón? Exacto. Nunca. Astro'n'out sacó unas re-ediciones de dos álbumes en inglés, y te aseguro que se pierde parte de la magia (como cuando Kent sacó "Isola" en inglés).

Pero también Multipaka es, por lejos, el álbum que más he oído de Astro porque tiene temas muy buenos. Pop-rock de primer nivel (estos tipos estuvieron en Eurovision hasta donde entiendo). "Dejot trakāk" con su bajo manteniendo tu atención durante las estrofas, y ese coro que no tienes idea qué está diciendo pero que te anima a mover la patita. Bueno ya, ahora lo busqué en Google Traductor y el coro dice "Ella viene y me dice que quiere bailar más loco". Sí. Definitivamente ese es el coro para esta canción.

O también "Agrāk" que la declaro como la mejor canción pop de la historia de Letonia; y siento que no tener idea lo que dice ayuda a que la voz se convierta en un instrumento más, junto a los bajos y sintetizadores. Entre tanto disco depre e introspectivo que tengo acá, Multipaka es esa gran excepción que te puede hacer sonreír.

Aquí "Agrak" en YouTube, aquí en Spotify.

Prehistöricos - Nuestro Día Vendrá (2014)

Complejo hablarles de la música como tal cuando este disco está muy conectado a los recuerdos y momentos personales que pasaron en ese entonces y "Borrémonos del Mapa" y "Que Suba el Momento" estaban clavados en mis playlists. Quizás justamente esa sea una manera de describir este álbum.

Prehistöricos ya venía en una senda de música introspectiva, para oír en la pieza mirando la mugre del techo y pensando en eso que dijiste en segundo medio que obvio todos aún recuerdan. Y si bien en este disco está la canción más adolescente-intensa de su discografía ("Dos Planetas"), también hay varias canciones optimistas, tanto en sus letras como en sus cuerdas y pianos con más notas mayores que menores.

También es un disco bastante más "musical" que su debut o su previo EP. Hay mucha más batería, teclados y guitarras acompañando los versos, no es sólo una voz perdida allá en algún bar de Bellavista como a veces fue el disco debut. Eso también lo hace más subidor de ánimo aunque, reitero, tiene varias letras que no son exactamente optimistas.

Acá "Que Suba El Momento" en YouTube, aquí en Spotify.

Ramper - Nuestros Mejores Deseos (2020)

"Glorioso" es un adjetivo que uso muy pocas veces a la hora de describir una canción, y usaría esta palabra para describir el insultivamente ignorado disco debut de estos españoles. La obertura ("Nuestros Mejores Deseos") va entre algo super silencioso y tímido, una batería que dice "hola, ¿tengo permiso para sonar?" y una voz que casi hace ASMR, y una explosión de guitarras y trompetas, y todo lo que hay entre medio. Fans de Godspeed You! Black Emperor quizás se les haga conocida esa descripción, y es que a veces siento que Ramper le hace una carta de amor al grupo canadiense con Nuestros Mejores Deseos.

Si es que no tienes idea lo que acabo de decir, es mencionar que hay muchísimos cambios de ritmo, hay muchos momentos enojados (como en "Pánico en las Calles"), muchos sublimes en que hay que levantar tus delgados puños como antenas al cielo (smiley face), y a veces no tienen miedo en hacer real cacofonía.

Con Astro'n'out y Prehistöricos hablé de la importancia de entender o no las letras. Y acá llegamos al otro extremo: saber lo que dice, pero no saber. No sé si es decisión presupuestaria, artística o de producción, pero varias veces la voz se sofoca entre las guitarras y trompetas rugiendo, al punto que es "sé que estás ahí, pero no sé qué dices". Me gustó muchísimo el trabajo de Ramper, aunque también reconozco que no es para oírlo todos los días. Es, igual que Requiem For Hell, cuando estás de un ánimo para oír la obra completa e intentar asimilarla.

Acá "Nuestros Mejores Deseos" en YouTube, aquí en Spotify.

 

Desconozco cuál será el futuro de esta miniserie, pero creo que es buen compromiso para seguir hablando de música, y creo que aún cabe en lo que pensé para el DAeD (Discos que amé esta década) serie de insuficientes dos capítulos.

Saludos a Yoda, baterista de MONO.

Hablemos del soundtrack de Digimon

Primero de agosto de 1999, siete niños viajan al digimundo por primera vez. Y podríamos entrar en la pedantería de hablar sobre el manga, el inicio del anime, los tamagotchi o no sé qué, pero los fans de Digimon estuvimos de acuerdo que el 1.08.1999 es el día en que todo comenzó y ese celebramos. Hace unos años, mencioné las 15 escenas que me marcaron de la franquicia (con una notoria tendencia hacia Adventures & Tamers), y para este 22° aniversario quería hablar de algo que no suele ser tocado muy a menudo: el soundtrack. Y cuando sí ocurre, es algo así:

Yo hablando de lo genial que es el OST de Digimon || Mi amigo que sólo conoce el opening

Y ya, no te niego que el opening de Adventures es bonito y todo lo que quieras, pero hay mucha más música aparte de la que cantó Wada en cada episodio. El OST de Adventures, 02, Tamers y Frontier fue compuesto por Takanori Arisawa, quien logró mezclar elementos y ritmos propios del pop japonés junto a ritmos e instrumentos más clásicos. Lo que más le destaco a Arisawa es su creación de leitmotif, que es asociar música a una idea, sensación o personaje. John Williams hace esto también en sus soundtracks de películas: escuchar "Imperial March" y de inmediato piensas en el Imperio, en Vader o en cosas que ellos harían o representan. La diferencia es que Williams tiene un presupuesto brutal y veinte orquestas a su disposición. Las canciones del OST de Digimon van entre los 65 y 85 segundos y eso es todo lo que tiene Arisawa para trabajar. Y aún así lo logró.

Así que, dejando de lado a Butter-Fly, I Wish y Brave Heart, hablemos del soundtrack creado por el señor Takanori Arisawa para una de mis series favoritas. Pensé hacerlo en formato lista, pero nah...les escribo un par de párrafos y ahí les menciono qué es qué. Espero que los links de YouTube aún existan para cuando tú, fiel lector, leas esto.

[Disclaimer: usaré los nombres japoneses because I'm a pretentious little bitch]

Temas de personajes

Antes de entrar en materia, es importante contar que Digimon se divide en dos musicalmente. La primera parte llega maaaaas o menos hasta la derrota de Etemon y Taichi llegando al Digimundo, y el resto de los niños separándose y reuniéndose. Ahí empieza la segunda parte. Y esto te puedes dar cuenta porque cambia el ending (ya no son los niños con la ciudad de fondo, sino las medallitas esas) y porque cambian también las canciones. Arisawa entonces compuso dos versiones para cada leitmotif de los personajes, repitiendo compases y notas; y alterando tempos o instrumentalizaciones, pero siempre manteniendo la estructura general. Straight From The Heart #1 es clarísimamente la canción de Sora, te la puedes imaginar cuando cuenta la historia que quiere lavar su ropa, o que cuenta anécdotas de su mamá. Un tema tranquilo que evoca las sensaciones que, en general, evoca también Sora en estas primeras aventuras. Straight #2 es 25 segundos más corta y con un tempo más rápido, pero la flauta sigue siendo protagonista. Es para una Sora que ya entendió que su mamá siempre la amó, y eso le permite a Biyomon llegar a Garudamon.

Si bien es la #1 la que suena cuando Koushiro investiga desde su computadora la fábrica de Andromon, para mí es Digital Scratch #2 la canción de Koushiro. Dime algo que resuma mejor en 100 segundos las maravillas del mundo digital y un nerd intentando entender dicho mundo a través de teclear comandos en su laptop. No. No hay. Luego tienes canciones como Blue Faith #1 que es Joe durante 75 segundos. 

Y Run With The Wind #2 que es básicamente Yamato y su armónica. No necesitas nada más. La #1 le mete más instrumentos y energía, pero me gustó mucho que para la segunda mitad de la serie, Arisawa sabía qué era lo que necesitábamos.

Love Serenade

Me encanta Etemon. Es este payaso que pisa bananas y se resbala, tiene una actitud super ridícula la mayoría del tiempo. Pero tampoco tiene ningún problema en entrar en modo enemigo poderoso y derrotar varias veces a los niños elegidos en su llegada al continente. Si bien Love Serenade es un instrumental de minuto y medio en la serie, para uno de los cds extra de la serie, Etemon y Arisawa compusieron una versión completa de cuatro minutos. Aquí, además de cantar y ser un ridículo, se escuchan a los Gazimon haciéndole barra. No sé, me encanta que sea tan payaso y que le hayan dado el espacio a Etemon de ser Etemon. Y como dato no tan freak, en el juego Cyber Sleuth: Hacker's Memory, Etemon aparece siendo (...de nuevo) un músico frustrado.

Hablando de temas ridículos, no puedo ignorar a Bokura Wa Itsumo, que es imposible que no pienses en los Numemon tirándole mierda a los niños elegidos mientras se arrancan de las alcantarillas. El ritmo es super simple y se basa en esa percusión rápida, pero era todo lo que necesitábamos.

Temas de suspenso

No sabía cómo englobar estos temas, así que filo...suspenso y fin. Junto a que las melodías son muy cortas, éstas también se pueden dividir en dos para que el leitmotif se te quede clavado cuando tal o cual cosa pasa. Por ejemplo, los primeros treinta y algo segundos de Hirogaru Fuan es un suspenso muy de "explorar un lugar que podría ser peligroso", entonces cuando finalmente el enemigo se revela y la guitarra y los violines atacan más, la canción (y lo que tenemos que sentir al oírla) cumplió su objetivo. Lo mismo aplica para Ijou Jitai Hassei!!, que en sus segundos finales más explosivos es la canción de los niños siendo transportados hacia el digimundo, pero hay todo un crescendo inicial a la Devimon que también lo usan muy bien cuando él aparece.

En la segunda mitad del OST, ya habiendo "agotado" los recursos del primer tema, Kuroi Kage evoca suspenso con sus veloncellos y violines, antes de darle el paso al enemigo que se apareció frente a los niños. Ideal para los Dark Masters, que ya quedó establecido que son bastante más peligrosos que lo que pudo haber sido Devimon episodios atrás. Lo mismo podemos decir de Akumu, que su violín inicial puede ser repetido infinitamente para el "explorar un lugar que puede ser peligroso", y cuando la batería y Vamdemon y los Dark Masters aparecen, el tema se resuelve super bien.

Y todo es una antesala para el tema suspenso por excelencia que Arisawa usó magistralmente toda la serie: Taiketsu. No hay nada que detallar en la composición melódica, es ponerle play, cerrar los ojos y recordar todas las veces que sonó.

La pena suena así

Yuugure me encanta porque apenas empiezan esos vientos, todos sabemos qué sentir. Quizás no nos acordemos de las escenas (cuando Taichi va a jugar con Hikari estando ella enferma, o cuando Mimi le hace tumbas a Whamon y Picklemon), pero nos acordamos qué nos hizo sentir esa canción. Lo mismo aplica para Namida No Yukue. Estos dos temas fueron usados extensivamente en la segunda mitad de la serie, porque acá los personajes ya estaban muriendo, las dudas establecidas en la primera parte ya estaban explotando en la cara de los niños elegidos, ya el mundo se estaba yendo a las pailas. Nada como un par de vientos para hacerte sentir como el ajo. Pero nadie le gana al rey de la música triste/desolada en Digimon: Kanashimi.

Yo estoy seguro que Arisawa dijo "ya, cuando te tiene que dar pena tiene que sonar así o así. Pero cuando quiero que el televidente llore, tiene que sonar así". Qué gran tema Kanashimi. Eso. No tengo nada que agregar porque esos casi dos minutos hablan por sí mismos. Sólo agregar: qué brutalísima esas dos notas al final (¿metalófono?), es básicamente "sí. Murió". No sé qué fue primero: Devimon cerrando su puño "matando" a Patamon y Takeru mientras el primero llora por no poder digievolucionar, o Takanori componiendo Kanashimi.

Shouri Zen No Theme

La #1 es mi canción favorita de toda la franquicia. Fin. Siento que Shouri Zen No Theme #1 logra complementar tan bien lo que debieras sentir cuando ésta suena. Da lo mismo que sea super simple, da lo mismo que (en general) las escenas que Shouri acompaña son bastante estáticas. Shouri lo logra como sólo John Williams lo habría logrado, y en miserables 90 segundos.

Y de nuevo: repitiendo leitmotifs y qué debieras sentir con Shouri #1, Shouri Zen No Theme #2 es también ese momento glorioso en que lo lograron, salvaron el mundo. En el último episodio, la escena en que #1 y #2 suenan es super sencillo desde un punto de vista técnico, y quizás eso ayuda a que sea tan genial:

Ya conocíamos Shouri #1 por las veces en que había sonado a lo largo de la serie, de ahí a que los digivices haciendo un campo de energía que englobó la explosión de Apocalymon te haga sentir un (parafraseando a Joe) "entonces...ganamos?". Desde ahí inicia el puente que lleva a la #2, la cámara apunta hacia abajo y aparece la Isla File de entre las sombras. El digimundo estaba reviviendo, todo salió bien al final.

Confieso que me dio la de las emociones en la primera parte de Digimon Tri cuando Alphamon y Omegamon pelean, y en el aftermath del combate suena una rendición de Shouri. Quizás el contexto no fue el mejor, pero Shouri Tri merece su respeto también.

Tatakai No Toki y sus amigos

Toda gran serie merece su gran tema de "ya, acá quedó la casa de putas". Shaman King tiene Dakaisaku, Pokémon tiene Burning Battlefield; y Digimon, en la segunda parte del soundtrack, después de haberle metido varios leitmotifs previos, de haber tenido otros temas de combate y que Arisawa ya había establecido la "dirección" musical de Digimon, te pega con Tatakai No Toki.

En la primera parte, Aku No Theme es buena antesala para Tatakai: menos batería, tempo más lento, mismo riff de guitarra. Sí. Eso era todo lo que quería decir de Tatakai. Es un buen tema.

Pero con canciones de peleas, Digimon no se queda corto. La primera parte tiene la enérgica Shuugeki! Soshite que apareció tanto en batallas con Digimon controlados por engranes negros como por Digimon inherentemente malignos, y no recuerdo si también cuando Taichi y Yamato se agarraron a combos, pero no me llamaría la atención. En la batalla con Vamdemon (donde digievoluciona Angewomon) también suena para gran efecto, y me encanta ese corte brutal de sonido que hacen cuando Wizardmon recibe el golpe fatal. Y en la parte dos, Arata Na Teki! co-adopta junto a Tatakai el rol de "música para cuando queda la casa de putas".

Seven

No entiendo por qué, con todo lo famoso que es Kouji Wada, y con todo lo que la gente ama Butter-fly, Target, Biggest Dreamer y Fire!, Seven ha sido olvidado por gran parte de la digicomunidad. Sí, Seven sonó sólo dos veces (cuando construyen la balza para salir de la Isla File, y cuando llegan al mundo real por el portal de Vamdemon), pero hey...es Kouji Wada y es un gran tema por valor propio.

Hablando de temas olvidados, está Keep On. Contrario a la creencia popular, I Wish ("al cielo pido un favor, que tú vengas a mí...") es el ending de sólo la mitad de Digimon, es el ending de cuando salen los niños y la ciudad de fondo. El ending de las medallitas es Keep On, también de AiM; en el link que dejé está el ending + Keep On, para que se imaginen cómo debió haber quedado, sin usar I Wish/Tengo La Fe. Le tengo muchísimo respeto al doblaje latino de Digimon; no sólo se basaron en el japonés directamente (excepto para los nombres de los personajes, pero ñeh), sino que fueron super fieles a varios diálogos. Una lástima que Keep On nunca recibió doblaje y nos quedamos con esa adaptación de I Wish para toda la serie.

Sólo sonaron una vez...y eso bastó.

Después de Shouri #1, Ansoku es mi canción favorita de todo el soundtrack. Mucho de esto ya lo dije en mis "quince escenas que me marcaron de Digimon" porque la canción y la escena son imposibles de desconectar. Recordando el episodio de "Adiós Numemon" y lo que ellos significaban, el cacho, el desagradable, el tonto que apenas pensaba. Hikari los salva así que deciden hacerle frente al imponente Mugendramon que de un coscacho mata a cientos de un solo golpe. Hikari se desmaya, Taichi va corriendo hacia ella, y Agumon adquiere un poder de algún lado y warpdigievoluciona. En el segundo que grita "Agumon warpidigivolves a" empieza Ansoku. Todo el mundo esperábamos Brave Heart o alguna canción de pelea, no este pianito que sólo sonó en esta única ocasión. Wargreymon le dio un sólo espadazo a Mugendramon, vuelve a Koromon, y Mugendramon muere. El piano da paso a violines y un ritmo más glorioso, la fábrica se empieza a derrumbar y todos se arrancan. "Hermano...cuando lleguemos a un lugar seguro, ¿puedo cavar una tumba?". Qué gran momento. Si Ansoku hubiese sido usada previamente (o después) habría perdido parte de ese punch que la hizo tan brutal.

Con Tomodachi no estoy del todo seguro que haya sonado sólo una vez, pero la única vez que sus 90 segundos sonaron íntegramente fue en su versión con más impacto: cuando los niños se despiden de sus Digimon. Koushiro y Tentomon abrazándose, Joe dándose cuenta que Gomamon tiene manos, Patamon y Takeru llorando, y Sora agradeciéndole a Biyomon por todo, es que suenan los violines de Tomodachi Tatakai No Theme.

Y esta es medio estirando el chicle, pero también (casi) aplica acá. Es sabido que los gringos alteraron varias cosas de la trama y el OST cuando hicieron "Digimon: The Movie" (que es un mix de tres películas). En la batalla final de Wargreymon y Metalgarurumon vs el millón de Diaboromon, en la película original [Our War's Game] suena Requiem. Requiem usa un coro que recita los versos del poema eclesiástico "Pie Jesu", los que dicen (traducción libre): "Jesús piadoso, Jesús piadoso y glorioso, dales descanso, dales sempiterno descanso". Estoy segurísimo que Takanori Arisawa sabía la fuente del coro que estaba usando, sabía el contexto bíblico de las frases que estaban siendo dichas mientras en pantalla ocurre el milagro de Wargreymon y Metalgarurumon fusionándose en Omegamon, y luego sin problemas derrotar a un millón de Diaboromon. Era un milagro, y Arisawa le dio ese tono milagroso. 

Lo mismo se repite en la película de Digimon 02 "El Regreso de Diaboromon". Acá Omegamon y Imperialdramon pierden, y Requiem suena cuando Omegamon le entrega el poder a su amigo para que éste evolucione a Imperialdramon Paladin Mode y derrote a Diaboromon de una vez. Acá el video (ojalá no lo borre YouTube). Como dato no menor, segundos antes que ese video empieza, sonaba Target con Imperialdramon y Armagemon peleando. Es algo tan genialmente Arisawa el cómo mezcla música rockera, total silencio y música clásica. Un grande. Y de ahí temática y musicalmente hacen básicamente una genkidama.

Butter-Fly

Ya. Sí sé que al principio dije que no iba a hablar del opening, pero hay dos cosas que quiero mencionar sobre el tema que engloba a toda esta franquicia.

La primera, es la multiplicidad de versiones que tiene. Ya, todos conocen la TV Size, la Theatre Version que suena en el último episodio, o la versión Tri. Pero Butter-Fly Memorial Version es de mis favoritas, esta versión Memorial es cantada por todos los seijuus de la serie, así que de algún modo son todos los personajes de Digimon cantando su propio opening. Lindo. También hay una versión donde el opening lo cantan sólo los hombres y I Wish sólo mujeres, pero la del link de arriba es todos.

La segunda cosa, y esto es medio dato freak no más, es que Kouji Wada en el último coro canta "y juntos podremos volar oh mi amor". Cuando César Franco dobló la canción a latino, eso era lo que originalmente quería cantar: "si tú quieres el cielo alcanzar y las estrellas tocar, oh mi amor" pero le dijeron que no, que le metiera el nombre de la serie. Muy muy a regañadientes, César aceptó y resultó el "di-gi-mooon" que todos conocemos. Sin embargo, y para honrar el trabajo de Kouji (...y después, su memoria), César insiste en cantar "oh mi amor" cuando canta esta canción en vivo, y en las versiones donde canta la canción completa (por ejemplo).

De izquierda a derecha: Kouji Wada, cantante de los openings de Digimon 1, 2, 3 y 4, falleció en 2016. Yuuko Mizutani, voz de Sora Takenouchi, falleció en 2016. Takanori Arisawa, compositor del soundtrack de Digimon 1, 2, 3 y 4, falleció en 2005. Toshiko Fujita, voz de Taichi Yagami, falleció en 2018. Ricardo Silva, cantante del opening de Digimon 2, falleció en 2021.

Como dato freak, Arisawa también hizo el soundtrack de Sailor Moon, R, S, Super S y Sailor Stars. Gracias por tanto, y gracias a los muchos talentos que te ayudaron a darle voz y melodía a una de las series más recordadas del cambio de siglo.

Y por si YouTube se pone pesado con el copyright alguna vez, acá un Winrar con el OST de Digimon 01 y todas las canciones que mencioné acá (salvo Love Serenade y Seven, esas están en CD Singles que no he hallado aún. Oops).

Feliz Odaiba Memorial Day.

De esa vez que levantamos los brazos

Iba a hacer un post en mi muro pero nah, esto es meritorio de algo más explayado. No sé si lo estoy romantizando mucho porque fue una de mis manifestaciones favoritas durante mi año mechón, pero sí creo que tuvo un impacto en nuestra piante sociedad más allá del mismo movimiento estudiantil. Así que sin más preámbulo, he acá un par de líneas sobre lo que ocurrió el martes 19 de julio de 2011: la Genkidama por la educación.

Parte I: The Hype

Corría el otoño 2011. Varias universidades, institutos, colegios y liceos estaban en paro y en toma exigiendo mayor calidad en la educación, mejor acceso y financiamiento, fin al lucro en la educación y mucho más. El gobierno dijo que se necesitaban 1800 millones de dólares anuales para solventar una educación gratuita y de calidad para todos. Así que ese número se hizo símbolo de varias manifestaciones: una besatón de 1800 segundos, correr 1800 horas alrededor de La Moneda. Entre medio hubo Thriller de Michael Jackson, una canción de Lady Gaga, caminar como zombie, y varias cosas coloridas.

Y de repente, a mediados de junio, apareció un video en YouTube de Mario Castañeda que empezaba así: “Escúchenme todos, les habla Gokú. Una fuerza extraña está poniendo en peligro la vida educativa de los habitantes de Chile…”. Mario/Gokú estaba llamando a levantar los brazos en una genkidama que lograse derrotar al lucro en la educación. Un par de días después, apareció Gerardo Reyero (Freezer) y Carlos Bravo (Piccolo), instando a todos a participar de esta genkidama por la educación.

Entre medio también aparecieron las voces del supremo Kaiosama, Oliver Atom (Super Campeones), Homero Simpson y Selena Tsukino (Sailor Moon) dándole apoyo a las manifestaciones que estaban ocurriendo. El tipping point fue cuando publicaron “Chala Head Chala” cantado por Ricardo Silva, adaptando la letra a las temáticas del movimiento estudiantil convirtiéndose en “El GANE no es ganar” (GANE siendo un programa de Piñera para supuestamente arreglar el desastre educativo). El video terminaba con una fecha y un lugar: plaza de armas, viernes 15 de julio. Ahí se haría la genkidama.

Parte II: Salir del clóset

Corría el año 2011. Aún no existía Avengers: Endgame, ni las secuelas de Star Wars, y Game of Thrones era todavía una serie de libros allá lejos que tenía como dos episodios todos mugrosos que sólo los nerds conocían. El punto es que ser ñoño, otaku, geek o nerd era todavía mal visto, era todavía algo que se tenía que ocultar. Era cool bailar Michael Jackson, vestirse como indigente de Valparaíso y hablar con palabras complicadas exportadas del campus Juan Gomez Millas. Pero entre medio salieron estos personajes de series loser a decirte “oye, vos dale. Pelea por la educación de tu país”. El tipo que se disfrazó de Gokú para ir a votar dejó de ser el friki que salió en prensa, y comenzó a ser el ícono y el símbolo. Ser fan del anime y de Dragon Ball era cool porque formabas parte del movimiento que iba a levantar sus brazos (metafórica y literalmente) para detener el lucro en la educación chilena.

Sí es verdad que muchas otras cosas pasaron a inicios de los 2010s que trajeron lo nerd al mainstream: el paulatino desarrollo del MCU, la masificación de redes sociales, 31 Minutos y sus giras del 2012, que los pokemones de los 2000s cumplían la mayoría de edad y empezaron a tener poder adquisitivo, etcétera. Pero no deja de ser que Gokú fue tan vocero del movimiento como Camila Vallejo y Giorgio Jackson. Y ese fue un destape (una salida de clóset, válgase la analogía) que se dio, al menos en parte, en ese contexto de manifestaciones. 

Parte III: …y después

El 15 llovió así que se postpuso para el martes 19. Clásicos comentarios chaqueteros que con el cambio de fecha la cuestión funó, que esto es cualquier tontera, lalala. Estuve ahí el martes 19 en la plaza de armas, así que nadie me va a decir que no eran miles de personas reunidas en torno a unos parlantes frente a la municipalidad de Santiago. Y seguían y seguían llegando personas, varios haciendo cosplay de algún personaje de la serie. Al fondo (en los parlantes) se escuchaba un diálogo entre Piccolo, Gohan y Gokú narrando lo que iba ocurriendo, cual pelea épica de los saiyajin versus el lucro. Entre medio, sonaba el opening adaptado de Silva, y la gente levantábamos los brazos. Y por ahí, apareció la genkidama: una pelota a medio morir saltando hecha con PVC y papel de diario, pintada blanca con el cal más barato que encontraron. No importaba. Era la genkidama que iba a destruir el lucro, y bordeando el mediodía, fuimos a dejársela a Piñera en La Moneda. Los pacos mirando esa pelota de PVC y papel de diario, no entendiendo a los miles de pendejos atrás que estaban con las manos arriba gritando “¡FUAAA!”.

Y un par de días después, llegó el 4 de agosto que cambió radicalmente el tono de las manifestaciones. Pero no quitó que esa pelota de PVC y papel de diario, que las intervenciones de las voces de doblaje y que la tropa de locos con las manos arriba en plena Alameda fuesen un gran momento de las manifestaciones de ese 2011, y de la década completa me atrevo a decir. La prensa no tenía idea qué reportar, y Salfate estaba casi llorando de alegría en La Red. No era una cuestión ondera como besarse 1800 segundos, correr por La Moneda o marchar, era una ñoñería que se tomó las calles. Originalmente pospuesta por lluvia, hace diez años atrás un par de idealistas ñoños se reunió en Plaza de Armas en Santiago, acompañados en espíritu por gente en Arica, La Serena, Concepción y otros lados más del país, para levantar sus brazos y darle a Gokú la energía para hacer una genkidama. Una genkidama que destruiría el lucro en la educación chilena.

Saludos a Ricardo Silva, que en paz descanses.

La mamá de Fili y Lili es lesbiana, y quiero decir un par de cosas al respecto

Wow. Esto partió como un hilo en Twitter, después fue muy largo y se hizo un post quejoso en Facebook, y terminó como un post en mi blog que nadie lee. Pero tengo hartas cosas que decir así que acá mejor me explayo. 

Mis series favoritas de la vida son Hey Arnold, Digimon: Tamers y Rugrats. En ese orden. El que me las toca, me toca la fibra, y obviamente Paramount me la tocó. Para el reboot de Rugrats, se confirmó que la mamá de Fili y Lili, Elizabeth "Betty" deVille, será mamá soltera y abiertamente lesbiana. Y eso me genera un par de dilemas, y acá divago sobre ellos.

Primero y quiero ser clarísimo en esto: #RepresentationMatters. Estoy feliz que existan más personajes de color y LGBT en series animadas, que se generen discusiones respecto a ellos y que la animación deje ser tan heternormada y blanca. La presencia de estes personajes en contenido audiovisual es excelente entrada para que la sociedad nos acostumbremos a su presencia, y para personas de minorías sexuales, étnicas y raciales a verse en algo tan importante como la caricatura con la que crecieron o una película ganadora de Oscar. Anécdotas en internet de "oh, él tiene un acento como yo", del revuelo que causó Elles Degeneres diciendo "I'm gay", John Boyega promoviendo la presencia de actores negros y Bruce Lee que los actores asiáticos fuesen representados por asiáticos, y la lista sigue y sigue. Es necesario y es positivo. La gente pataleando que Dumbledore es gay, Simmons y Eugene [Hey Arnold] son gay y que Sirenita es negra es sólo eso: pataleo. No se alteran sus personajes, no les están matando la infancia, no es agenda progre ni esas estupideces que se leen en La Guía del Varón. Listo. ¿Quedó eso claro? Bien. Sigamos.

No me gusta esta idea que las mujeres rudas y marimachas deben ser necesariamente lesbianas, pienso que es un trope hasta cansino. La animación tiene los casos de Bellota [Powerpuff Girls], Rei [Sailor Moon], Misty [Pokémon] y Big Patty [Hey Arnold!] que son las rudas del equipo y las que no tienen drama en agarrarse a combos con alguien, pero que siguen siendo hetero y femeninas cuando el plot lo permite. Y tienes los casos de Tomoyo [Sakura Card Captors], Erika [Pokémon], Haruka y Michiru [Sailor Moon] y Bombón [Powerpuff Girls] que exploran el lesbianismo en diversos niveles, sin seguir este estigma de la marimacho con pelo corto que se tira chanchos, toma cerveza y usa ropa holgada.

Betty es la ruda de las mamás. Al compararla con Didi, Carlota, Kiara y Lucy, es Betty la que hace gallitos con las amigas, le da abrazos apretados a Hugo, se tira al barro, y la que es muy feminista y pro derecho de las mujeres. Mientras ustedes aman a Carlota por su frase esa de sudar confianza en un mundo masculino, Betty es la que levanta el puño y que prueba que las mujeres pueden hacer lo que quieran y que no necesitan un hombre al lado. La verdad todas las mamás representan esa última idea, pero Betty la llevó la extremo y all the power to her. ¿Es necesaria además la etiqueta LGBT? No lo sé.

Hay dos cosas que me generan ruido en su nueva aparición: una es la ausencia del símbolo ♀ en su polerón. Ese era un ícono de su vestimenta y ahí sí hay una corrección política grave: deja que ella sea super feminista, y su actitud grite "no necesito un hombre al lado" aunque explícitamente no lo dijo. Esa es la Betty que conocemos. La Betty que después de casi matar a Hugo en Rugrats: The Movie por perder a sus hijos, es la que se pone las botas y va corriendo al bosque a buscarlos antes siquiera que Didi sugiera llamar a la policía.

La segunda es dónde está Ulises (Howard en inglés). Y acá es donde empecé a tener mis dudas sobre el proceso de creación de Betty y su lesbianismo en el reboot, con Ulises. Vamos por partes, como Camiroaga. 

Convengamos que después de Hugo (papá de Tommy y Dil, esposo de Didi), Chaz (papá de Carlitos y Kimi, viudo de Melinda, esposo de Kira) y Julio (papá de Angélica, esposo de Carlota), los otros papás no son personajes ni secundarios, son más bien background. ¿Cuáles otros? Ah, viste. Ni sabes los nombres: Randy (papá de Susy, esposo de Lucy) hace un par de bromas en el episodio donde aparecen los Carmichael y está junto a Lucy cuando su hija aparece en un episodio, nada más. Y Hiro (papá biológico de Kimi, ex-esposo de Kira) jamás apareció en el show. Su única aparición es en un episodio de Rugrats All Grown Up! donde se explora en detalle el lado japonés de Kimi Watanabe-Finster. Y pucha, seamos honestos: Ulises deVille está en ese lado de personaje background. Las veces que sí tiene una aparición prominente es como el inútil que hace que Betty haga/diga algo chistoso y empoderante.

Y ahí te acuerdas que Rugrats cumple TREINTA AÑOS en agosto de este 2021. ¿Sabes quién más cumple treinta años el 2021? Yo. Ahora bajénle a la música.

Hace treinta años la gente todavía se reía de Bugs Bunny vestido de mujer, ser maricón era un chiste o un insulto, el SIDA era la enfermedad de los trastornados homosexuales, y Freddie Mercury estaba en las últimas de su vida. Entiendo perfectamente por qué Arlene Klasky y Gábor Csupó no les dio el valor de poner un personaje abiertamente LGBT en su serie para niños. En cambio, optaron por darle todos los atributos de una mujer homosexual, quizás cayendo hasta en el estereotipo de vestimenta y actitud que dije antes; pero cuidaron de darle el detalle quintaesencia de una mujer heterosexual de inicios de los 90s: está casada con un hombre y tiene un buen matrimonio. 

Rugrats ya es una serie bastante progresista. Didi exploró el concepto de maternidad y que no hay que postergar la vida por criar otra; Chaz es un papá soltero que junto a su hijo vivieron el luto de perder a la mujer que amaron y si es posible amar a otra mujer de igual manera (weón le dedicaron una película completa a eso); los mismos Fili y Lili al ser gemelos exploran qué tan femenino puede ser un hombre y qué tan masculina una mujer, sin perder sus respectivas esencias. Todos estos discursos subyacentes Klasky & Csupó los metieron por debajo o después de varias temporadas cuando ya tenían la confianza para ello. La muerte de Melinda y Carlitos ser huérfano apareció recién en la cuarta temporada, por ejemplo. Antes era "hagámonos los locos que nadie va a notarlo". Sin embargo, Ulises apareció en los primeros episodios y quedó claramente establecido que él y Betty estaban casados. No quedaba duda que era Betty era heterosexual...exceeeeepto por todo el desarrollo de personaje que le dieron durante las nueve temporadas del show. Y ahí volvemos a lo de arriba: la "gracia" de ese matrimonio es que Ulises es un inútil y que Betty se empodera. Betty siempre fue más protagónica y en ella se enfocaron en la serie, no en Ulises.

Y acá pongámonos los sombreros de aluminio porque llega el momento conspiranoico: ¿es posible que Ulises fue la pantalla con la cual Klasky & Csupó disfrazaron que Betty era lesbiana? ¿Y ahora treinta años después ellos no están restringidos por esos tapujos mojigatos y pueden abiertamente decir que Betty es lesbiana? Si el reboot lo estuviese haciendo Paramount y Klasky & Csupó son meros consultores, diría que no. Pero acá el dúo (iba a decir pareja pero ellos ya están separados) son activos directores y productores del show; algo tan relevante como eliminar a Ulises para poder hacer a Betty abiertamente lesbiana no es algo que estén haciendo sin el expreso permiso de los creadores originales. Entonces (¿siguen con el sombrero de aluminio puesto? Bien), si los creadores originales que diseñaron a esta Betty ruda y marimacho en 1991, decidieron además hacer a Betty lesbiana en 2021, ¿no habrá sido la idea original que Betty siempre fue lesbiana? 

Bellota en Powerpuff Girls es el caso de comparación más cercano. Pero en el reboot live action, el creador Craig McCracken no tiene nada que ver. En el caso de Rugrats, Klasky & Csupó tienen muchísimo que ver. Si este fuese el caso, yo respeto la decisión de los autores porque es un mero enroque de personajes terciarios para finalmente explorar a una mamá que es demasiado bkn como lo es Betty deVille, madre de Filiberto deVille y Liliana deVille. Mi duda es de dónde sale el apellido ahora, pero bue.

Ahí yo dejo la pelota boteando.

Saludos a Randal Carmichael, el papá siempre olvidado pero que me cae bien.

Escuché Blink-182 por primera vez (el disco, no la banda) y te lo cuento

Ya, esta cuestión requiere un poco de explicación: como todo niño nacido en los 90s, los primeros discos de Blink-182[*] tienen una gran influencia en mi gusto musical, si sonaban todo el día. Y además sus personajes aparecían siempre en MTV, entonces si se hablaba de música que salía en la tele, salían ellos. Y bue, tenías a The Offspring, Green Day y otros más haciendo cosas parecidas, entonces el pop punk como que pegaba bien.

Por cosas de la vida, llegué tarde para Let Go (Avril Lavigne, 2002), American Idiot (Green Day, 2004) y para Blink-182[**] (Blink-182, 2003), no me acuerdo por qué. Así que salvo los singles, nunca lo oí realmente. Hace unas semanas atrás vi este video de por qué el Blink-182 es un disco infravalorado en la discografía de la banda, me convenció y, después del video, le pegué una lookeada al disco, ahora como un adulto distópico encerrado en una pandemia al borde del colapso ambiental. Y les cuento qué me pareció el disco, y también contarles un par de cosas que me acuerdo de esos años.

* = en verdad Enema Of The State (1999) y Take Off Your Pants And Jacket (2001), pero qué paja ponerse a explicar eso.

** = El nombre oficial es "Sin Título" o "Untitled". Pero todos lo ubican como el disco homónimo así que filo, le diré "Blink-182".

[Disclaimer: Me referiré al álbum como "Blink-182", a la banda le buscaré otra manera de mencionarlos para no enredarme y no enredarlos xd]

Una de las tesis del video que mencioné (que por supuesto no puedo encontrar. La fruta madre) es que Blink-182 es el álbum menos "tradicional" de Blink hasta ese momento. Onda, lo normal para ellos era escribir las canciones en un par de días a lo sumo (Dammit fue una tarde), meterlo todo en un disco y tan tan. Así los conocí, así me gustaron: All The Small Things, Anthem Part 2, What's My Age Again, Rock Show, son todas canciones rápidas y que te das cuenta que no tienen grandes complejidades. Blink-182 se demoró varios meses más en ser publicado que sus predecesores; Mark, Travis y Tom se demoraron harto más en encontrar cada sonido, cada nota, cada pulso que querían. Box Car Racer fue un proyecto paralelo de Tom deLonge, y él dice que lo inventó para explorar sonidos que no cabían en Blink. Y si bien yo creo que eso es una excusa barata y que el divo se baje del podio, la experiencia quizás sí les sirvió para meter sonidos "poco Blink" en el homónimo. Y gracias por eso. 

Aunque la obertura de Blink-182, Feeling This, es super rápida y parece basarse en un ritmo catchy y fin de la historia, la verdad es que tiene más layers que la hacen más compleja que tu típica canción de 2001. Y en volá es porque mi tele y .mp3 miserables de cambio de siglo no daban para más, pero oyendo la canción con audífonos decentes sí me di cuenta que había más que Travis Barker siendo Travis Barker. Los coros salen para todos lados y Mark y Tom hacen sincronía con las harmonías pero con letras distintas, algo muy distante de los simples "na na na" que hacían para All The Small Things.

I Miss You fue una de las canciones que hizo alejarme de la banda. Sencillamente no clické con el tempo más lento. Junto al video que no encontré (¬¬), lo otro que me motivó a oír Blink-182 fue la versión que la banda hizo de I Miss You para el concierto memorial de Chester Bennigton de Linkin Park. La pena que sentíamos todos en ese momento, Travis haciendo un final brutal con la batería y Matt Skiba cantando mejor que los maullidos de Tom (listo. Lo dije) revivieron esa canción para mí.

Travis, Mark y Tom brainstormearon esta y otras canciones cada uno por su lado, y después se juntaban y se aseguraban que las temáticas que querían tocar eran las mismas y todos remaban para el mismo lado. El resultado es una canción que refleja bien el sentimiento de echar de menos a alguien; quizás "ñeh" si es un amor romántico (y muchos comentarios en el videoclip aluden a eso), pero también a familiares, seres queridos, o en el caso de Travis esa noche del 2017: uno de sus mejores amigos que se suicidó meses antes.

Stockholm Syndrome tiene intro. Según la Wikipedia, es un hidden track pero eso ya no funciona en esta era de descargas ilegales y Spotify, así que este track 05 es como el 5.5 si consideras la intro. Filo. Aunque la canción ronda el Síndrome de Estocolmo, eso de sentirse perdido entre otras personas y no saber qué pasa ("I'm so lost. I'm barely here. I wish I could explain myself but words escape me") son sentimientos harto más universales. Y harto más oscuros que lo que venía haciendo Blink antes del homónimo. Me acuerdo que a Adam's Song le decían "cuando Blink maduró" por la temática del suicido, pero Stockholm Syndrome (y harto de Blink-182) hace la competencia en ese sentido.

Los "I Don't Wanna Know" al infinito de GO no me terminaron de gustar, pero le reconozco el mérito que la canción no es mala. All Of This donde hay dueto con el chascón de The Cure es el tema que le hago skip, y siento que el 2003 lo habría hecho también.

Aunque The Rock Show le hace feroz competencia, Always es mi videoclip favorito de la banda, eso de dividir la historia en tres por cada músico lo hallé genial. Y siempre me acordaré que en el reality de "Meet The Barkers", la esposa de Travis estaba celosa porque él besaba a la actriz en el video. Eso, dato freak. Dejando de lado el video, amo la inclusión de sintetizadores y teclados que hacen de esta canción algo muy poco pop-punk. Onda, le cambias un poquito el riff y relajas la batería, y tienes un tema dream pop. Y la letra de "Quiero sentirte, quiero besarte y estar contigo siempre" que también es muy poco Blink: el mismo Tom que cantó "quiero follarme un perro en el hoyo" (joya) está dando unos versos super wonitos e inocentes. Ya en este momento los tres estaban casados y tenían hijos (bue, Travis estaba esperando el nacimiento de su hijo mayor), así que también por ese lado lo hallo más apropiado. Siempre pensé que Always era parte del disco Greatest Hits (2005) por su temática "tan poco tradicional" considerando la discografía hasta ese momento de la banda. No fue hasta que urgueté este disco en Spotify hace unas semanas que vi que Always es de Blink-182.

Cuando toco esta canción en "air guitar", hago los mismos gestos de Tom <3.

I'm Lost Without You. Año 2003. Yo estaba en séptimo básico, elucubrando mi gusto musical. Aún no conocía a Muse ni Sigur Rós, bandas que marcarían mi playlist de por vida. Mi chasquilla aún no era esa ordinariez que intentaba cubrirme la frente. No tengo idea cómo ese Javier habría reaccionado ante la canción final de Blink-182: I'm Lost Without You. El título es super claro en la temática, y Tom diciendo al infinito "¿Tienes miedo de estar solo? Porque yo sí. Estoy perdido sin ti" funciona super bien e igualmente wonito que en Always, y la adición de piano, ese crescendo hacia el infinito que termina con Travis siendo Travis (y por favor, que Travis nunca deje de ser Travis) la hacen una canción remarcable.

Sin embargo, esta es la opinión de yo oyendo esta canción con 29 años. Posiblemente a los 12 habría descartado esta joya de la misma manera que descarté I Miss You. Blink-182 fue un disco controversial entre los fans por alejarse de los riffs rápidos y pegajosos de los discos que hicieron famoso a la banda. Mi propio grupo de amigos se quedó pegado mucho tiempo en los singles e himnos del Enema Of The State y Take Off Your, y después crecimos, Blink se quedó en ese estigma y ""cuando maduramos"" y empezamos a escuchar música de niño grande (15 años, así que Nirvana, Ramones, From First To Last y Gufi. Ya saben, música ruda), Blink ya había desaparecido o quedó relegado a los videos chistosos que hicieron en sus discos noventeros.

Me gustaría viajar al pasado y hacer que ese Javier de 12 años escuche I'm Lost Without You y que reaccione con su bagaje musical de aquel período. Quizás la hubiese descartado como otra canción mamona como I Miss You y que aguante The Rock Show, el Blink no vendido.

Pero con 29 años le he dado replay hartas veces a I'm Lost Without You, "la canción menos Blink de Blink" me atrevería a decir. Y ustedes también deberían. Sea para recordar esa época cringe, para recordar a esa banda que escucharon, o (si fueron como yo) para descubrir una canción muy buena de una banda icónica de esa transición en el cambio de siglo.

Saludos a Mark Hoppus. Siempre me caíste bien.

25 datos random de 25 Pokémon

Hoy, Pocket Monsters Red & Green cumplen 25 años. Y a diferencia de otras veces donde me vuelo hablando de lo mucho que me gusta la franquicia y esas cosas, decidí hacer algo más anacrónico y hablar de 25 especies de Pokémon y datos freaks asociados a ellas. Originalmente pensé ponerle a esta entrada algo como "25 cosas que no sabías de 25 Pokémon" o algo así, pero para qué tan clickbait. Y tampoco es que haya que ser tan ñoño para saber esto de todos modos, pero bue...acá vamos.

Esta es la imagen de Mr. Fuji para la carta homónima del Pokémon Trading Card Game, diseñada por Ken Sugimori para la Fossil Expansion de 1997. No tiene nada de interesante, salvo ser mi imagen favorita de Pokémon TCG y siento que evoca bien esa magia e inocencia de la primera generación. Había que empezar con algo. Ya, ahora sí:

1.- Windie

Sorpresa para nadie, Satoshi Tajiri (creador de Pokémon) y Ken Sugimori (director de arte y creador de la gigantesca mayoría de los diseños de Pokémon) se inspiraron en muchas mitologías japonesas y orientales a la hora de crear sus diseños, filosofía que sigue hasta hoy. Uno de esos seres mitológicos es Shisa, una quimera entre perro y león oriunda de China. Los Shisa son seres benignos, usualmente colocados en pórticos y entradas a castillos y lugares importantes dentro de la ciudad por ser animles guardianes. Usualmente sus estatuas se les pone en pares: la con boca abierta ahuyenta a los espíritus malignos, el con boca cerrada mantiene a los espíritus benignos dentro de la propiedad que está cuidando. Shisa fue la inspiración para Windie (conocido en inglés como Arcanine), quien además ostenta el récord de ser la segunda evolución con stats más altos de todo el juego, y el único que en ese entonces la Pokédex lo describía como "Tipo Legendario".

2.- Pikachu

Es imposible negar la imaginación de Ken Sugimori a la hora de sus diseños de Pokémon, pero la historia ha (muy injustamente) olvidado el nombre de otra pieza esencial: Atsuko Nishida. Ken hizo muchos de los diseños más rudos, "cool" y monstruosos, mientras Atsuko se encargó de diseños más redondos y más lindos (kawaii dirían ellos). Entre sus diseños está nada más y nada menos y nada más que el roedor que se convirtió en la mascota de la franquicia, un ícono cultural y un cuasi-embajador de Japón en su totalidad.

La historia de Pikachu es super interesante y recomiendo ver este video para entender de dónde viene el concepto de Pikachu y sus implicancias en el juego. Pero menciono a Pikachu acá no sólo para darle el merecido crédito a Nishida, sino también para mencionar el extraño viaje de Pikachu a occidente. Cuando Pocket Monsters ya había explotado en Japón, y Nintendo, TV Tokyo y 4Kids! quisieron llevar el anime a USA, el kawaii Pikachu no les convencía a los gringos, así que ofrecieron hacerle unas modificaciones. Pasaron unos días, y los gringos le mostraron a los japos algo que parecía más tigre Tony que Pikachu, y educadamente rechazaron el diseño (heheheh), insistiendo en el que hizo Nishida.

Para darle más expresiones a Pikachu en el ánime, progresivamente su diseño se fue haciendo más esbelto y más antropomórfico, y el sprite en los videojuegos siguió ese camino. Desde el diseño de Red & Green de 1996 hasta su más reciente se puede ver claramente que aparece un cuello y que le crecen los brazos.

Y por supuesto, no se puede hablar de Pikachu sin mencionar a Ikue Otani, la seijuu que con sólo una onomatopeya logró dar con una de las voces más reconocibles del planeta.

3.- Tatsubay

El Pokédex dice que Tatsubay (conocido por nosotros como Bagon) vive en montañas cerca de riscos, para tirarse al vacío e intentar volar. Bagon, por supuesto, al no tener alas simplemente se cae y se pega en la cabeza, lo cual se la ha endurecido hasta ser más resistente que el acero. Bagon se enoja por no ser capaz de volar y sigue lanzándose desde esos acantilados, parecido a esa animación de un kiwi de la década pasada y que se hizo viral por lo adorable. Finalmente el sueño se Bagon se cumple a través de su evolución final, Bohmander (Salamance), y aún más exagerado con la Mega evolución de Salamance que es básicamente alas. No sé, en el mundo fantástico de Pokémon donde varias veces se "glorifica" la evolución final como el objetivo de vida de las iniciales, encuentro lindo que Salamance sea además el sueño por el que Bagon trabajó tan duro.

4.- Pippi

El año es 1989. Tajiri y Sugimori comienzan a esbozar los primeros diseños de Pocket Monsters, en ese tiempo "Capumon". La idea de los Capumon era que ellos vivían junto a humanos y les ayudaban a hacer la vida más fácil o eran mascotas. De ahí que Sidon (Rhydon) fuese un gran animal que pudiese cargar cosas, Laplace (Lapras) un ser que pudiese transportar gente a través de los océanos, y Pippi (Clefairy) que se pensó como una mascota. Estos fueron los tres Pokémon que diseñaron, así que a ellos les podemos atribuir el patrón con lo que todos los 900y algo han sido diseñados a través de las décadas. En la imagen de arriba se puede ver un tipo caminando con un Pippi en la parte inferior, lo interesante es que Pippi en su versión Sugimori era un tipo con espinas y una actitud harto más ruda que el adorable Clefairy que conocimos después. Ni idea si fue Sugimori o Nishida quienes le dieron la forma que hoy conocemos como Clefairy.

El dato freak de Pippi/Clefairy es que él iba a ser el Pokémon que Ash iba a recibir del Profesor Oak. Pippi es la mascota del manga "Pocket Monsters" (no confundir con "Pokémon Adventures", ese es otro manga), pero decidieron cambiarlo por Pikachu al último minuto. El mundo sería un lugar muy distinto si Ash hubiese recibido a Clefairy como originalmente había ocurrido y como ocurrió en el manga.

5.- Ebiwalar

Uno cree que Pokémon en occidente es una historia de éxito y el CNTV pidiendo que no se mostrase porque es satánico, pero en verdad fue harto más lento que eso. Nintendo y TV Tokyo le pasaron los archivos en japonés a 4Kids! y ellos lo doblaron a inglés, y desde ahí se nos envió a todo el resto de los países. En el proceso se perdió harta sutileza japonesa, un par de escenas (como cuando Misty le pega una cachetada a Ash en el primer episodio) y otras cosas más. Los alemanes y franceses le dieron un doblaje completo a los videojuegos, incluyendo monstruos. Por ejemplo, el nombre japo Lizardon (Lizard + un juego de palabras "don" diente y dragón) fue transformado en Charizard (Char (quemar) + Lizard) en inglés, Dracaufeau (Draco + "fuego!") en francés, y Glurak (Ascuas + Dragón) en alemán. ¿Y en español? Literalmente contrataron a un solo pelagato para doblar Pokémon Blue y Red al español. Y en base a la traducción que él hizo de todo el juego, se hizo la traducción a italiano, así que imagínate qué tan mal quedó esa. He ahí la razón de por qué el mundo hispano nos quedamos con los nombres en inglés, y por qué también Pokémon Rojo y Azul son tan españolizados: porque jamás hubo un mexicano para revisar las traducciones.

Hay varios errores porque el pobre cristiano que estuvo doblando estos juegos no le quedaba más que usar diccionario y fe. De ahí que el entrenador picknicker (¿acampante? ¿acampador?) se haya traducido a "dominguero/a" y el ataque Counter a "Contador". Contador sigue la lógica de "I used a counter to count" (que es una de sus traducciones), pero recién para la 5° Generación le pagaron a un equipo completo y se revisó que en verdad la acepción de Counter allí es "I used a counterattack" por lo que ahora se entiende que ese ataque es doblado como "Contraataque".

¿Qué tiene que ver Hitmonchan? Él aprende Counter y siempre me llamó la atención que pusiesen Contador en cosas en español porque nada que ver contraatacar y contar.

6.- Golbat

Algo que me llama la atención del diseño de los primeros 150 es que no los hicieron en papel. Directamente Ken Sugimori y los demás estuvieron diseñando los pixeles de los monos, y ya cuando existían éstos fueron traducidos a papel para materiales promocionales. Eso hace que (1) los primeros 150 sean en general super monocromáticos y con detalles exagerados, y (2) los obligaba a ser super simples. Onda, no sé...imagínate Torterra con sus árboles y demás cosas hechos en sprites de 8 bits, malísimo, o Zacian y su espada. Bue, eso hace que también se hayasen perdido hartos detalles o cosas que Sugimori intentó plasmar pero que después el tiempo olvidó. Una de esas cosas es la lengua de Golbat. Originalmente en el sprite de Red & Green (y Red & Blue), Sugimori se la eliminó en el artwork oficial que eventualmente culminaría que en el anime y medios posteriores jamás la vimos. Pero también en Pokémon Stadium, donde los modelos están fuertemente influenciados por los sprites, la lengua sí aparezca. Y eso conecta con el siguiente:

7.- Arbok

El Pokédex dice que el patrón de Arbok es único para cada individuo (te encargo animando eso en 1996), y cuando se ve de espalda se ve que en la parte de atrás del cuello tienen esas marcas. Sin embargo, jamás aparecen en ningún otro sprite salvo los de primera generación. Ni en Stadium, ni en el anime, ni nunca. Pudo haber sido un oversight por estar contra el tiempo y que en verdad era un detalle innecesario, o que Arbok siempre se veía de frente o qué sé yo, pero llama la atención que se hayan molestado en añadir esas franjas considerando lo apurados que estaban por sacar el juego.

8.- Golduck

La línea que inicia Koduck (Psyduck) es de mis favoritas, más que nada por esa canción ridícula que la amo y siento que encapsula mucho de la inocencia de la primera generación. Lo que yo no sabía es que entre Koduck y Golduck había una evolución intermedia que servía para explicar la transición entre ambos. Más chubby y más rudo, esta segunda evolución fue eliminada porque había que ahorrar espacio en ese comprimidísimo cartridge (en el proceso también se eliminó la evolución de Raichu).

Golduck está inspirado en los kappas, seres mitológicos japoneses de comportamiento anfibio y forma más o menos antropomórfica. A los kappas les gusta luchar al sumo (¿explicará eso que Golduck aprenda Cross Chop?) y los pepinos. La gema roja en la cara de Golduck ni idea de dónde salió.

9.- Heracros

Nunca fueron 151. Entre los diseños no usados (como la evo intermedia de Koduck) y cosas que no alcanzaron por tiempo, el Dex original llegaba a 190. Algunos de los cuarenta que quedaron fuera estaban listos para ser usados en Johto, y otros el tiempo olvidó. Qué pasó al diseñar la Gen 2 fue incógnita hasta que hace tres años se leakeó la que yo creo es una de las infos más increíbles del mundo Pokémon: los sprites originales de Gold & Silver. En ellos se pueden ver varios diseños beta que nunca vieron la luz, Mons que fueron completamente descartados, y algunos como Steelix y Meganium que ya estaban listos tan pronto como 1997 (dos años antes de GS, un año después de RBY). Ese Pokédex da para una entry en sí misma, pero me detengo en este Monstruo en particular. Hassam (Scizor) ya está casi listo en este dex, y quizás ya se pensaba como evolución o forma paralela de Strike (Scyther), pero el otro bicho decente de Kanto queda volando: Kailios (Pinsir).

Pinsir y Scyther tienen hartos paralelismos: ambos tienen un stat base de 500, los dos son los únicos bicho decentes en la primera generación (¬¬), los dos se atrapan en la Zona Safari, etcétera. Tiene lógica que si Hassam es la evolución de Strike, deba haber una evo o forma paralela para Kailios. ¿Habrá sido esta? Yo creo que sí. Muy rough around the edges, pero este escarabajo es una forma transitoria entre Kailios y Heracros (Heracross) que te hace pensar si Heracros no fue un rediseño de quien originalmente habría sido la evolución de Pinsir. Y pucha que le hacía bien a Pinsir el tipo lucha y aprender Terremoto.

10.- Sleepe

Uno ve a Sleepe (Drowzee) y es un tapir, fin. Pero la inspiración para este tapir viene de los Baku, otro animal del folklore chino. El Baku es un animal con forma de tapir malayo que Drowzee tomó a raja tabla, y además el Baku se alimenta de sueños, que es justamente la gracia de Drowzee y su evolución Sleeper (Hypno). Entre los 1700 y los 1800 la manera de dibujar a los Baku cambió, incluyéndosele colmillos de elefante y otros rasgos quiméricos, así que me alegra que para el Pokémon hayan mantenido la forma de un tapir malayo y fin. O quizás fue la limitante de hardware, qué sé yo.

11.- Kameil

Si los he inspirado a ñoñear en la historia de los Mons, les recomiendo demasiado esta serie de Helix Chamber, donde se habla de los primeros 151, los MissingNos y los Mons que nunca fueron. Entre Sidon (Rhydon) y el lanzamiento de Pocket Monsters hubo el nada despreciable intervalo de SIETE años de desarrollo, así que es lógico pensar que mucho del diseño de los Mons fue cambiando a través del tiempo. El desarrollo del Dex de la Gen1 se puede resumir en cinco fases: la primera donde Sugimori y Tajiri hicieron kaijuus, ídolos de su infancia y otros monstruos, acá ni los tipos ni las evoluciones existían, sólo eran Mons cool. La Fase 2 son los humanoides. La Fase 3 es Atsuko Nishida dibujando Pokémon lindos como Pikachu y Ponyta, y que la idea de los tipos comienza a solidificarse. Las Fases 4 y 5 son rellenar la Dex con más tipos y más (pre)evoluciones.

Como al comienzo de todo no habían ni evoluciones, es lógico pensar que para Kamex (Blastoise), hicieron una tortuga con cañones y eso era suficiente. Pero al avanzar los años y darse cuenta que la idea les quedaba floja, que el concepto de Pokémon inicial tomaba fuerza y demás, que les hicieron falta cosas para rellenar y conectar una evolución inicial (ojalá linda/cool) con el poderoso Kamex. Ahí nacen Zenigame (Squirtle) y Kameil (Wartortle), que entre ellos dos hay lógica: una tortuga redondita con una cola chistosa, que evoluciona en una tortuga menos redondita, con unas orejas lindas y una cola elegante. Pero de ahí pasamos a Blastoise, que ignora los diseños pre-establecidos por sus dos predecesores y se pone dos cañones en la espalda. No me malinterpreten: una tortuga con dos cañones es pedazo de idea, pero una que genera desconexión con lo anterior. Y viéndolo en retrospectiva, es lógico: entre Kameil y Kamex hay siete años, muchas influencias, mucho crunch laboral y muchos deadline de diferencia.

12.- Gyarados

Encuentro super interesante esa Fase 1 de los kaijuus, porque acá Capsule Monsters (que ni siquiera era Pocket Monsters todavía) era el RPG más puro. Algunos los mencioné antes: tenías un monstruo de carga (quien sería Rhydon), uno para navegar (quien sería Lapras), un pájaro simpático (Pidgey), uno no tan simpático (Fearow), un fantasma genérico (Gengar), un shisha cualquiera (Arcanine), un dragón con espadas (Scyther) y un gusano genérico: Gyarados. Sí. El de arribita es el diseño inicial de Gyarados de (aprox.) 1991. Hay demasiadas preguntas que me salen con respecto a esto. La primera es por qué. Después, me pregunto cómo habrán sido los stats o qué habrán pensado que era Gyarados en este punto. Hoy, él es un Pkmn abominable (eso dice el Pokédex) y con unos stats super buenos, gran ataque físico y demás. ¿Habrá sido esa la intención inicial? O, como otros gusanos (Caterpie) ¿habrá sido cualquier tontera y después se agilaron para generar la dupla Koiking (Magikarp) & Gyarados?

En volá algún día hago un post de la Fase 1 con más referencias de Helix Chamber, porque el tema sí es interesante.

13.- Bossgodora

Encuentro linda la descripción del Pokédex donde dice que Bossgodora (Aggron) patrulla toda una montaña como su territorio y que, si su ambiente se ve degradado, él mismo se pone a plantar árboles para cuidarlo. Me gustan los gentle gigants, aún cuando Aggron está en muchos sentidos diseñado para patear traseros. Bue, y este video. En verdad este video es por qué lo menciono acá.

14.- Nokocchi

Johto tiene algunas inspiraciones muy raras. Nokocchi (Dunsparce) es uno de los Pokés más raros de todo Johto, apareciendo sólo en una parte de una cueva y con un ratio de aparición bajísimo. Y tiene varias inspiraciones nocturnas: la primera es el Tsuchinoko, un animal mitológico que tiene un cuerpo similar a una serpiente, pero con un vientre más ancho que largo que le da esa forma Dunsparciana. Entre medio también hay referencias a insectos y animales (reales o no) nocturnos, lo cual puede explicar su preferencia por cavernas oscuras. Según el autor, también puede tener colmillos como una serpiente. Los kanjis de Nokocchi son un anagrama de Tsuchinoko, así que más se explica la relación por ahí.

Ahora, ¿por qué una inspiración tan interesante terminó relegada a uno de los pokés más irrelevantes de Johto? Pucha. No sé.

15.- Munna

Al norte de Lavender Town, hay una entrenadora que dice que ella quiere entrenar Pokémon lindos. Que debería haber uno rosado con diseño floral. 14 años después, hicieron a Munna que es exactamente eso.

Esa leyenda urbana es mentira. Nishida había diseñado a Musharna, la evolución de Munna, y Sugimori necesitaba hacerle una pre-evolución, y así nació Munna. 

16.- Pokémon X

La historia de Pokémon X es increíble in its own right, así que vean el cuasi-documental que se mandó Did You Know Gaming? al respecto. Takeshi Shudo era el director del anime, y fue el principal responsable de ese tono inocente y burlesco de la liga añil y liga naranja. Como el director además de las primeras tres películas, tenía harta influencia en esos años iniciales de Pokémon. Así que cuando presentó su boceto para Pokémon X, Game Freak lo tomó en cuenta.

Arreglos más, Sugimori-ismos menos, Pokémon X se convirtió en Lugia, el protagonista de Pokémon 2000. La idea original de Shudo es que Lugia no fuese capturable en los juegos, sólo una leyenda de Pokémon 2000, una idea no-canon en el Poké-universo. Pero Game Freak impulsó a Lugia a no sólo ser atrapable, sino la mascota de Pokémon Silver de la segunda generación, convirtiéndose en el guardián de los mares como Shudo propuso. En el proceso se le hicieron varios cambios: un cambio en la paleta de colores, se le quitó el género (Shudo siempre la pensó como femenina) y se le dio el tipo Psíquico porque los Psíquico eran cool y shori, a pesar de ser el guardián de los mares y que obviamente Lugia debía ser agua.

17.- Nyasu

Como conté antes, Game Freak y TV Tokyo le dieron a 4Kids! y Nintendo America el control creativo de las versiones occidentales de Pokémon, y ellos cambiaron y localizaron muchas cosas. Crearon el opening de "Atrapalos Ya!", le pusieron calzas a una entrenadora que estaba usando minifalda y varias cosas más.

Una de las que más me duele fue haber eliminado el segundo ending de Pocket Monsters. En esa canción el personaje de Nyasu (Meowth), que ya era famoso por su protagonismo en el Team Rocket, le canta a la luna, preguntándose si hay otro Nyasu mirándola en el silencio de la noche. "Nyasu No Uta" (La Canción de Meowth) tiene un microscópico cameo cuando Meowth aprende a leer y canta esa canción de "aprendí a leer por amor".

El dote musical de Nyasu no se queda ahí. "Nyasu No Party" es un single que salió el 27 de Octubre (¡¡MI CUMPLEAÑOS!! <3) del '99. Y uno de los discos demo para Nintendo Gamecube incluye un clip de Meowth invitando a sus amigos Pokémon a una fiesta. Y por último, el trophy de Super Smash Bros Melee (Gamecube, 2001) de Meowth hace una referencia a "Nyasu No Party", donde hay varios Mons aburridos en una fiesta, Meowth toma la guitarra y rockea el mundo.

18.- Sui

¿Te has preguntado alguna vez por qué si Suicune es un guepardo, Raikou un tigre y Entei un león, a ese trío se les conoce como "perros legendarios"? Yo también.

Quizás tenga que ver con el diseño beta de este trío: Sui(cune), Rai(kou) y En(tei) tienen una forma más canina al ver los sprites de 1997. Cuando vi los legendarios de los más recientes Pokémon Sword & Shield, me acordé de estos diseños iniciales con Blizzapos (Glastrier) y Wraithpos (Spectrier), aunque ellos son caballos, no perros.

19.- Itomaru

Itomaru (Spinarak) está basado en la Araña Joro de Japón. Pero además, llama la atención que su forma y colores se parezca mucho a nuestra endémica Molinaranea magellanica, interesante caso de convergencia evolutiva en nuestro mundo real y, si no mencionaba este dato freak, desde Pto. Montt me iban a mandar zapes por correo.

20.- Maril

Imagino que muchos quienes leen este post tenían uso de razón para 1999. Quienes no, nunca conocieron la legendaria leyenda de Pikablu, la leyenda que corrió por todos los patios de todos los colegios de occidente.

Jwittz lo hace mejor que yo así que vayan a ver su video. La historia versa así: una tercera evolución a Pikachu (posterior a Raichu) aparecería en la segunda generación y en la inminente Pokémon: The Movie. Antes del uso masivo de internet y de siquiera un buen canal de comunicación entre Japón y occidente, esta leyenda corrió como pan caliente en las páginas de Angelfire, Geocities y demás medios de fin de siglo. Tenía sentido en retrospectiva: Si existe Mewtwo, Mew se puede obtener mediante un truco, ¿qué otras cosas tiene el juego que aún no se descubren? Existía el rumor de Mewthree (quien yo creo que es Omega), y de los Pokégods, seres de tanto poder que no podían ser atrapados por medios normales. Malos screenshots de Pikablu comenzaron a correr por internet, un ratón con una cara similar a Pikachu, sin sus cachetes rojos, el cuerpo azul, y en vez de un rayo, tenía una pelota azul en su cola.

No teníamos idea que lo que veíamos era el segundo rediseño de Maril (Marill), quien originalmente era rosado. Grande nuestra sorpresa cuando en Pokémon: The Movie, hay un corto que presenta a Marill correctamente como el Pokémon tipo agua que es, y que no tiene ninguna conexión con Pikachu.

21.- Bayleaf

Les presento al Bayleaf (Bayleef) original según los Beta Sprites de 1997. A pesar que Chikorita y Meganium ya existían casi casi en su forma actual en ese año, Bayleaf era un Mon totalmente distinto. 

22.- Crocky

Crocky es de los Mons más raros del Dex inicial de Kanto. Él es uno de los Pokémon descartados antes de la publicación de 1996, así que no existe ninguna imagen oficial salvo el sprite beta de aquel período. Tiene mucha "actitud Sugimori", y podríamos estar viendo acá los bosquejos iniciales de quien sería Kayriu (Dragonite) o Waninoko (Totodile). Según el balance de tipos que hay en esta Fase 2 de diseño (la humanoide), Crocky probablemente era un tipo roca. El color verde y el diseño es a la imaginación, ya que sólo existe el sprite.

23.- ¿Bashamo?

Desconozco la fecha de este diseño, pero mientras hacían la Gen 3, Bashamo (Blaziken) y Latias eran el mismo Pokémon. Y esa entrenadora es, ¿Claire? ¿Winona?

24.- Guardia

Durante el proceso de recorte de Mons para la Gen 1, Garagara (Marowak) perdió su evolución: Guardia. El concepto creo que le da resolución al Dex de Karakara (Cubone) y Garagara: la idea que Cubone usa el cráneo de su mamá como protección podría haberse referido al de Guardia, no Marowak. El sprite es malísimo para reconocer detalles, pero quizás el Cubone dentro del saco de Guardia no tenía el cráneo todavía (por obvias razones, lo tiene su mamá). Esto también hace un buen nexo entre el hijo de Kangaskhan y su madre, y Cubone y su hipotética madre. Estas siempre fueron dos líneas evolutivas separadas, pero quizás seguían la misma temática.

25.- Yadoran

Ya, esta es más bien una anécdota. En ecología se habla de las relaciones ecológicas que pueden ser beneficiosas o perjudiciales para quienes forman parte de ella. Dentro de las beneficiosas hay dos: simbiosis y mutualismo, donde ambas partes se benefician. La diferencia es que la simbiosis es esencial para la supervivencia de ambos; ejemplo: la flora bacteriana intestinal necesita a los humanos para crear un ambiente donde pueda vivir, y el humano necesita esa flora para que degrade alimentos y nosotros los podamos absorber. El mutualismo no es esencial: el humano le provee a la mascota comida y techo, y la mascota provee salud mental y motivo para subir fotos al humano.

En una clase de zoología, el ayudante usó una foto de Yadon (Slowpoke) y Shellder para explicar la simbiosis, ya que la evolución de Yadoran (Slowbro) requiere la interacción de ambos (en verdad sólo necesita que Slowpoke llegue al nivel 37 pero ese no es el punto). Yo, que confieso a veces soy un poquito conflictivo, le reclamé que Shellder no es simbiosis para Slowpoke porque él puede existir como Slowpoke, pero que sí era simbiosis en Slowbro. Según yo, la flecha del Power Point estaba pa'l otro lado y eso era suficiente para rebatirle en plena clase...y cada vez que nos encontramos por los próximos 5 años o por ahí. Aún no lo olvido, Cozano. Aún no lo olvido.

Honestamente pensé que este post me iba a salir más corto pero, hey...escribir cosas de 25 Mons es largo. En cinco años más no repetiré esto, ténganlo claro. Si quieren seguir leyendo cosas frikis, hace años escribí sobre Ho-Oh.

Saludos a los cabros de Stats.